Número 03

La caducidad de un gran relato

2019-06-27T04:02:55Z

Articulo La Puerta FBA; no. 3 Acaso fuera más apropiado hablar sobre la caducidad del gran relato. Tal vez sí, tal vez no. ¿Se puede concebir la historia sin su condición de relato? De un largo y recio relato, de una vasta epopeya, coordenada y direccionada por una portentosa autoridad. La sentencia será vislumbrada dentro de muchos años, tal vez siglos. Sólo una cosa es segura: aquel gran relato que ha sido estructurado a partir de la modernidad está en crisis. Millones y millones lo siguen empleando por no haber advertido su sinsentido pues son formateados por ello y no pueden pensarse fuera del mismo. No obstante, otros ya saben que este o cualquier otro gran relato es un fenómeno paradigmático, producto de un tiempo y de una constelación cultural en vez de ser una realidad eterna y metafísica; está hecho por el hombre para el uso humano, y como tal, nace, perdura, caduca. Mientras tanto, desde sus entrañas o fuera de ellas, ya se engendró una nueva forma de narrarnos lo que pasó y explicarnos la relación del hombre con el universo, con el Otro y consigo mismo. El porqué y el para qué de la existencia. Reducida frecuentemente a una bonita y didáctica tabla cronológica o a su humilde hermana que ha hecho la vida más fácil a millones de niños en este mundo en forma de cinta del tiempo. Pero con esta primorosa humildad se evita enfrentar a una realidad ya sabida por Aristóteles, insistida por Thomas Mann y Borges, confirmada por Prigogine (para mencionar algunos entre los más notorios): el tiempo es una concepción humana, según corresponde a la forma y manera de crear y creer el mundo del momento. (Párrafo extraído del texto a modo de resumen)

Melodrama: O la seducción de la moral negociada

2019-06-27T04:02:50Z

Articulo La Puerta FBA; no. 3 La distinción entre melodrama y tragedia genera controversias que involucran a Shakespeare y, conforme al rigor del clasicismo, también a Eurípides. A su vez, las relaciones entre melodrama y realismo generan un intrincado debate, habiendo nítidas interfaces, por ejemplo en la historia del cine, como en King Vidor, Pudovkin, Murnau, Marcel Carné y Vittorio de Sica. De una producción más reciente, recordemos Tierra y libertad (1995), de Ken Loach, y Secretos y mentiras (1996), de Mike Leigh, para citar aquí el caso inglés que resulta de un trabajo marcado por el diálogo entre cine y televisión pública, en el cual la cuestión de los géneros y fórmulas tiene su fuerte incidencia. A pesar de las dificultades, las distinciones que expuse arriba, grosso modo, servirán de guía a lo largo del siglo XX, para estructurar la oposición entre una ficción alternativa y la rutina de los medios de comunicación. (Párrafo extraído del texto a modo de resumen)

La risa y el espanto: De la excepcionalidad de Les demoiselles d´Avignon

2019-06-27T04:02:53Z

Articulo La Puerta FBA; no. 3 Cuando, en el gozne entre el neoclásico y el romanticismo, Kant alumbra su teoría del genio se abre un destino para la obra de arte que avanza a lo largo del siglo XIX hasta alcanzar a Les demoiselles d´Avignon, el último cuadro moderno y el primero del siglo XX. Si el filósofo de Könisberg tomaba todavía como modelo de belleza la naturaleza, a la vez que nos adentremos en el siglo romántico será la interioridad del artista la que se instituya como germen creador, tomando el relevo a la belleza natural y, por lo tanto, al primado de la mímesis. De este modo, comenzando ya a declinar las poéticas normativas, la suerte del artista corre en paralelo a la suerte que conozca su propia creación. Por eso la creación es una tragedia. (Párrafo extraído del texto a modo de resumen)

Brecht y la música

2019-06-27T04:03:02Z

Articulo La Puerta FBA; no. 3 El activista social, hombre de teatro y cantautor Bertolt Brecht define claramente la función que la música debe asumir en el teatro épico, contraponiendo éste al de ópera dramática: la música no es servidora sino mediadora, pone de manifiesto el texto, lo interpreta, toma posición y marca una conducta. La música no ilustra, no pinta situaciones psicologizantes, sino que actúa sobre la sociedad, estimula al oyente y lo obliga a una actitud crítica. Deja de ser sólo un medio de placer para convertirse en contestataria. (Párrafo extraído del texto a modo de resumen)

Un monstruo y la chúcara: la danza como una poética en los márgenes de un orden

2019-06-27T04:02:48Z

Articulo La Puerta FBA; no. 3 Considero Un monstruo y la chúcara como una obra en la que es posible hallar lo que denomino “poéticas del no poder”, es decir, diferentes tratamientos del movimiento que exploran las posibilidades de producción de sentido en los márgenes de un orden hegemónico, el de la danza académica. Un monstruo y la chúcara explora las posibilidades de expresión del cuerpo a partir de la utilización de algunos procedimientos sobre el movimiento: repetición, aislamiento, aceleración y rigidez que, aplicados al tratamiento de movimientos pequeños y localizados, tienden a destacar su significatividad a la vez que conducen a la elaboración de un código de movimientos particular, cuya función no es construir la apología de un cuerpo poderoso y carente de conflictos sino, por el contrario, poner de manifiesto la automatización y las contradicciones que rigen su comportamiento. (Párrafo extraído del texto a modo de resumen)

Nuevas visibilidades de lo cultural y nuevos regímenes de lo estético

2019-06-27T04:03:00Z

Articulo La Puerta FBA; no. 3 Los retos que tensionan la figura del arte en el cambio de siglo provienen de muy diversos movimientos. De un lado se halla su contradictoria relación con la masificación estructural de una sociedad en la que la homogenización inevitable de la vivienda, del vestido, de la comida, se entrelaza con una compulsiva búsqueda individual de diferenciación en los gustos y los estilos de vida. A su vez, el nuevo sensorium tecnológico conecta los cambios en las condiciones del saber con las nuevas maneras del sentir, y ambos con los nuevos modos de juntarse, esto es, con las nuevas figuras de la socialidad, produciendo un emborronamiento de las fronteras entre arte y ciencia, entre experimentación técnica e innovación estética. De otro, la formación y expansión de una cultura-mundo replantea tanto el sentido de lo universal como de lo local; pues el movimiento de mundialización de las sensibilidades y el contrario pero complementario de fragmentación y liberación de las diferencias, han hecho estallar el horizonte cultural común que sostenía la dinámica de enraizamiento y proyección del arte. Ahora las relaciones entre las culturas pasan por unos modelos de comunicación entre los pueblos que provienen de las tecnologías y los mercados. Y, por otra parte, se ensancha la relación arte/ diseño replanteando el sentido de la interacción entre estandarización e innovación estética, entre racionalización y experimentación, entre formas culturales y formatos industriales, exigiéndonos pensar la convergencia digital como dimensión constitutiva del entorno cotidiano y fuente de nuevos lenguajes. (Párrafo extraído del texto a modo de resumen)

Muralismo y gráfica en la obra de Ricardo Carpani

2019-06-27T04:03:01Z

Articulo La Puerta FBA; no. 3 Ricardo Carpani (acompañado por el grupo Espartaco, luego junto a Pascual Di Bianco, más tarde solo) fue el creador de las imágenes que todavía hoy se asocian inevitablemente con la militancia política y sindical de los años 60 y 70. Sus dibujos circularon en afiches callejeros, tapas de libros, ilustraciones de revistas, cubiertas de discos, volantes o periódicos de izquierda (sobre todo de la izquierda peronista), y sus murales ocuparon las paredes de muchos sindicatos y agrupaciones opositoras. A pesar de ello, son todavía escasas las investigaciones sobre su producción. En este texto, como una pequeña contribución a esa deuda pendiente, propongo una apretada síntesis de su recorrido artístico- militante, y de sus posiciones respecto del muralismo y la gráfica. (Párrafo extraído del texto a modo de resumen)

Apólogo de la bicicleta: O de por qué el arte no tiene gran cosa que ver con la comunicación

2019-06-27T04:02:58Z

Articulo La Puerta FBA; no. 3 Desde su nacimiento mismo, la estética fue una disciplina problemática, destinada una y otra vez a retornar a un mismo problema: el de la utilidad del arte. Hoy, sin embargo, ese problema parece haber sido desechado. No tanto porque la estética moderna lo considere resuelto, sino más bien porque esta disciplina parece haberse diluido ante lo que quien más y quien menos acepta como una evidencia incuestionable: que el arte es una forma de comunicación. Que sirve para comunicar. Que no existe problema alguno allí donde la estética, disciplina a la que ahora se observa con esa misma desconfianza que el pragmático hombre contemporáneo reservara a la filosofía, creyera encontrarlo. Consenso generalizado: el arte es comunicación, medio de transmisión de mensajes, más o menos emocionales, más o menos ideológicos. Los críticos, los comisarios, los periodistas y los públicos parecen haberlo consensuado: el artista, repiten insistentemente, comunica, reivindica, denuncia… Pues bien, es intención de este ensayo deshacer este equívoco para luego, en un segundo momento, retomar esa cuestión que se ha creído resuelta, la de la función del arte.

La imagen quema

2019-06-27T04:02:57Z

Articulo La Puerta FBA; no. 3 Ciafardo, Mariel (traducción); Massa, Luciano (revisión técnica); Russo, Eduardo (revisión técnica) La imagen quema: se enciende, nos consume a cambio. ¿En qué sentidos–evidentemente plurales–hay que entenderla? Aristóteles había comenzado su Poética con la constatación fundamental de que imitar debe entenderse en varios sentidos distintos: se podría decir que la estética occidental nació íntegramente de estas distinciones. Pero la imitación, es bien conocido, no va más, de aquí en adelante, que de crisis en crisis (lo que no quiere decir que desapareció, que está perimida o que ya no nos concierne). Sería necesario pues saber en qué sentidos diferentes quemar constituye hoy, para la imagen y la imitación, una "función" paradójica, sería mejor decir una disfunción, una enfermedad crónica o recurrente, un malestar en la cultura visual: algo que reclama, por lo tanto, una poética capaz de incluir su propia sintomatología. (Párrafo extraído del texto a modo de resumen)

El pensamiento sensible y el pensamiento simbólico en la creación artística

2019-06-27T04:02:52Z

Articulo La Puerta FBA; no. 3 El Pensamiento Sensible, veloz e incesante, es base y raíz del Pensamiento Simbólico, intermitente y lento, sin el cual éste no existiría, pero que existe sin él. No necesita transformarse o producir Pensamientos Simbólicos, esto es, palabras, porque son dos diferentes niveles y formas de pensar. Estas características, sin embargo, no eximen lo Sensible del Saber, ni lo absuelven de la sinrazón. El Pensamiento Sensible, primogénito y genitor, inventa las Palabras, y las Palabras, organizadas, construyen el Pensamiento Simbólico. Los dos Pensamientos, el Sensible y el Simbólico, interaccionan, se subdividen y se multiplican, se amalgaman impuros y varían sus flujos a cada instante. (Párrafo extraído del texto a modo de resumen)

Los estereotipos en el arte: Un problema de la educación artística: los artistas son de Piscis

2019-06-27T04:02:47Z

Articulo La Puerta FBA; no. 3 En tanto convención legalizada mediante el uso social, es indudable que buena parte de la comunicación cotidiana es factible gracias al empleo de formas preconfiguradas, facilitando en cierto modo la relación con el mundo y el diálogo con los demás. Dicho esto, aclaremos desde el inicio que no es éste el sentido-el de los códigos socialmente compartidos-desde el que será abordado el concepto de estereotipo en el texto. Antes bien, interesa especialmente analizar la atribución de connotaciones estáticas, generales y universalizables a elementos o configuraciones, en particular cuando son trasladadas al universo del arte en cualquiera de sus dimensiones. (Párrafo extraído del texto a modo de resumen)

"La metodología de investigación en acto creativo" en el contexto de las escuelas de arte: Abordaje desde la perspectiva de producción de libro-álbum

2019-06-27T04:02:56Z

Articulo La Puerta FBA; no. 3 El presente documento se construye a manera de ensayo y es el resultado del trabajo conjunto realizado por las profesoras Myrian Bahntje y Lilia García Bazterra en el contexto educativo de la Escuela de Artes Visuales de Bahía Blanca. La investigación toma como eje central el tema del libro-álbum y promueve una "metodología de investigación en acto creativo". El objetivo del presente ensayo es dar cuenta, procurar una descriptiva del proceso cognitivo que se consolidó en el espacio académico de la Escuela de Arte y que imprimió huella, inicialmente, en un Proyecto Pedagógico Institucional que dio como resultado una edición en el nivel provincial y, posteriormente, a medida que se avanzó en la investigación y en la metodología del trabajo, un logro de premiación internacional.

Crónica de una mirada

2019-06-27T04:02:51Z

Articulo La Puerta FBA; no. 3 "Crónica de una mirada" corresponde a un proyecto de investigación de estética urbana, escrito a modo de ensayo lecto-visual sincrónico desde la percepción estética y aplicado al diseño edilicio y al espacio urbano, de la obra de impacto cultural más emblemática del gobierno del presidente Ricardo Lagos: el Centro Cultural Palacio La Moneda en la remodelación de Plaza Bulnes, en Santiago de Chile.

Editorial

2019-06-27T04:02:50Z

Contribucion a revista La Puerta FBA; no. 3 Presentación de los contenidos de la revista.