http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173044 2026-04-16T04:15:55Z 2026-04-16T04:15:55Z Somma, Silvio Diego http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173656 2024-11-22T20:05:26Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1 En la órbita de los diseñadores, sigue acalorada la discusión de si el diseño es arte o no, que a esta altura de los acontecimientos, quizás ya no importe demasiado seguir con ese debate que, en nuestro país, lleva unos 60 años sin resolverse. Lo que probablemente sea indiscutido es la estrecha relación que tiene el diseño con el arte, las artesanías y la tecnología. Dejando de lado ese debate, un asunto mayor que se nos plantea actualmente es acerca de la responsabilidad política que tiene o debería tener el diseño. Un problema que en el arte se plantea desde hace tiempo. Y en menor medida también en las artesanías. Se propone entonces pensar al diseño como algo más que una disciplina proyectual que hace diseños, es decir, pensar una idea, dibujarla (bocetarla), proyectarla y ejecutarla para que después sea reproducida en forma masiva por medios industriales. Proyecto: Diseño de disensos. Formaciones y prácticas editoriales independientes autogestivas en torno a Tranza y Edita. Instituto de Historia del Arte. Facultad de Artes. Universidad Nacional de La Plata. Directora: María Sara Guitelman.

2024-01-01T00:00:00Z En la órbita de los diseñadores, sigue acalorada la discusión de si el diseño es arte o no, que a esta altura de los acontecimientos, quizás ya no importe demasiado seguir con ese debate que, en nuestro país, lleva unos 60 años sin resolverse. Lo que probablemente sea indiscutido es la estrecha relación que tiene el diseño con el arte, las artesanías y la tecnología. Dejando de lado ese debate, un asunto mayor que se nos plantea actualmente es acerca de la responsabilidad política que tiene o debería tener el diseño. Un problema que en el arte se plantea desde hace tiempo. Y en menor medida también en las artesanías. Se propone entonces pensar al diseño como algo más que una disciplina proyectual que hace diseños, es decir, pensar una idea, dibujarla (bocetarla), proyectarla y ejecutarla para que después sea reproducida en forma masiva por medios industriales. Sarriegui, Alejandro http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173655 2024-11-22T20:05:26Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1 En el año 2019 el dúo Amoeba conformado por Alejandro Sarriegui, Moritz Koch y el compositor argentino Luis Menacho (La Plata) comenzaron un diálogo colaborativo para la creación de un nuevo repertorio para el dúo. Comenzaron la búsqueda de trabajar nuevos enfoques escénicos y performativos que envuelven tanto el teatro musical como la práctica post-instrumental. El proceso creativo y de puesta escénica del trabajo se vio interrumpido por la pandemia que paralizó al mundo en el 2020, pero a través de las plataformas como Zoom o Whastsapp se logró continuar el proceso creativo a pesar del ASPO. A lo largo de la colaboración mutua entre composición e interpretación, la selección de materiales y su desarrollo, se hizo posible la aparición de nuevos elementos discursivos que a su vez exigieron la formación de un equipo interdisciplinario. Se convocó así a artistas de diferentes disciplinas para que hicieran sus aportes en una co-creación conjunta. El catalán Jaume Darbra Fa fue responsable de los visuales, Hernán Arrese Igor diseñó y construyó la escenografía donde se ejecutan las diferentes acciones performáticas y Lukas Novok, un artista sonoro alemán, fue responsable del diseño sonoro en vivo. Seguidamente analizaremos diferentes aspectos de la obra señalando el marco teórico al que refiere. En primer lugar, observaremos cómo De humani corporis tematiza ciertos elementos técnicos clave de su lenguaje estético en el tratamiento del cuerpo humano como objeto musical a través de las ideas que prefiguró la compositora australiana Jessy Marino. El segundo concepto relevante en el que se basa la obra es el concepto de post instrumentalidad definido mediante los conceptos desarrollados por los percusionistas Hakon Stene, y Luise Devenish. Por último la palabra del mentor de la obra, el compositor Luis Menacho quien nos detalla aspectos del proceso creativo. Proyecto: A través del nudo, material, gesto y notación en la creación musical. Proyecto PIBA. Facultad de Artes. UNLP. Director: Luis Menacho.

2024-01-01T00:00:00Z En el año 2019 el dúo Amoeba conformado por Alejandro Sarriegui, Moritz Koch y el compositor argentino Luis Menacho (La Plata) comenzaron un diálogo colaborativo para la creación de un nuevo repertorio para el dúo. Comenzaron la búsqueda de trabajar nuevos enfoques escénicos y performativos que envuelven tanto el teatro musical como la práctica post-instrumental. El proceso creativo y de puesta escénica del trabajo se vio interrumpido por la pandemia que paralizó al mundo en el 2020, pero a través de las plataformas como Zoom o Whastsapp se logró continuar el proceso creativo a pesar del ASPO. A lo largo de la colaboración mutua entre composición e interpretación, la selección de materiales y su desarrollo, se hizo posible la aparición de nuevos elementos discursivos que a su vez exigieron la formación de un equipo interdisciplinario. Se convocó así a artistas de diferentes disciplinas para que hicieran sus aportes en una co-creación conjunta. El catalán Jaume Darbra Fa fue responsable de los visuales, Hernán Arrese Igor diseñó y construyó la escenografía donde se ejecutan las diferentes acciones performáticas y Lukas Novok, un artista sonoro alemán, fue responsable del diseño sonoro en vivo. Seguidamente analizaremos diferentes aspectos de la obra señalando el marco teórico al que refiere. En primer lugar, observaremos cómo De humani corporis tematiza ciertos elementos técnicos clave de su lenguaje estético en el tratamiento del cuerpo humano como objeto musical a través de las ideas que prefiguró la compositora australiana Jessy Marino. El segundo concepto relevante en el que se basa la obra es el concepto de post instrumentalidad definido mediante los conceptos desarrollados por los percusionistas Hakon Stene, y Luise Devenish. Por último la palabra del mentor de la obra, el compositor Luis Menacho quien nos detalla aspectos del proceso creativo. Saenz, Julia http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173654 2024-11-22T20:05:27Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1 De antagonista en película de ciencia ficción a herramienta de uso cotidiano, parece imposible escapar de los miles de productos que dicen asistir, optimizar o solucionar algún tema de nuestras vidas con el uso de la inteligencia artificial (IA). Tal es el caso de que pareciera que la IA puede hacerlo todo, reemplazando todos los trabajos, incluidos artistas y diseñadores. Este problema está causado, en parte, por la polisemia del término “Inteligencia Artificial” se usa indiscriminadamente para describir una multitud de técnicas con funcionamientos y aplicaciones tan diversas que es tan abarcativo y a veces ambigüo como el término arte. Por ejemplo, el término incluye al bot contra el que uno juega ajedrez, que puede jugar tan bien o mal como la dificultad lo pida; el autocorrector de cualquier programa de texto, capaz de reconocer cuándo una palabra está mal escrita; el pincel corrector de Photoshop, que analiza los pixeles para eliminar las imperfecciones; el recomendador de Netflix, aprendiendo según tu historial qué serie es más probable que quieras ver, entre muchos más. El objetivo de este trabajo es explorar las potencialidades que esta tecnología provee dentro del campo del arte a partir del análisis de obras realizadas por distintos artistas con inteligencia artificial. Proyecto: Arte, interactividad e interfaces: tecnologías para la captación del cuerpo y generación de entornos virtuales. Facultad de Artes. Director: Emiliano Causa

2024-01-01T00:00:00Z De antagonista en película de ciencia ficción a herramienta de uso cotidiano, parece imposible escapar de los miles de productos que dicen asistir, optimizar o solucionar algún tema de nuestras vidas con el uso de la inteligencia artificial (IA). Tal es el caso de que pareciera que la IA puede hacerlo todo, reemplazando todos los trabajos, incluidos artistas y diseñadores. Este problema está causado, en parte, por la polisemia del término “Inteligencia Artificial” se usa indiscriminadamente para describir una multitud de técnicas con funcionamientos y aplicaciones tan diversas que es tan abarcativo y a veces ambigüo como el término arte. Por ejemplo, el término incluye al bot contra el que uno juega ajedrez, que puede jugar tan bien o mal como la dificultad lo pida; el autocorrector de cualquier programa de texto, capaz de reconocer cuándo una palabra está mal escrita; el pincel corrector de Photoshop, que analiza los pixeles para eliminar las imperfecciones; el recomendador de Netflix, aprendiendo según tu historial qué serie es más probable que quieras ver, entre muchos más. El objetivo de este trabajo es explorar las potencialidades que esta tecnología provee dentro del campo del arte a partir del análisis de obras realizadas por distintos artistas con inteligencia artificial. Radice, Gustavo Mario http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173652 2024-11-22T20:05:27Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1 Este trabajo tiene el objetivo de aportar elementos para la construcción de sentido de una obra posdramática en lo relativo a los procedimientos u operaciones utilizadas en sus modos de producción desde el punto de vista psicoanalítico. Tampoco deja de lado el esbozar supuestos de cómo son los modos de lectura/expectación de este tipo de obras. Para poder abordar dicha empresa de tal complejidad es que partiré de las ideas planteadas por Sigmund Freud en sus libros La interpretación de los sueños (1900-1901) y El chiste y su relación con el inconsciente (1905) para establecer un paralelo conceptual entre la formación del sueño, el chiste y las obras de teatro posdramáticas. Por otra parte para sostener conceptualmente el territorio de lo teatral tomaré como base los escritos de Oscar Cornago (2006), en tanto este autor sostiene una mirada que posibilita complementar el estudio que voy a realizar en tanto apunta a pensar el teatro posdramático como una práctica. Si el teatro posdramático “no define una dramaturgia o poética escénica, sino una práctica teatral, es decir, un modus operandi, una manera de entender la creación escénica —y por extensión la misma realidad— y su construcción/comunicación como proceso”. Por otra parte incluiré los estudios realizados por Nicolás Bourriaud en su libro Posproducción (2009) el cual me permitirá incluir formas de tematizar dicha práctica escénica. Es sobre estos tres ejes que estructuraré la reflexión que me propongo llevar a cabo en este escrito. Proyecto: Construcción de relatos liminales: narrativas visuales, relocalizaciones, expansiones poéticas y simulacros de territorios poéticos. Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano Director: Gustavo Radice

2024-01-01T00:00:00Z Este trabajo tiene el objetivo de aportar elementos para la construcción de sentido de una obra posdramática en lo relativo a los procedimientos u operaciones utilizadas en sus modos de producción desde el punto de vista psicoanalítico. Tampoco deja de lado el esbozar supuestos de cómo son los modos de lectura/expectación de este tipo de obras. Para poder abordar dicha empresa de tal complejidad es que partiré de las ideas planteadas por Sigmund Freud en sus libros La interpretación de los sueños (1900-1901) y El chiste y su relación con el inconsciente (1905) para establecer un paralelo conceptual entre la formación del sueño, el chiste y las obras de teatro posdramáticas. Por otra parte para sostener conceptualmente el territorio de lo teatral tomaré como base los escritos de Oscar Cornago (2006), en tanto este autor sostiene una mirada que posibilita complementar el estudio que voy a realizar en tanto apunta a pensar el teatro posdramático como una práctica. Si el teatro posdramático “no define una dramaturgia o poética escénica, sino una práctica teatral, es decir, un modus operandi, una manera de entender la creación escénica —y por extensión la misma realidad— y su construcción/comunicación como proceso”. Por otra parte incluiré los estudios realizados por Nicolás Bourriaud en su libro Posproducción (2009) el cual me permitirá incluir formas de tematizar dicha práctica escénica. Es sobre estos tres ejes que estructuraré la reflexión que me propongo llevar a cabo en este escrito. Quintana, Matías Eduardo http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173651 2024-11-22T20:05:28Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1 Antes de comenzar con el desarrollo quisiera hacer una advertencia a tener en cuenta. A destacar, muchos de los estudios de mujeres sobre el arte suelen acotarse a obra de artistas mujeres cis, es decir, mujeres cuyo género autopercibido coincide con su designación sexopolítica. En este escenario, las investigaciones sobre la obra de artistas trans, ponen en disputa una diatriba institucionalizada escasa. Dentro de algunos de los aportes que buscan generar otras entradas, la investigación de “Construcción de identidades trans en las propuestas teatrales del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas: Desde Batato Barea a El Teje,” (Bevacqua, 2016), indica como se ha logrado, dentro de la agenda de las organizaciones, focalizar en la implementación la Ley de Identidad de Género 26.743 presentada en el Congreso de la Nación y sancionada el 9 de mayo de 2012. Asimismo, los aportes sobre mujeres trans dentro del libro de la filósofa chilena Alejandra Castillo Ars Disyecta. Figuras para una corpo-política (2014), abordan diferentes prácticas feministas. Esto es, entender el cuerpo político como material de disputa, generar un programa artístico sobre los flujos y establecer los trayectos plurales del cuerpo: extraño, incómodo e irónico: “Tres palabras parecen constituir este ars disyecta: extrañeza, incomodidad e ironía. Tres palabras que no hablan de definiciones o de certezas, sino de desplazamientos, distancias e intervenciones.” (Castillo, 2020, p. 14). Dicho esto, la intención de este escrito para nada es utilizar las obras como meros ejemplos que ilustran las categorías que traeré a reflexión. En todo caso será indispensable comprender la contingencia y los contextos geopolíticos en que estas obras se inscriben. Este posicionamiento de interpelación posibilita rumiar las superficies para dar nuevos nombres a las fracturas, para señalar que lo sensible aún está presente en lo político. Se buscará establecer y retener algunas lecturas modestas e interpelaciones poético-críticas sobre ciertas propuestas que nos invitan a pensar un poco más allá de los límites que las obras de las artistas ofrecen. Proyecto: Construcción de relatos liminales: narrativas visuales, relocalizaciones, expansiones poéticas y simulacro de territorios poéticos.Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano. Director: Gustavo Radice.

2024-01-01T00:00:00Z Antes de comenzar con el desarrollo quisiera hacer una advertencia a tener en cuenta. A destacar, muchos de los estudios de mujeres sobre el arte suelen acotarse a obra de artistas mujeres cis, es decir, mujeres cuyo género autopercibido coincide con su designación sexopolítica. En este escenario, las investigaciones sobre la obra de artistas trans, ponen en disputa una diatriba institucionalizada escasa. Dentro de algunos de los aportes que buscan generar otras entradas, la investigación de “Construcción de identidades trans en las propuestas teatrales del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas: Desde Batato Barea a El Teje,” (Bevacqua, 2016), indica como se ha logrado, dentro de la agenda de las organizaciones, focalizar en la implementación la Ley de Identidad de Género 26.743 presentada en el Congreso de la Nación y sancionada el 9 de mayo de 2012. Asimismo, los aportes sobre mujeres trans dentro del libro de la filósofa chilena Alejandra Castillo Ars Disyecta. Figuras para una corpo-política (2014), abordan diferentes prácticas feministas. Esto es, entender el cuerpo político como material de disputa, generar un programa artístico sobre los flujos y establecer los trayectos plurales del cuerpo: extraño, incómodo e irónico: “Tres palabras parecen constituir este ars disyecta: extrañeza, incomodidad e ironía. Tres palabras que no hablan de definiciones o de certezas, sino de desplazamientos, distancias e intervenciones.” (Castillo, 2020, p. 14). Dicho esto, la intención de este escrito para nada es utilizar las obras como meros ejemplos que ilustran las categorías que traeré a reflexión. En todo caso será indispensable comprender la contingencia y los contextos geopolíticos en que estas obras se inscriben. Este posicionamiento de interpelación posibilita rumiar las superficies para dar nuevos nombres a las fracturas, para señalar que lo sensible aún está presente en lo político. Se buscará establecer y retener algunas lecturas modestas e interpelaciones poético-críticas sobre ciertas propuestas que nos invitan a pensar un poco más allá de los límites que las obras de las artistas ofrecen. Pérez Balbi, Magdalena Inés http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173649 2024-11-22T20:05:29Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1 Este texto articula tres experiencias que cruzan prácticas artísticas y territoriales sucedidas en el partido de La Plata, Berisso y Ensenada en distintos momentos del 2023. Estas son: La exposición Como se crea un paisaje, de Daniela Samponi, en Galería Damme (La Plata), del 30 de marzo al 30 de abril. La exhibición (re!) parar. Archivo colectivo de Tolosa, realizada en el Galpón de Comunidad Ferroviaria (Tolosa) el 21 de abril, único día. El workshop de Francesco Careri, realizado entre el 4 y el 11 de noviembre, coordinado por Casa Rio, Damme, Red That (FAU/ UNLP) y Arquitectura Rioplatense. Entre todas las actividades desarrolladas en este marco, nos centraremos en los recorridos y diálogos en torno a la instalación en el ex Frigorífico Swift (Berisso). A diferencia de los papers académicos en los que la metodología, la selección de casos y recortes temporales y la pertinencia de las fuentes debe estar suficientemente justificada desde un marco teórico previo a la investigación, este ensayo no tiene trabajo de campo sino de compost: una escritura posterior, demorada, producto de participar de estos casos, con vasos comunicantes que residen no solo en conceptos y herramientas sino también en personas y escenas artístico-comunitarias locales. Proyecto: Proyecto Bienal 2024-2025 UNLP: Arte y descolonialidad. Miradas críticas del arte argentino y latinoamericano desde el análisis de casos, las prácticas territoriales, la producción artística y la enseñanza. Dirección: Mariela Alonso. Codirección: Yanina Hualde

2024-01-01T00:00:00Z Este texto articula tres experiencias que cruzan prácticas artísticas y territoriales sucedidas en el partido de La Plata, Berisso y Ensenada en distintos momentos del 2023. Estas son: La exposición Como se crea un paisaje, de Daniela Samponi, en Galería Damme (La Plata), del 30 de marzo al 30 de abril. La exhibición (re!) parar. Archivo colectivo de Tolosa, realizada en el Galpón de Comunidad Ferroviaria (Tolosa) el 21 de abril, único día. El workshop de Francesco Careri, realizado entre el 4 y el 11 de noviembre, coordinado por Casa Rio, Damme, Red That (FAU/ UNLP) y Arquitectura Rioplatense. Entre todas las actividades desarrolladas en este marco, nos centraremos en los recorridos y diálogos en torno a la instalación en el ex Frigorífico Swift (Berisso). A diferencia de los papers académicos en los que la metodología, la selección de casos y recortes temporales y la pertinencia de las fuentes debe estar suficientemente justificada desde un marco teórico previo a la investigación, este ensayo no tiene trabajo de campo sino de compost: una escritura posterior, demorada, producto de participar de estos casos, con vasos comunicantes que residen no solo en conceptos y herramientas sino también en personas y escenas artístico-comunitarias locales. Pellizzari, Julieta Teijido y Mato, Carmen Fernanda http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173648 2024-11-22T20:05:29Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1 La División Arqueología del Museo de La Plata cuenta con una gran cantidad de objetos arqueológicos, elaborados en diferentes materiales, tales cómo cerámico, lítico, óseo, malacológico y textil, provenientes en su gran mayoría del noroeste argentino. También cuenta con materiales originarios de otros países como Bolivia, Uruguay, Perú, Ecuador, Francia, Italia, Bélgica, Egipto e India, entre otros. Menos conocidos, pero igualmente valiosos, son los objetos realizados en material de yeso como los calcos históricos del Museo. Estos fueron confeccionados hacia fines del siglo XIX y comienzos del XX a partir de moldes tomados de las piezas originales por medio de los cuales se obtenían copias fieles del objeto a replicar (Igareta et al., 2014). La función de los calcos era la de acercar estos objetos únicos al público y a los investigadores para observarlos de manera directa y a escala real (Igareta et al, 2014). Con el paso del tiempo los calcos fueron desplazados de las salas por objetos “originales”, quedando estas obras excluidas de cualquier tratamiento de preservación aplicados a los bienes patrimoniales del museo. Esta situación generó un gran deterioro y pérdidas irreversibles en los objetos, incluso en los pocos casos de las piezas que continúan siendo exhibidas, podemos observar intervenciones estéticas que transgreden cualquier principio actual en la materia. Es por ello que el objetivo del trabajo, previo registro de los calcos ubicados en salas de exhibición o depósitos, fue el de realizar tareas de identificación y caracterización de los deterioros presentes, para luego realizar tratamientos de conservación preventiva e interventiva, detallando los métodos de intervención llevados adelante. Proyecto: “La colección de bienes culturales artísticos del Museo de La Plata-Facultad de Ciencias Naturales-UNLP. Catalogación e investigación histórico-artística de las obras, 2da etapa”. Instituto de Historia del Arte. Facultad de Artes. Universidad Nacional de La Plata. Directora: Marcela Andruchow

2024-01-01T00:00:00Z La División Arqueología del Museo de La Plata cuenta con una gran cantidad de objetos arqueológicos, elaborados en diferentes materiales, tales cómo cerámico, lítico, óseo, malacológico y textil, provenientes en su gran mayoría del noroeste argentino. También cuenta con materiales originarios de otros países como Bolivia, Uruguay, Perú, Ecuador, Francia, Italia, Bélgica, Egipto e India, entre otros. Menos conocidos, pero igualmente valiosos, son los objetos realizados en material de yeso como los calcos históricos del Museo. Estos fueron confeccionados hacia fines del siglo XIX y comienzos del XX a partir de moldes tomados de las piezas originales por medio de los cuales se obtenían copias fieles del objeto a replicar (Igareta et al., 2014). La función de los calcos era la de acercar estos objetos únicos al público y a los investigadores para observarlos de manera directa y a escala real (Igareta et al, 2014). Con el paso del tiempo los calcos fueron desplazados de las salas por objetos “originales”, quedando estas obras excluidas de cualquier tratamiento de preservación aplicados a los bienes patrimoniales del museo. Esta situación generó un gran deterioro y pérdidas irreversibles en los objetos, incluso en los pocos casos de las piezas que continúan siendo exhibidas, podemos observar intervenciones estéticas que transgreden cualquier principio actual en la materia. Es por ello que el objetivo del trabajo, previo registro de los calcos ubicados en salas de exhibición o depósitos, fue el de realizar tareas de identificación y caracterización de los deterioros presentes, para luego realizar tratamientos de conservación preventiva e interventiva, detallando los métodos de intervención llevados adelante. Pellizzari, Julieta http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173647 2024-11-22T20:05:30Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1 David Roberts nació el 24 de octubre de 1796 en Londres, fue uno de los más famosos pintores románticos británicos, conocido más que nada por sus acuarelas y grabados de monumentos y paisajes musulmanes. En su diario se encontró un documento manuscrito por el autor con un boceto de la obra en tinta que titula "La destrucción de Jerusalén por Tito"; anotaciones personales, y un artículo periodístico que analizaremos a continuación. Proyecto: “La colección de bienes culturales artísticos del Museo de La Plata-Facultad de Ciencias Naturales-UNLP. Catalogación e investigación histórico-artística de las obras, 2da etapa”. Instituto de Historia del Arte. Facultad de Artes. Universidad Nacional de La Plata. Directora: Marcela Andruchow

2024-01-01T00:00:00Z David Roberts nació el 24 de octubre de 1796 en Londres, fue uno de los más famosos pintores románticos británicos, conocido más que nada por sus acuarelas y grabados de monumentos y paisajes musulmanes. En su diario se encontró un documento manuscrito por el autor con un boceto de la obra en tinta que titula "La destrucción de Jerusalén por Tito"; anotaciones personales, y un artículo periodístico que analizaremos a continuación. Núñez, Andrea Mónica Rossetti, Viviana Andrea http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173645 2024-11-22T20:05:30Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1 Tras la expulsión de la Compañía de Jesús por el rey Carlos III en 1767, las reducciones fueron cursando un proceso de deterioro. Desde finales del siglo XIX hasta la actualidad, los restos materiales sobrevivientes se dispersaron hacia Paraguay, Brasil y Argentina. Puntualizamos que el museo del siglo XIX abordaba el conocimiento desde una concepción objetivante, cientificista, propia del paradigma moderno; a través de ella traza una frontera desde la cual se distingue del Otro y se ubica en una posición superior definiendo allí una relación de poder. Tal mirada no solamente está en el origen de un modelo de conocimiento, el positivismo, sino también en el origen de un paradigma de construcción del orden social: el colonialismo. Aníbal Quijano (2000) en este sentido plantea la colonialidad del poder al referirse al sistema de dominio que se construye a partir de un patrón de poder que se establece sobre las culturas indígenas de América sometidas por los colonizadores europeos. En este marco el autor plantea que una de las características de este patrón de poder es que el único modo de conocer y reproducir ese conocimiento debía hacerse a través de procedimientos científicos. La ciencia se convirtió entonces, en la única manera de conocer el mundo, de producir el conocimiento y de legitimarlo. Esto provocó que otras formas de conocimiento fueran vistas como algo que pertenecía al pasado, como magia o superstición, que obstaculizaba el camino hacia la verdad universal. Esta colonialidad del saber es otra forma de dominación, la epistémica, que conlleva la homogeneización de los conocimientos y de las miradas. Es a partir de esta perspectiva y centrándonos en la colección mencionada que nos interesa poner en cuestión ciertos aspectos de los discursos y narrativas que generalmente definen a este tipo de materiales. Surgen así una serie de preguntas que nos atravesaron acerca del llamado arte barroco hispano- guaraní, por ejemplo, en relación a si este sólo presenta características miméticas y si el artista guaraní únicamente puede ser valorado por su destreza técnica. Por otro lado, si bien la evangelización obligó a modificar muchos aspectos de la vida social y moral guaraní, siendo su mundo místico y sobrenatural el más atacado desde la concepción de herejía, ¿hasta qué punto el guaraní asimiló las nuevas creencias y hasta dónde renunció a su cosmovisión?. Proyecto: “La colección de bienes culturales artísticos del Museo de La Plata - Facultad de Ciencias Naturales de La Plata, UNLP. Catalogación e investigación histórica - artística, técnica y material de obras, 2da. Etapa.” Instituto de Historia del Arte. Facultad de Artes. Universidad Nacional de La Plata. Dirección: Marcela Andruchow.

2024-01-01T00:00:00Z Tras la expulsión de la Compañía de Jesús por el rey Carlos III en 1767, las reducciones fueron cursando un proceso de deterioro. Desde finales del siglo XIX hasta la actualidad, los restos materiales sobrevivientes se dispersaron hacia Paraguay, Brasil y Argentina. Puntualizamos que el museo del siglo XIX abordaba el conocimiento desde una concepción objetivante, cientificista, propia del paradigma moderno; a través de ella traza una frontera desde la cual se distingue del Otro y se ubica en una posición superior definiendo allí una relación de poder. Tal mirada no solamente está en el origen de un modelo de conocimiento, el positivismo, sino también en el origen de un paradigma de construcción del orden social: el colonialismo. Aníbal Quijano (2000) en este sentido plantea la colonialidad del poder al referirse al sistema de dominio que se construye a partir de un patrón de poder que se establece sobre las culturas indígenas de América sometidas por los colonizadores europeos. En este marco el autor plantea que una de las características de este patrón de poder es que el único modo de conocer y reproducir ese conocimiento debía hacerse a través de procedimientos científicos. La ciencia se convirtió entonces, en la única manera de conocer el mundo, de producir el conocimiento y de legitimarlo. Esto provocó que otras formas de conocimiento fueran vistas como algo que pertenecía al pasado, como magia o superstición, que obstaculizaba el camino hacia la verdad universal. Esta colonialidad del saber es otra forma de dominación, la epistémica, que conlleva la homogeneización de los conocimientos y de las miradas. Es a partir de esta perspectiva y centrándonos en la colección mencionada que nos interesa poner en cuestión ciertos aspectos de los discursos y narrativas que generalmente definen a este tipo de materiales. Surgen así una serie de preguntas que nos atravesaron acerca del llamado arte barroco hispano- guaraní, por ejemplo, en relación a si este sólo presenta características miméticas y si el artista guaraní únicamente puede ser valorado por su destreza técnica. Por otro lado, si bien la evangelización obligó a modificar muchos aspectos de la vida social y moral guaraní, siendo su mundo místico y sobrenatural el más atacado desde la concepción de herejía, ¿hasta qué punto el guaraní asimiló las nuevas creencias y hasta dónde renunció a su cosmovisión?. Montañez, Federico http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173644 2024-11-22T20:05:31Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1 El concepto propuesto por el compositor ecuatoriano Mesías Maiguashca (residente en Alemania luego de su paso por el CLAEM) de objeto sonoro (Klangobjekt) lo podemos encontrar claramente en su ciclo de obras Reading Castañeda expuestas en 1993 como encargo del ZKM (Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe), aunque provienen de trabajos anteriores, desarrollados durante las exploraciones que tuvo el compositor en diversos centros del desarrollo de la música electrónica y digital. A su vez, algunos de los resultados obtenidos durante el ciclo de obras mencionado fueron reciclados y reversionados en obras posteriores. A modo de organización, se plantea el siguiente recorte de obras que involucran el concepto de objeto sonoro, dejando afuera desarrollos en obras más recientes que, se entiende, demarcan una etapa diferenciada del propio compositor. Proyecto: A través del nudo, material, gesto y notación en la creación musical. Proyecto PIBA. Facultad de Artes. UNLP. Director: Luis Menacho

2024-01-01T00:00:00Z El concepto propuesto por el compositor ecuatoriano Mesías Maiguashca (residente en Alemania luego de su paso por el CLAEM) de objeto sonoro (Klangobjekt) lo podemos encontrar claramente en su ciclo de obras Reading Castañeda expuestas en 1993 como encargo del ZKM (Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe), aunque provienen de trabajos anteriores, desarrollados durante las exploraciones que tuvo el compositor en diversos centros del desarrollo de la música electrónica y digital. A su vez, algunos de los resultados obtenidos durante el ciclo de obras mencionado fueron reciclados y reversionados en obras posteriores. A modo de organización, se plantea el siguiente recorte de obras que involucran el concepto de objeto sonoro, dejando afuera desarrollos en obras más recientes que, se entiende, demarcan una etapa diferenciada del propio compositor. Menacho, Luis http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173642 2024-11-23T04:04:58Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1 Siempre resulta sospechoso que un músico se entregue a la introspección analítica, más aún cuando se trata de un compositor que asume la peligrosa tarea del autoanálisis. Pierre Boulez (1963) nos avisa e inmediatamente lo hace para la edición de sus conferencias en Darmstadt reunidas bajo el título Penser la musique aujourd hui [Pensar la música hoy] (Boulez: 1963)1. El que avisa no traiciona dice el conocido dicho. Hablar acerca de la propia estética es algo incómodo pero a la vez resulta inevitable para un compositor; más aún cuando ya se peinan algunas canas. Sumado a esto y salvo algunas excepciones, la ausencia en la Argentina de una crítica musical interesada en la música reciente, que vaya más allá de la glosa periodística, que le exija una lectura reflexiva y atenta, es la nota que marca un estado del arte en la música muy asimétrico respecto al cine o a las artes visuales. El artista, como el filósofo, es un testigo de su tiempo en el cual, mediante sus propios medios expresivos, busca decir algo. Hoy resulta ineludible recuperar ese título bouleziano, «Pensar la música hoy» y que se inscribe en esa larga tradición inaugurada hace más de dos siglos y que es, en tanto inquietud y pregunta sobre lo actual, algo permanente para el artista. Proyecto: A través del nudo, material, gesto y notación en la creación musical. Proyecto PIBA. Facultad de Artes. UNLP. Director: Luis Menacho

2024-01-01T00:00:00Z Siempre resulta sospechoso que un músico se entregue a la introspección analítica, más aún cuando se trata de un compositor que asume la peligrosa tarea del autoanálisis. Pierre Boulez (1963) nos avisa e inmediatamente lo hace para la edición de sus conferencias en Darmstadt reunidas bajo el título Penser la musique aujourd hui [Pensar la música hoy] (Boulez: 1963)1. El que avisa no traiciona dice el conocido dicho. Hablar acerca de la propia estética es algo incómodo pero a la vez resulta inevitable para un compositor; más aún cuando ya se peinan algunas canas. Sumado a esto y salvo algunas excepciones, la ausencia en la Argentina de una crítica musical interesada en la música reciente, que vaya más allá de la glosa periodística, que le exija una lectura reflexiva y atenta, es la nota que marca un estado del arte en la música muy asimétrico respecto al cine o a las artes visuales. El artista, como el filósofo, es un testigo de su tiempo en el cual, mediante sus propios medios expresivos, busca decir algo. Hoy resulta ineludible recuperar ese título bouleziano, «Pensar la música hoy» y que se inscribe en esa larga tradición inaugurada hace más de dos siglos y que es, en tanto inquietud y pregunta sobre lo actual, algo permanente para el artista. Lesna, Ana Belén http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173639 2024-11-23T04:05:01Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1 La presente investigación se centra en el análisis y la reflexión del desarrollo de la realidad virtual (RV) como una tecnología innovadora que despliega nuevos horizontes dentro de los códigos culturales y sus relaciones. En un mundo impulsado por avances tecnológicos constantes, la RV emerge como una herramienta poderosa que busca no solo entretener, sino también desafiar nuestras percepciones y comprensiones convencionales. La RV cautiva la imaginación y el asombro de las personas a través de experiencias inusuales e inmersivas. Desde el ámbito artístico nos adentramos en un espacio donde las barreras físicas se desvanecen, y las posibilidades de conexión con otros estados y dimensiones se multiplican. La RV brinda la posibilidad de romper con las convenciones establecidas y nos permite diseñar experiencias que trascienden las limitaciones del mundo físico. Representa un potencial transformador, porque ofrece un medio para la exploración de la conciencia y la redefinición de la concepción sobre la realidad. Al sumergirnos en entornos virtuales, la abstracción y la manipulación de los elementos sensoriales ofrecen una oportunidad única para explorar nuevos territorios estéticos y narrativos. Sin embargo, junto con las infinitas posibilidades que ofrece la realidad virtual, también emergen desafíos y peligros que no deben pasarse por alto. La sobreexposición o el mal uso de esta tecnología pueden tener repercusiones negativas en la salud mental y emocional de los individuos, así como en la percepción de la realidad. Es crucial, por tanto, abordar estos aspectos con responsabilidad, garantizando que se utilice de manera constructiva en beneficio de la sociedad. Proyecto: Arte, Interactividad e Interfaces: tecnologías para la captación del cuerpo y generación de entornos virtuales. Facultad de Artes. Director: Emiliano Causa

2024-01-01T00:00:00Z La presente investigación se centra en el análisis y la reflexión del desarrollo de la realidad virtual (RV) como una tecnología innovadora que despliega nuevos horizontes dentro de los códigos culturales y sus relaciones. En un mundo impulsado por avances tecnológicos constantes, la RV emerge como una herramienta poderosa que busca no solo entretener, sino también desafiar nuestras percepciones y comprensiones convencionales. La RV cautiva la imaginación y el asombro de las personas a través de experiencias inusuales e inmersivas. Desde el ámbito artístico nos adentramos en un espacio donde las barreras físicas se desvanecen, y las posibilidades de conexión con otros estados y dimensiones se multiplican. La RV brinda la posibilidad de romper con las convenciones establecidas y nos permite diseñar experiencias que trascienden las limitaciones del mundo físico. Representa un potencial transformador, porque ofrece un medio para la exploración de la conciencia y la redefinición de la concepción sobre la realidad. Al sumergirnos en entornos virtuales, la abstracción y la manipulación de los elementos sensoriales ofrecen una oportunidad única para explorar nuevos territorios estéticos y narrativos. Sin embargo, junto con las infinitas posibilidades que ofrece la realidad virtual, también emergen desafíos y peligros que no deben pasarse por alto. La sobreexposición o el mal uso de esta tecnología pueden tener repercusiones negativas en la salud mental y emocional de los individuos, así como en la percepción de la realidad. Es crucial, por tanto, abordar estos aspectos con responsabilidad, garantizando que se utilice de manera constructiva en beneficio de la sociedad. Guimarey, Maria http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173637 2024-11-23T04:05:02Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1 Entre 2014 y 2020, la Comedia Municipal de La Plata organizó el «Festival de la Mujer», dedicando un evento de la agenda cultural de la ciudad para celebrar a las mujeres. Pero producir un recorte del teatro platense a partir de una categoría como la de mujer abre los siguientes interrogantes: ¿Qué supuestos sustentan lo que allí se incluye y lo que no, operando también como justificantes? ¿Es posible sostener esas delimitaciones si desocultamos su carácter contingente y situado? En este trabajo sugiero que las obras programadas se presentan como un cúmulo de promesas optimistas de femineidad. Estas promesas (Ahmed, 2019) serían la garantía de concreción de las expectativas de lo que se entiende por mujer, lo cual se logra a través del efecto regulador de cierta figuras cristalizadas por la tradición. Aquello que en apariencia reivindicaría a las mujeres de forma optimista (Berlan, 2020), otorgándoles voz propia y ofreciendo un horizonte afectivo seguro sería solamente una ilusión de fuga, ya que dichas cristalizaciones contribuyen a su vez a controlar y constreñir el significante mismo. En conclusión, las figuras que las obras (re)producen activan la dimensión performativa del festival obrando para construir aquello que su nombre enuncia y reificando, consecuentemente, lo que es ser mujer en una serie de atributos que se naturalizan como constitutivos y excluyentes de las femineidades.

2024-01-01T00:00:00Z Entre 2014 y 2020, la Comedia Municipal de La Plata organizó el «Festival de la Mujer», dedicando un evento de la agenda cultural de la ciudad para celebrar a las mujeres. Pero producir un recorte del teatro platense a partir de una categoría como la de mujer abre los siguientes interrogantes: ¿Qué supuestos sustentan lo que allí se incluye y lo que no, operando también como justificantes? ¿Es posible sostener esas delimitaciones si desocultamos su carácter contingente y situado? En este trabajo sugiero que las obras programadas se presentan como un cúmulo de promesas optimistas de femineidad. Estas promesas (Ahmed, 2019) serían la garantía de concreción de las expectativas de lo que se entiende por mujer, lo cual se logra a través del efecto regulador de cierta figuras cristalizadas por la tradición. Aquello que en apariencia reivindicaría a las mujeres de forma optimista (Berlan, 2020), otorgándoles voz propia y ofreciendo un horizonte afectivo seguro sería solamente una ilusión de fuga, ya que dichas cristalizaciones contribuyen a su vez a controlar y constreñir el significante mismo. En conclusión, las figuras que las obras (re)producen activan la dimensión performativa del festival obrando para construir aquello que su nombre enuncia y reificando, consecuentemente, lo que es ser mujer en una serie de atributos que se naturalizan como constitutivos y excluyentes de las femineidades. Gómez Toresani, Verónica Carballo, Karen Roberta Arrese Igor, José Hernán http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173635 2024-11-23T04:05:03Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1 El objetivo de este ciclo es desarrollar un producto audiovisual que muestre y promueva las producciones musicales de los estudiantes y graduados de las carreras de música de La Facultad de Artes (FDA) de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP); y es un proyecto de la Secretaría de Relaciones Institucionales (SRI) de dicha facultad. Esta propuesta transdisciplinaria involucra la participación de estudiantes y graduados de carreras como Sonido, Audiovisuales, Artes Plásticas y Música. Cada programa del Ciclo Mirá! consta de la grabación en vivo de dos o tres temas de autoría interpretados por conjuntos musicales, acompañado de una entrevista que profundiza en sus propuestas artísticas. Los y las integrantes de estas agrupaciones musicales tienen vínculos estrechos o directos con la Facultad de Artes, ya sean estudiantes en curso o egresados. Proyecto: Construcción de relatos liminales: narrativas visuales, relocalizaciones, expansiones poéticas y simulacros de territorios poéticos.Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano. Director: Gustavo Radice.

2024-01-01T00:00:00Z El objetivo de este ciclo es desarrollar un producto audiovisual que muestre y promueva las producciones musicales de los estudiantes y graduados de las carreras de música de La Facultad de Artes (FDA) de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP); y es un proyecto de la Secretaría de Relaciones Institucionales (SRI) de dicha facultad. Esta propuesta transdisciplinaria involucra la participación de estudiantes y graduados de carreras como Sonido, Audiovisuales, Artes Plásticas y Música. Cada programa del Ciclo Mirá! consta de la grabación en vivo de dos o tres temas de autoría interpretados por conjuntos musicales, acompañado de una entrevista que profundiza en sus propuestas artísticas. Los y las integrantes de estas agrupaciones musicales tienen vínculos estrechos o directos con la Facultad de Artes, ya sean estudiantes en curso o egresados. Di Sarli, Natalia http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173634 2024-11-23T04:05:05Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1 Deshabitada e Instante eterno, producciones audiovisuales generadas por estudiantes de la Cátedra Taller Básico Escenografía I-II, construyen cartografías de territorios otros, espacios de lo invisible a la vez que ruinas de una ciudad del pasado. Deshabitada fue filmada en la antigua Usina Hidráulica de Berisso. Instante eterno, en los Talleres Ferroviarios de Tolosa. A partir de procedimientos y formatos audiovisuales, les estudiantes poetizan visualmente estos espacios abandonados y que han perdido su función original, hábitats en derrumbe que adquieren una visibilidad alterna. Dichas producciones, a través del ojo de la cámara, buscan habitar lo deshabitado al mismo tiempo que subrayan la tensión de los imaginarios de centro y periferia en el casco urbano platense.

2024-01-01T00:00:00Z Deshabitada e Instante eterno, producciones audiovisuales generadas por estudiantes de la Cátedra Taller Básico Escenografía I-II, construyen cartografías de territorios otros, espacios de lo invisible a la vez que ruinas de una ciudad del pasado. Deshabitada fue filmada en la antigua Usina Hidráulica de Berisso. Instante eterno, en los Talleres Ferroviarios de Tolosa. A partir de procedimientos y formatos audiovisuales, les estudiantes poetizan visualmente estos espacios abandonados y que han perdido su función original, hábitats en derrumbe que adquieren una visibilidad alterna. Dichas producciones, a través del ojo de la cámara, buscan habitar lo deshabitado al mismo tiempo que subrayan la tensión de los imaginarios de centro y periferia en el casco urbano platense. Di Sarli, Natalia Bucari, Agustín Sanguinetti, Florencia Cortés, Gastón Quintana, Matías Eduardo León, Pablo Valesini, María Silvina Arrese Igor, José Hernán Carballo, Karen Roberta Radice, Gustavo Mario Menacho, Luis Coppa, Carlos Tules, Adrián Ariel Valent, María Guillermina Ibañez Roka, Diego Ricardo Alagia, Domingo http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173633 2024-11-23T04:05:06Z 2024-01-01T00:00:00Z

Contribucion a revista Cuadernos de Arte; no. 1 Compilación de obras de artistas de distintas disciplinas, a fin de articular la producción científica del Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano de la Facultad de Artes de la UNLP con la producción artística del campo cultural platense.

2024-01-01T00:00:00Z Compilación de obras de artistas de distintas disciplinas, a fin de articular la producción científica del Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano de la Facultad de Artes de la UNLP con la producción artística del campo cultural platense. Cortés, Gastón http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173537 2024-11-21T20:05:07Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1 Pensar en una relación entre el tema desarrollado en la investigación y lo visto en la Bienal de Venecia, en sí puede resultar ambicioso. Puntos de encuentro aislados si se los busca pueden existir, sin embargo la propuesta de 2022 ideada por el Comité organizador y bajo la curaduría de Cecilia Alemani fue, sorprendentemente, una de las más estaba en sintonía. Trataré de unir diferentes puntos de congruencia. Lo más relevante para el arte argentino contemporáneo, y una de las propuestas más relevantes de la muestra en general fue la obra de Gabriel Chaile, sin dudas. Para poder seguir debo aclarar que el Proyecto de Investigación al que estoy ligado plantea una aproximación a la relevancia y permanencia del uso de la cerámica en los espacios vitales, y que a través de la misma se pone de manifiesto la subsistencia de la tradición y la innovación a lo largo del tiempo. Es a través de distintas concepciones del arte cerámico que se toma como eje a la potencia significante presente en el objeto/contenedor como forma cultural arquetípica para indagar en sus dimensiones funcionales, estéticas e histórico/culturales, he ahí la obra de Chaile. El propósito es reflexionar sobre las cualidades simbólicas de aquellos objetos utilitarios, que perdiendo su funcionalidad o no, se vuelven generadores de una experiencia meramente contemplativa, o incluso ambas funciones. Proyecto: Cerámica y Humanidad. Naturaleza que habitamos. Instituto de Historia del Arte. Facultad de Artes. Universidad Nacional de La Plata. Directora: María Luján Podestá. Co-directora: Angela Tedeschi.

2024-01-01T00:00:00Z Pensar en una relación entre el tema desarrollado en la investigación y lo visto en la Bienal de Venecia, en sí puede resultar ambicioso. Puntos de encuentro aislados si se los busca pueden existir, sin embargo la propuesta de 2022 ideada por el Comité organizador y bajo la curaduría de Cecilia Alemani fue, sorprendentemente, una de las más estaba en sintonía. Trataré de unir diferentes puntos de congruencia. Lo más relevante para el arte argentino contemporáneo, y una de las propuestas más relevantes de la muestra en general fue la obra de Gabriel Chaile, sin dudas. Para poder seguir debo aclarar que el Proyecto de Investigación al que estoy ligado plantea una aproximación a la relevancia y permanencia del uso de la cerámica en los espacios vitales, y que a través de la misma se pone de manifiesto la subsistencia de la tradición y la innovación a lo largo del tiempo. Es a través de distintas concepciones del arte cerámico que se toma como eje a la potencia significante presente en el objeto/contenedor como forma cultural arquetípica para indagar en sus dimensiones funcionales, estéticas e histórico/culturales, he ahí la obra de Chaile. El propósito es reflexionar sobre las cualidades simbólicas de aquellos objetos utilitarios, que perdiendo su funcionalidad o no, se vuelven generadores de una experiencia meramente contemplativa, o incluso ambas funciones. Ceccarelli, Pablo Alejandro http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173536 2024-11-21T20:05:07Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1 La autora relata su experiencia con la obra Proyecto cero (Galpón Momo Teatro, 2018) y reflexiona sobre las tensiones presentes alrededor del encuentro entre el teatro y el audiovisual, la captura del acontecimiento escénico. Proyecto de Beca: Operaciones del audiovisual en el teatro. Estudio de experiencias convivial y tecnovivial en un corpus de obras del grupo Galpón Momo Teatro de La Plata (2018-2021) Dirección: Dra. Natalia Matewecki. Co-Dirección: Lic. Eva B. Noriega.

2024-01-01T00:00:00Z La autora relata su experiencia con la obra Proyecto cero (Galpón Momo Teatro, 2018) y reflexiona sobre las tensiones presentes alrededor del encuentro entre el teatro y el audiovisual, la captura del acontecimiento escénico. Casella, Germán Andrés http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173535 2024-11-21T20:05:08Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1; https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/159543 Como un permiso auto-otorgado frente a las exigencias propias de la Academia, quiero compartir algunas reflexiones sobre el proceso de escritura de mi tesis de doctorado. En ella trabajé sobre los criterios de selección de obras de teatro para infancias en la ciudad de La Plata, pensándolos como un espacio político de fuerza prescriptiva que sedimentan normativas de género y sexo por exclusión constitutiva. Con esto quiero decir que los límites de lo posible sobre lo que son los «niños», constituyen a la cisheterosexualidad obligatoria como una entidad pre-discursiva. Entonces, ya desde el momento en que se piensa un teatro adjetivado, hay infancias que importan, es decir que se vuelven inteligibles porque son conformadas y confirmadas como esencialmente cishetero. Frente a esto, quiero repensar mis puntos de partida para llegar a una conclusión como esta, pues mi escritura busca ser feminista, es decir, producida de manera parcial y situada y por ello rigurosa y no objetiva. También busca ser cuir, pues está atravesada por mi historia y mi carne que se reconocen marica, disidente, en contra de las normas cisheterosexuales de opresión. Por tanto, recupero aquí algunos fragmentos del Prefacio de mi tesis (Casella, 2023), con el objetivo de compartir algunas reflexiones y problemas en torno a las maneras de escribir que nos empujan a salirnos de lo neutro y, con ello, de las maneras cisheterosexuales de pensar. En "Documentos relacionados" se encuentra el link para acceder al texto completo de la tesis.; Proyecto: Construcción de relatos liminales: narrativas visuales, relocalizaciones, expansiones poéticas y simulacros de territorios poéticos. Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano Director: Gustavo Mario Radice.

2024-01-01T00:00:00Z Como un permiso auto-otorgado frente a las exigencias propias de la Academia, quiero compartir algunas reflexiones sobre el proceso de escritura de mi tesis de doctorado. En ella trabajé sobre los criterios de selección de obras de teatro para infancias en la ciudad de La Plata, pensándolos como un espacio político de fuerza prescriptiva que sedimentan normativas de género y sexo por exclusión constitutiva. Con esto quiero decir que los límites de lo posible sobre lo que son los «niños», constituyen a la cisheterosexualidad obligatoria como una entidad pre-discursiva. Entonces, ya desde el momento en que se piensa un teatro adjetivado, hay infancias que importan, es decir que se vuelven inteligibles porque son conformadas y confirmadas como esencialmente cishetero. Frente a esto, quiero repensar mis puntos de partida para llegar a una conclusión como esta, pues mi escritura busca ser feminista, es decir, producida de manera parcial y situada y por ello rigurosa y no objetiva. También busca ser cuir, pues está atravesada por mi historia y mi carne que se reconocen marica, disidente, en contra de las normas cisheterosexuales de opresión. Por tanto, recupero aquí algunos fragmentos del Prefacio de mi tesis (Casella, 2023), con el objetivo de compartir algunas reflexiones y problemas en torno a las maneras de escribir que nos empujan a salirnos de lo neutro y, con ello, de las maneras cisheterosexuales de pensar. Carod, Natalia Ailén http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/173534 2024-11-21T20:05:08Z 2024-01-01T00:00:00Z

Articulo Cuadernos de Arte; no. 1 En 2015 se produjo la primera movilización Ni Una Menos, este acontecimiento se identificó como el comienzo de la cuarta ola del movimiento feminista en la Argentina. Entre la masividad de representaciones en torno al signo mujeres que se llevaron a cabo en este periodo, muchas de ellas buscaron inrrumpir en el sistema de representación dominante con imágenes de este sujeto que más se asemejen a la <nueva> comprensión de la mujer que se estaba gestando en el imaginario cultural post cuarta ola feminista. Representaciones y comprensiones que dieran cuenta además de formas de vivir la identidad disímiles a lo que el sistema patriarcal visual proponía como canon. Este periodo coincide con mis inicios en la investigación, a partir de esto decidí analizar las representaciones de las mujeres en producciones escénicas performáticas que se llevaron a cabo en la ciudad de La Plata. Lo primero que hice fue analizar la construcción del signo mujeres en escena. Me propuse investigar de qué manera estas nuevas representaciones eran construidas performativamente en mi campo de estudio: los acontecimientos escénicos. Es decir cómo se construía el signo mujeres en plural con sus respectivas “modificaciones” y/o “cambios” sustanciales; en contraste con el signo mujer, (figura idealizable) en singular. Las categorías de mujer y mujeres son entendidas como signos en un sistema que necesita ser inteligible. Por tanto entenderlas como tal habilita pensar sus representaciones en las artes escénicas en diálogo con el sistema de imágenes, la cultura visual, en el cual se insertan. Considero que estas representaciones habilitan interrogantes para pensar en clave crítica al feminismo en la contemporaneidad. Ahora bien, el uso de estas categorías no ha sido algo sencillo y lineal, sobre todo luego del momento suspensivo que atravesamos desde los feminismos, en donde se intentan evitar cristalizaciones. Como primeros acercamientos puedo determinar que los casos de estudio que seleccioné trabajan a partir de la subjetividad e identidad de cada artista sin pretender producir universalidades ni generalidades en torno a las mujeres; es decir sin pretender mostrar, -cómo había creído en un momento a raíz de la masividad de imágenes que estaban circulando-, formas alternativas de vivir lo femenino, o de la feminidad, que de tanto extenderse como alternancia se terminan instaurando como nuevos cánones. Contrasto mis casos de estudio con otros periodos artísticos en dónde las producción artística feminista que interrumpieron en la escena de aquel momento sí insistieron fuertemente en la necesidad de mostrar formas alternativas más universales, bajo la necesidad de visibilizar aquello que estaba quedando por fuera, debido al contexto y el régimen escópico de la época, como por ejemplo las realizadas para Mitominas I y Mitominas II. Proyecto de Investigación Doctoral: Las representaciones del cuerpo femenino en producciones escénicas de carácter performático realizadas en la ciudad de La Plata a partir del 2015. Instituto de Historia del Arte. Director: Dr. Gustavo Radice.

2024-01-01T00:00:00Z En 2015 se produjo la primera movilización Ni Una Menos, este acontecimiento se identificó como el comienzo de la cuarta ola del movimiento feminista en la Argentina. Entre la masividad de representaciones en torno al signo mujeres que se llevaron a cabo en este periodo, muchas de ellas buscaron inrrumpir en el sistema de representación dominante con imágenes de este sujeto que más se asemejen a la <nueva> comprensión de la mujer que se estaba gestando en el imaginario cultural post cuarta ola feminista. Representaciones y comprensiones que dieran cuenta además de formas de vivir la identidad disímiles a lo que el sistema patriarcal visual proponía como canon. Este periodo coincide con mis inicios en la investigación, a partir de esto decidí analizar las representaciones de las mujeres en producciones escénicas performáticas que se llevaron a cabo en la ciudad de La Plata. Lo primero que hice fue analizar la construcción del signo mujeres en escena. Me propuse investigar de qué manera estas nuevas representaciones eran construidas performativamente en mi campo de estudio: los acontecimientos escénicos. Es decir cómo se construía el signo mujeres en plural con sus respectivas “modificaciones” y/o “cambios” sustanciales; en contraste con el signo mujer, (figura idealizable) en singular. Las categorías de mujer y mujeres son entendidas como signos en un sistema que necesita ser inteligible. Por tanto entenderlas como tal habilita pensar sus representaciones en las artes escénicas en diálogo con el sistema de imágenes, la cultura visual, en el cual se insertan. Considero que estas representaciones habilitan interrogantes para pensar en clave crítica al feminismo en la contemporaneidad. Ahora bien, el uso de estas categorías no ha sido algo sencillo y lineal, sobre todo luego del momento suspensivo que atravesamos desde los feminismos, en donde se intentan evitar cristalizaciones. Como primeros acercamientos puedo determinar que los casos de estudio que seleccioné trabajan a partir de la subjetividad e identidad de cada artista sin pretender producir universalidades ni generalidades en torno a las mujeres; es decir sin pretender mostrar, -cómo había creído en un momento a raíz de la masividad de imágenes que estaban circulando-, formas alternativas de vivir lo femenino, o de la feminidad, que de tanto extenderse como alternancia se terminan instaurando como nuevos cánones. Contrasto mis casos de estudio con otros periodos artísticos en dónde las producción artística feminista que interrumpieron en la escena de aquel momento sí insistieron fuertemente en la necesidad de mostrar formas alternativas más universales, bajo la necesidad de visibilizar aquello que estaba quedando por fuera, debido al contexto y el régimen escópico de la época, como por ejemplo las realizadas para Mitominas I y Mitominas II.