http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/102935 2026-10-16T00:11:47Z 2026-10-16T00:11:47Z Vela González, Marta http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/102955 2020-08-24T20:02:54Z 2020-07-01T00:00:00Z

Articulo Teaching of contemporary music through new technologies: an education experience in university classroom Epistemus; vol. 8, no. 1 La recepción de la música contemporánea continúa siendo, en la actualidad, un tema espinoso, a nivel mundial, dado el desencuentro de este tipo de música con el público. Se puede apreciar una situación parecida a nivel educativo, en que la música de los siglos XX y XXI generalmente se rehúye a nivel docente y discente. El presente estudio pretende transmitir una experiencia didáctica en estudiantes de nivel superior, en que el proceso de enseñanza-aprendizaje de la música contemporánea se ha tratado con técnicas innovadoras, desde un modelo educativo a distancia, 100% on line. Con una muestra de estudiantes sin experiencia previa en la materia, matriculados en la asignatura optativa de Análisis de la música de los siglos XX y XXI, se ha tratado de elucidar el grado de interés del alumnado, así como el grado de conocimiento obtenido en función de los resultados, en que han incidido cuatro factores de aprendizaje concretos. El uso de recursos digitales, a través del campus virtual, así como la práctica de análisis musical gráfico-sonoro, se ha traducido en unos rendimientos finales exitosos.; The reception of contemporary music continues to be, at present, for several decades, a thorny issue, worldwide, given the disagreement of this type of music with the public. You can see a similar situation at the educational level, in which the music of the twentieth and twenty-first, generally, shies away from teaching and learning. The present study intends to transmit a didactic experience in higher level students, in which the teaching-learning process of contemporary music has been treated with innovative techniques, from a distance educational model, 100% on line. With a sample of students with no previous experience in the subject, enrolled in the optional subject of Analysis of music of the XX and XXI centuries, it has been tried to elucidate the degree of interest of the students, as well as the degree of knowledge obtained in function of the results, in which four very specific learning factors have affected. The use of digital resources, through the virtual campus, as well as the practice of graphic-sound music analysis, has resulted in successful final performances.

2020-07-01T00:00:00Z La recepción de la música contemporánea continúa siendo, en la actualidad, un tema espinoso, a nivel mundial, dado el desencuentro de este tipo de música con el público. Se puede apreciar una situación parecida a nivel educativo, en que la música de los siglos XX y XXI generalmente se rehúye a nivel docente y discente. El presente estudio pretende transmitir una experiencia didáctica en estudiantes de nivel superior, en que el proceso de enseñanza-aprendizaje de la música contemporánea se ha tratado con técnicas innovadoras, desde un modelo educativo a distancia, 100% on line. Con una muestra de estudiantes sin experiencia previa en la materia, matriculados en la asignatura optativa de Análisis de la música de los siglos XX y XXI, se ha tratado de elucidar el grado de interés del alumnado, así como el grado de conocimiento obtenido en función de los resultados, en que han incidido cuatro factores de aprendizaje concretos. El uso de recursos digitales, a través del campus virtual, así como la práctica de análisis musical gráfico-sonoro, se ha traducido en unos rendimientos finales exitosos. The reception of contemporary music continues to be, at present, for several decades, a thorny issue, worldwide, given the disagreement of this type of music with the public. You can see a similar situation at the educational level, in which the music of the twentieth and twenty-first, generally, shies away from teaching and learning. The present study intends to transmit a didactic experience in higher level students, in which the teaching-learning process of contemporary music has been treated with innovative techniques, from a distance educational model, 100% on line. With a sample of students with no previous experience in the subject, enrolled in the optional subject of Analysis of music of the XX and XXI centuries, it has been tried to elucidate the degree of interest of the students, as well as the degree of knowledge obtained in function of the results, in which four very specific learning factors have affected. The use of digital resources, through the virtual campus, as well as the practice of graphic-sound music analysis, has resulted in successful final performances. Alvarado Laurín, Oscar Julián Beltrán Sánchez, Oscar Alejandro http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/102953 2020-08-24T20:02:55Z 2020-07-01T00:00:00Z

Articulo Contributions of the classic guitar to the interpretation of the bolero Epistemus; vol. 8, no. 1 Uno de los objetivos del estudio de un instrumento musical en instituciones académicas es la formación de instrumentistas solistas. La incorporación de géneros tradicionales en dicha formación conlleva la dificultad de adaptar música originalmente ejecutada en conjuntos instrumentales a un instrumento solista. En este artículo se analizan los roles complementarios de las dos guitarras que conforman tradicionalmente el conjunto del bolero y se proponen técnicas instrumentales para que ambas partes puedan ser ejecutadas por una guitarra solista. Las técnicas propuestas son el toque apoyado, el toque tirado, el pizzicato, los armónicos naturales, la ejecución de melodía a dos notas, ligados y apoyaturas, arrastres y uso de barra o ceja. Estas técnicas son aplicadas a seis temas, evaluando en cada caso cuál de ellas se adapta mejor a sus características musicales. El aporte de esta investigación consiste en la aplicación de técnicas instrumentales de la guitarra clásica solista para la ejecución de boleros, fundamental para la incorporación de dicho género en entornos académicos.; One of the objectives of studying a musical instrument in academic institutions is the training of instrumentalists. The incorporation of traditional genres in this level entails the difficulty of adapting music originally performed in instrumental ensembles to a solo instrument. In this article the complementary roles of the two guitars that traditionally make up the bolero ensemble are analyzed to propose instrumental techniques so both parts can be performed by a solo guitar. The proposed techniques are the supported touch, the drawn touch, the pizzicato, the natural harmonics, the execution of a two-note melody, ligatures and supports, dragging and the use of a bar. These techniques are applied to six themes, evaluating in each case which of them best suits their musical characteristics. The contribution of this research consists in the application of instrumental techniques of the classical solo guitar for the performance of boleros, fundamental for the incorporation of this genre in academic settings.

2020-07-01T00:00:00Z Uno de los objetivos del estudio de un instrumento musical en instituciones académicas es la formación de instrumentistas solistas. La incorporación de géneros tradicionales en dicha formación conlleva la dificultad de adaptar música originalmente ejecutada en conjuntos instrumentales a un instrumento solista. En este artículo se analizan los roles complementarios de las dos guitarras que conforman tradicionalmente el conjunto del bolero y se proponen técnicas instrumentales para que ambas partes puedan ser ejecutadas por una guitarra solista. Las técnicas propuestas son el toque apoyado, el toque tirado, el pizzicato, los armónicos naturales, la ejecución de melodía a dos notas, ligados y apoyaturas, arrastres y uso de barra o ceja. Estas técnicas son aplicadas a seis temas, evaluando en cada caso cuál de ellas se adapta mejor a sus características musicales. El aporte de esta investigación consiste en la aplicación de técnicas instrumentales de la guitarra clásica solista para la ejecución de boleros, fundamental para la incorporación de dicho género en entornos académicos. One of the objectives of studying a musical instrument in academic institutions is the training of instrumentalists. The incorporation of traditional genres in this level entails the difficulty of adapting music originally performed in instrumental ensembles to a solo instrument. In this article the complementary roles of the two guitars that traditionally make up the bolero ensemble are analyzed to propose instrumental techniques so both parts can be performed by a solo guitar. The proposed techniques are the supported touch, the drawn touch, the pizzicato, the natural harmonics, the execution of a two-note melody, ligatures and supports, dragging and the use of a bar. These techniques are applied to six themes, evaluating in each case which of them best suits their musical characteristics. The contribution of this research consists in the application of instrumental techniques of the classical solo guitar for the performance of boleros, fundamental for the incorporation of this genre in academic settings. Epele, Juliette Martínez, Isabel Cecilia http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/102952 2020-08-24T20:02:56Z 2020-07-01T00:00:00Z

Articulo Musical interpersonal time shaping at the orchestral line Epistemus; vol. 8, no. 1 En este trabajo se estudia la construcción temporal de un fragmento musical en una situación espontánea de reinterpretación en fila de orquesta. Tres violistas de fila fueron convocadas para ensamblar en vivo un fragmento musical de 13 compases de la sección introductoria del tercer movimiento de “Mathis der Maler” de Paul Hindemith, en la que el orgánico de cuerdas interpreta al unísono y octava. Una vez completada la tarea, las ejecutantes resolvieron rehacer espontáneamente el compás final correspondiente a la cadencia y cierre del fragmento. Se analizó la variabilidad horizontal y vertical de intervalos de tiempo entre ataques sonoros (ITEA) comparativamente entre la versión inicial y la reinterpretación de dicho final. El análisis de la interacción entre ejecutantes fue abordado en base a las nociones líder/seguidor. Los resultados muestran una elevada sincronización entre intérpretes. Las diferencias entre ITEA entre versiones evidencian una participación activa de las violistas para alcanzar un toque al unísono, independientemente de los roles asignados. Notoriamente, la variabilidad temporal entre intérpretes se redujo al mínimo a la vez que la sincronización aumentó en puntos de inflexión relativos a la estructura métrica de la música. El alineamiento detrás de la voz del guía convive con el anclaje métrico como forma organizativa de la ejecución. Como surge de las entrevistas, la construcción temporal unívoca en fila de orquesta sugiere una acción continua e interdependiente de microajustes y compensaciones momento a momento, de naturaleza adaptativa, incluyendo la conducta flexible, dinámica y colaborativa del guía, quien participa activamente del objetivo común.; This work studies the temporal construction of a musical fragment in the orchestra row in a spontaneous reinterpretation trail during rehearsal. Three orchestral row violists were summoned to assemble live a 13-bar musical fragment from the introductory section of Paul Hindemith´s 3rd movement “Mathis der Maler”, in which the string orchestra plays in unison and eighths. Once the task was completed, the performers resolved to spontaneously replay the final section corresponding to the cadence and closure of the fragment. The horizontal and vertical variability of the time intervals between sound attacks (IOI) was analyzed comparatively between the initial version and the reinterpretation of the above-mentioned end. The analysis of the interaction between performers was approached based on the notions of leader/follower. The results show a high-level synchronization between performers in both versions. Differences in the IOIs between versions show an active participation of the violists to achieve a unison sound, regardless of the assigned guide/follower roles. Notably, the temporal variability between performers was minimized at metric structural locations, while, at the same time the synchrony between performers increased. Alignment behind the leader voice cohabit metrical anchoring as a way of organizing performance. As emerges from the interviews carried out, the univocal temporal construction in an orchestra row suggests a continuous and interdependent action of moment-by-moment micro-adjustments and compensations, adapting performance both to the leader’s voice and to each other. It also includes the flexible, dynamic, and collaborative behavior of the guide, who actively participates in the common objective.

2020-07-01T00:00:00Z En este trabajo se estudia la construcción temporal de un fragmento musical en una situación espontánea de reinterpretación en fila de orquesta. Tres violistas de fila fueron convocadas para ensamblar en vivo un fragmento musical de 13 compases de la sección introductoria del tercer movimiento de “Mathis der Maler” de Paul Hindemith, en la que el orgánico de cuerdas interpreta al unísono y octava. Una vez completada la tarea, las ejecutantes resolvieron rehacer espontáneamente el compás final correspondiente a la cadencia y cierre del fragmento. Se analizó la variabilidad horizontal y vertical de intervalos de tiempo entre ataques sonoros (ITEA) comparativamente entre la versión inicial y la reinterpretación de dicho final. El análisis de la interacción entre ejecutantes fue abordado en base a las nociones líder/seguidor. Los resultados muestran una elevada sincronización entre intérpretes. Las diferencias entre ITEA entre versiones evidencian una participación activa de las violistas para alcanzar un toque al unísono, independientemente de los roles asignados. Notoriamente, la variabilidad temporal entre intérpretes se redujo al mínimo a la vez que la sincronización aumentó en puntos de inflexión relativos a la estructura métrica de la música. El alineamiento detrás de la voz del guía convive con el anclaje métrico como forma organizativa de la ejecución. Como surge de las entrevistas, la construcción temporal unívoca en fila de orquesta sugiere una acción continua e interdependiente de microajustes y compensaciones momento a momento, de naturaleza adaptativa, incluyendo la conducta flexible, dinámica y colaborativa del guía, quien participa activamente del objetivo común. This work studies the temporal construction of a musical fragment in the orchestra row in a spontaneous reinterpretation trail during rehearsal. Three orchestral row violists were summoned to assemble live a 13-bar musical fragment from the introductory section of Paul Hindemith´s 3rd movement “Mathis der Maler”, in which the string orchestra plays in unison and eighths. Once the task was completed, the performers resolved to spontaneously replay the final section corresponding to the cadence and closure of the fragment. The horizontal and vertical variability of the time intervals between sound attacks (IOI) was analyzed comparatively between the initial version and the reinterpretation of the above-mentioned end. The analysis of the interaction between performers was approached based on the notions of leader/follower. The results show a high-level synchronization between performers in both versions. Differences in the IOIs between versions show an active participation of the violists to achieve a unison sound, regardless of the assigned guide/follower roles. Notably, the temporal variability between performers was minimized at metric structural locations, while, at the same time the synchrony between performers increased. Alignment behind the leader voice cohabit metrical anchoring as a way of organizing performance. As emerges from the interviews carried out, the univocal temporal construction in an orchestra row suggests a continuous and interdependent action of moment-by-moment micro-adjustments and compensations, adapting performance both to the leader’s voice and to each other. It also includes the flexible, dynamic, and collaborative behavior of the guide, who actively participates in the common objective. Mahler, Carolina http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/102950 2020-08-24T20:02:59Z 2020-07-01T00:00:00Z

Articulo Music metaphors to live by: discourse analysis of admissions to the program of music interpretation Epistemus; vol. 8, no. 1 Este trabajo revela los hallazgos del análisis lingüístico-conceptual del discurso artístico aplicado a los textos producidos por los ingresantes a la carrera Licenciatura en Interpretación Musical de la Universidad Provincial de Córdoba en el examen de valoración diagnóstica de Lengua Extranjera con Fines Específicos de las cohortes 2016, 2017 y 2018. Se vincularon dos corrientes lingüísticas: la lingüística sistémico-funcional y la teoría de la metáfora conceptual, perteneciente a la lingüística cognitiva, a los fines de extraer los patrones recurrentes de conceptualización metafórica para definir o caracterizar la música. Música es vida emerge como la metáfora conceptual más recurrente y significativa de entre otras, a saber: Música es lenguaje, resguardo, contenedor, agente, entidad. La metodología aplicada ha permitido trabajar con evidencia textual que incluye una dimensión semiótica y social, para advertir no sólo las metáforas manifiestas en el discurso, sino también aquellas estructuras conceptuales que no son percibidas como metáforas, pero que constituyen un entramado conceptual básico, subjetivo y a la vez compartido culturalmente entre los informantes.; This paper reveals the findings of the linguistic-conceptual analysis of artistic discourse applied to texts produced by candidates to the program of the BA in Music Interpretation at Universidad Provincial de Córdoba in the diagnostic test of Foreign Language for Specific Purposes administered to 2016, 2017 and 2018 cohorts. Two linguistic approaches have been brought together: systemic-functional linguistics and the theory of conceptual metaphor belonging to cognitive linguistics, with an aim at extracting recurring patterns of metaphorical conceptualization in the definition or characterization of music. Music is life emerges as the most recurrent and significant conceptual metaphor of all. Other conceptual metaphors found are: Music is language, shelter, container, agent, and entity. The methodology applied has allowed for work with textual evidence engaging a semiotic and social dimension, to detect not only metaphors as manifested in discourse, but also those conceptual structures that are not usually perceived as metaphors, but which constitute a basic conceptual fabric that is both subjective and culturally-shared by informants.

2020-07-01T00:00:00Z Este trabajo revela los hallazgos del análisis lingüístico-conceptual del discurso artístico aplicado a los textos producidos por los ingresantes a la carrera Licenciatura en Interpretación Musical de la Universidad Provincial de Córdoba en el examen de valoración diagnóstica de Lengua Extranjera con Fines Específicos de las cohortes 2016, 2017 y 2018. Se vincularon dos corrientes lingüísticas: la lingüística sistémico-funcional y la teoría de la metáfora conceptual, perteneciente a la lingüística cognitiva, a los fines de extraer los patrones recurrentes de conceptualización metafórica para definir o caracterizar la música. Música es vida emerge como la metáfora conceptual más recurrente y significativa de entre otras, a saber: Música es lenguaje, resguardo, contenedor, agente, entidad. La metodología aplicada ha permitido trabajar con evidencia textual que incluye una dimensión semiótica y social, para advertir no sólo las metáforas manifiestas en el discurso, sino también aquellas estructuras conceptuales que no son percibidas como metáforas, pero que constituyen un entramado conceptual básico, subjetivo y a la vez compartido culturalmente entre los informantes. This paper reveals the findings of the linguistic-conceptual analysis of artistic discourse applied to texts produced by candidates to the program of the BA in Music Interpretation at Universidad Provincial de Córdoba in the diagnostic test of Foreign Language for Specific Purposes administered to 2016, 2017 and 2018 cohorts. Two linguistic approaches have been brought together: systemic-functional linguistics and the theory of conceptual metaphor belonging to cognitive linguistics, with an aim at extracting recurring patterns of metaphorical conceptualization in the definition or characterization of music. Music is life emerges as the most recurrent and significant conceptual metaphor of all. Other conceptual metaphors found are: Music is language, shelter, container, agent, and entity. The methodology applied has allowed for work with textual evidence engaging a semiotic and social dimension, to detect not only metaphors as manifested in discourse, but also those conceptual structures that are not usually perceived as metaphors, but which constitute a basic conceptual fabric that is both subjective and culturally-shared by informants. Nudler, Alicia Clara Jacquier, María de la Paz Español, Silvia http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/102944 2020-08-24T20:03:00Z 2020-07-01T00:00:00Z

Articulo Forms of vitality in the reception of a theater work Epistemus; vol. 8, no. 1 En el artículo se describe un estudio empírico realizado con espectadores de una obra de teatro-danza, cuyo objetivo fue explorar la captación de formas de la vitalidad (Stern, 1985 y 2010). El estudio se caracteriza por un diseño complejo que implicó (a) la puesta en escena de una obra teatral, (b) la conformación de un estímulo novedoso a partir de la obra, y (c) la creación de tareas a ser realizadas por los espectadores al finalizar la función. La obra a la que asistieron los espectadores/participantes fue Dibaxu del director Hugo Aristimuño. El estímulo creado fue la proyección de dos fragmentos de la obra filmados en vivo en una de las funciones. Las tareas fueron cuatro: dos tareas no-verbales, originales y novedosas, y dos verbales. Se describen los rasgos particulares de la obra, el proceso de creación del estímulo y las tareas creadas. Se presentan los resultados de la tarea verbal que consistió en la selección de palabras descriptoras de formas de la vitalidad para caracterizar los fragmentos seleccionados de la obra presenciada. Se comentan luego los desafíos metodológicos del estudio de la recepción de espectáculos en vivo, se realizan comparaciones con otros trabajos del campo, y se resalta la virtud del diseño que permitió crear un estímulo breve que conserva, sin embargo, las cualidades de la obra completa. Finalmente, se discute la contribución de la investigación realizada tanto al estudio de las formas de la vitalidad como a los estudios de públicos de teatro y danza de orientación cognitiva.; This article describes an empirical study conducted with spectators of a theater-dance piece with the goal of exploring the reception of forms of vitality (Stern, 1985 and 2010). The study entails a complex design including a) the production of a live performance; b) the creation of an original stimulus based on the play; c) the design of tasks to be carried by spectators after the show. The performance attended by the spectators/participants was Dibaxu by theater director Hugo Aristimuño. The stimulus was the projection of two excerpts of the play recorded during one of the live performances. The tasks were four: two non-verbal tasks, original and innovative, and two verbal ones. The specific traits of the performance, the process of creation of the stimulus and the tasks carried by participants are described. The results are presented of the verbal task consisting in the selection by participants of forms of vitality words to describe the excerpts. The article also discusses the challenges of studying the reception of live performances, establishes comparisons with other studies in the field, and points to the advantage of designing a short stimulus which nevertheless retains some of the qualities of the whole performance. Finally, it discusses the contribution of the study to the knowledge of forms of vitality and to cognitively oriented research on dance and theater audiences.

2020-07-01T00:00:00Z En el artículo se describe un estudio empírico realizado con espectadores de una obra de teatro-danza, cuyo objetivo fue explorar la captación de formas de la vitalidad (Stern, 1985 y 2010). El estudio se caracteriza por un diseño complejo que implicó (a) la puesta en escena de una obra teatral, (b) la conformación de un estímulo novedoso a partir de la obra, y (c) la creación de tareas a ser realizadas por los espectadores al finalizar la función. La obra a la que asistieron los espectadores/participantes fue Dibaxu del director Hugo Aristimuño. El estímulo creado fue la proyección de dos fragmentos de la obra filmados en vivo en una de las funciones. Las tareas fueron cuatro: dos tareas no-verbales, originales y novedosas, y dos verbales. Se describen los rasgos particulares de la obra, el proceso de creación del estímulo y las tareas creadas. Se presentan los resultados de la tarea verbal que consistió en la selección de palabras descriptoras de formas de la vitalidad para caracterizar los fragmentos seleccionados de la obra presenciada. Se comentan luego los desafíos metodológicos del estudio de la recepción de espectáculos en vivo, se realizan comparaciones con otros trabajos del campo, y se resalta la virtud del diseño que permitió crear un estímulo breve que conserva, sin embargo, las cualidades de la obra completa. Finalmente, se discute la contribución de la investigación realizada tanto al estudio de las formas de la vitalidad como a los estudios de públicos de teatro y danza de orientación cognitiva. This article describes an empirical study conducted with spectators of a theater-dance piece with the goal of exploring the reception of forms of vitality (Stern, 1985 and 2010). The study entails a complex design including a) the production of a live performance; b) the creation of an original stimulus based on the play; c) the design of tasks to be carried by spectators after the show. The performance attended by the spectators/participants was Dibaxu by theater director Hugo Aristimuño. The stimulus was the projection of two excerpts of the play recorded during one of the live performances. The tasks were four: two non-verbal tasks, original and innovative, and two verbal ones. The specific traits of the performance, the process of creation of the stimulus and the tasks carried by participants are described. The results are presented of the verbal task consisting in the selection by participants of forms of vitality words to describe the excerpts. The article also discusses the challenges of studying the reception of live performances, establishes comparisons with other studies in the field, and points to the advantage of designing a short stimulus which nevertheless retains some of the qualities of the whole performance. Finally, it discusses the contribution of the study to the knowledge of forms of vitality and to cognitively oriented research on dance and theater audiences. Burcet, María Inés http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/102941 2020-08-24T20:03:03Z 2020-07-01T00:00:00Z

Articulo Between segmentation unit and note as music notation unit: a case study Epistemus; vol. 8, no. 1 La notación musical utiliza la nota como unidad de representación y los músicos la han asumido como unidad natural para pensar la música. Sin embargo, la segmentación de una melodía en notas parecería implicar dimensiones que no han sido suficientemente estudiadas. En este trabajo se propuso indagar el acceso a la nota como unidad de segmentación y representación por parte de una niña con importante desarrollo de habilidades de ejecución musical, pero sin conocimiento de la notación musical. Para tal fin, se realizaron cinco entrevistas en un lapso de seis meses en las cuales se propusieron diferentes actividades. Si bien se observó que la niña no utilizó inicialmente la nota como unidad de segmentación, posteriormente las unidades representadas fueron redefiniéndose conforme las actividades propuestas. Finalmente, luego de iniciarse en la lectura de partituras para su instrumento, la niña logró segmentar el estímulo musical en unidades igualables con la dimensión de la nota. Se propone que la posibilidad para acceder a las notas como unidades constitutivas de un fragmento musical sería dependiente de las conceptualizaciones que derivan de la adquisición de la notación musical.; Musical notation uses the note as a unit of representation, and musicians have assumed it as a natural unit for thinking in music. However, the segmentation of a melody into notes would seem to imply dimensions that have not been sufficiently studied. In this work, it was proposed to investigate access to the note as a segmentation and representation unit by a girl with significant development of musical performance skills, but without knowledge of musical notation. To this end, five interviews were carried out over a period of six months in which different activities were proposed. Although it was observed that the girl did not initially use the note as a segmentation unit, later her represented units were redefined according to the proposed activities. Finally, after starting to read sheet music for her instrument, the girl managed to segment the musical stimulus into notes. It is proposed that the possibility of accessing the notes as constituent units of a musical fragment would be dependent on the conceptualizations that derive from the acquisition of the musical notation.

2020-07-01T00:00:00Z La notación musical utiliza la nota como unidad de representación y los músicos la han asumido como unidad natural para pensar la música. Sin embargo, la segmentación de una melodía en notas parecería implicar dimensiones que no han sido suficientemente estudiadas. En este trabajo se propuso indagar el acceso a la nota como unidad de segmentación y representación por parte de una niña con importante desarrollo de habilidades de ejecución musical, pero sin conocimiento de la notación musical. Para tal fin, se realizaron cinco entrevistas en un lapso de seis meses en las cuales se propusieron diferentes actividades. Si bien se observó que la niña no utilizó inicialmente la nota como unidad de segmentación, posteriormente las unidades representadas fueron redefiniéndose conforme las actividades propuestas. Finalmente, luego de iniciarse en la lectura de partituras para su instrumento, la niña logró segmentar el estímulo musical en unidades igualables con la dimensión de la nota. Se propone que la posibilidad para acceder a las notas como unidades constitutivas de un fragmento musical sería dependiente de las conceptualizaciones que derivan de la adquisición de la notación musical. Musical notation uses the note as a unit of representation, and musicians have assumed it as a natural unit for thinking in music. However, the segmentation of a melody into notes would seem to imply dimensions that have not been sufficiently studied. In this work, it was proposed to investigate access to the note as a segmentation and representation unit by a girl with significant development of musical performance skills, but without knowledge of musical notation. To this end, five interviews were carried out over a period of six months in which different activities were proposed. Although it was observed that the girl did not initially use the note as a segmentation unit, later her represented units were redefined according to the proposed activities. Finally, after starting to read sheet music for her instrument, the girl managed to segment the musical stimulus into notes. It is proposed that the possibility of accessing the notes as constituent units of a musical fragment would be dependent on the conceptualizations that derive from the acquisition of the musical notation.