http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/53843 2026-08-19T05:44:33Z 2026-08-19T05:44:33Z Rodríguez, Edgardo José http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/196888 2026-07-14T20:11:15Z 2026-07-01T00:00:00Z

Articulo Structural aspects in Otros tiempos (1981) and Aquello (1982) by Mariano Etkin; Aspectos estruturais de Otros Tiempos (1981) e Aquello (1982) de Mariano Etkin Ayana; vol. 14, no. 1 El trabajo analiza dos composiciones de M. Etkin, Otros tiempos (1981) y Aquello (1982), que presentan propiedades no habituales en la producción de esos años, caracterizada por un posicionamiento latinoamericanista en términos estéticos y técnicos. Por un lado, las obras se constituyen de acuerdo con supuestos de la tradición organicista europea, por el otro, entre ellas establecen vínculos nunca antes encontrados en la producción del compositor: comparten un mismo material que estructura sendas secciones muy salientes perceptivamente.; The paper analyzes two compositions by M., Otros tiempos (1981) and Aquello (1982), which display properties that are unusual within the output of those years, a period characterized by a Latin Americanist stance in both aesthetic and technical terms. On the one hand, the works are constructed according to assumptions drawn from the European organicist tradition; on the other, they establish links between themselves that are unprecedented in the composer’s production: they share a single material that structures correspondingly highly salient perceptual sections.; Este trabalho analisa duas composições de M. Etkin, Otros tiempos (1981) e Aquello (1982), que exibem características incomuns para sua produção naqueles anos, período marcado por uma postura latino-americanista tanto em termos estéticos quanto técnicos. Por um lado, as obras são construídas segundo os princípios da tradição organicista europeia; por outro, estabelecem conexões inéditas na obra do compositor: compartilham o mesmo material, que estrutura duas seções perceptualmente marcantes.

2026-07-01T00:00:00Z El trabajo analiza dos composiciones de M. Etkin, Otros tiempos (1981) y Aquello (1982), que presentan propiedades no habituales en la producción de esos años, caracterizada por un posicionamiento latinoamericanista en términos estéticos y técnicos. Por un lado, las obras se constituyen de acuerdo con supuestos de la tradición organicista europea, por el otro, entre ellas establecen vínculos nunca antes encontrados en la producción del compositor: comparten un mismo material que estructura sendas secciones muy salientes perceptivamente. The paper analyzes two compositions by M., Otros tiempos (1981) and Aquello (1982), which display properties that are unusual within the output of those years, a period characterized by a Latin Americanist stance in both aesthetic and technical terms. On the one hand, the works are constructed according to assumptions drawn from the European organicist tradition; on the other, they establish links between themselves that are unprecedented in the composer’s production: they share a single material that structures correspondingly highly salient perceptual sections. Este trabalho analisa duas composições de M. Etkin, Otros tiempos (1981) e Aquello (1982), que exibem características incomuns para sua produção naqueles anos, período marcado por uma postura latino-americanista tanto em termos estéticos quanto técnicos. Por um lado, as obras são construídas segundo os princípios da tradição organicista europeia; por outro, estabelecem conexões inéditas na obra do compositor: compartilham o mesmo material, que estrutura duas seções perceptualmente marcantes. Miranda Medina, Javier http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/196887 2026-07-14T20:11:17Z 2026-07-01T00:00:00Z

Articulo El retablo de Maese Pedro (1923) as an epistemological device. Mediation, simulation and cognitive disturbance in the sound-based scenic poetics of Manuel de Falla; El retablo de Pedro (1923) como Dispositivo Epistemológico. Mediação, simulação e perturbação cognitiva na poética cênica-sonora de Manuel de Falla Epistemus; vol. 14, no.1 El presente artículo propone una relectura radicalmente teórica de El retablo de Maese Pedro (1923) de Manuel de Falla, concebida no como una obra escénico-musical en sentido tradicional, sino como un dispositivo epistemológico complejo que articula mediación, simulación y violencia cognitiva. Desde esta perspectiva, el Retablo se analiza como una máquina de conocimiento pre-digital que problematiza los estatutos de representación, escucha y agencia, anticipando modelos contemporáneos de mediación técnica y fragmentación ontológica. Lejos de una aproximación historicista o estilística, el trabajo desplaza el eje interpretativo hacia una ontología escénica estratificada, donde la interacción entre narrador, títeres, intérpretes y oyentes configura un sistema de niveles cognitivos en permanente colisión. En este marco, la destrucción final del retablo por parte de Don Quijote se interpreta no como un gesto anecdótico o narrativo, sino como el colapso interno del dispositivo, revelando la violencia inherente a toda mediación representacional. El artículo dialoga críticamente con la musicología falliana canónica, la teoría de dispositivos, la filosofía de la técnica y la semiótica de la escucha, proponiendo una lectura inédita que sitúa la obra en el centro de una reflexión epistemológica sobre la modernidad musical. Con ello, se plantea que El retablo de Maese Pedro no solo representa una síntesis estética singular, sino una contribución decisiva a la historia del pensamiento musical como forma de conocimiento.; This article proposes a radically theoretical re-reading of El retablo de Maese Pedro (1923) by Manuel de Falla, understood not as a conventional stage-musical work but as a complex epistemological device articulating mediation, simulation, and cognitive violence. From this perspective, the Retablo is analysed as a pre-digital knowledge machine that problematises the statuses of representation, listening, and agency, anticipating contemporary models of technical mediation and ontological fragmentation. Rather than adopting a historicist or stylistic approach, the study shifts the interpretative focus towards a stratified scenic ontology, in which the interaction between narrator, puppets, performers, and listeners generates a system of cognitive levels in constant collision. Within this framework, Don Quixote’s final destruction of the puppet theatre is interpreted not as a narrative anecdote but as the internal collapse of the device itself, revealing the violence inherent in all representational mediation. The article engages critically with canonical Falla scholarship, device theory, philosophy of technology, and the semiotics of listening, offering an unprecedented interpretation that situates the work at the core of an epistemological reflection on musical modernity. In doing so, it argues that El retablo de Maese Pedro constitutes not merely an aesthetic synthesis, but a decisive contribution to the history of musical thought as a form of knowledge.; Este artigo propõe uma releitura radicalmente teórica de O Teatro de Marionetes do Mestre Pedro (1923), de Manuel de Falla, concebido não como uma obra cênica-musical no sentido tradicional, mas como um dispositivo epistemológico complexo que articula mediação, simulação e violência cognitiva. Nessa perspectiva, o Teatro de Marionetes é analisado como uma máquina de conhecimento pré-digital que problematiza os estatutos da representação, da escuta e da agência, antecipando modelos contemporâneos de mediação técnica e fragmentação ontológica. Longe de uma abordagem historicista ou estilística, esta obra desloca o eixo interpretativo para uma ontologia cênica estratificada, onde a interação entre narrador, marionetes, intérpretes e ouvintes configura um sistema de níveis cognitivos em constante colisão. Neste contexto, a destruição final do teatro de marionetes por Dom Quixote é interpretada não como um gesto anedótico ou narrativo, mas como o colapso interno do dispositivo, revelando a violência inerente a toda mediação representacional. O artigo dialoga criticamente com a musicologia canônica de Falla, a teoria do aparato, a filosofia da tecnologia e a semiótica da escuta, propondo uma nova leitura que coloca a obra no centro de uma reflexão epistemológica sobre a modernidade musical. Argumenta-se que O Teatro de Marionetes do Mestre Pedro não apenas representa uma síntese estética singular, mas também uma contribuição decisiva para a história do pensamento musical como forma de conhecimento.

2026-07-01T00:00:00Z El presente artículo propone una relectura radicalmente teórica de El retablo de Maese Pedro (1923) de Manuel de Falla, concebida no como una obra escénico-musical en sentido tradicional, sino como un dispositivo epistemológico complejo que articula mediación, simulación y violencia cognitiva. Desde esta perspectiva, el Retablo se analiza como una máquina de conocimiento pre-digital que problematiza los estatutos de representación, escucha y agencia, anticipando modelos contemporáneos de mediación técnica y fragmentación ontológica. Lejos de una aproximación historicista o estilística, el trabajo desplaza el eje interpretativo hacia una ontología escénica estratificada, donde la interacción entre narrador, títeres, intérpretes y oyentes configura un sistema de niveles cognitivos en permanente colisión. En este marco, la destrucción final del retablo por parte de Don Quijote se interpreta no como un gesto anecdótico o narrativo, sino como el colapso interno del dispositivo, revelando la violencia inherente a toda mediación representacional. El artículo dialoga críticamente con la musicología falliana canónica, la teoría de dispositivos, la filosofía de la técnica y la semiótica de la escucha, proponiendo una lectura inédita que sitúa la obra en el centro de una reflexión epistemológica sobre la modernidad musical. Con ello, se plantea que El retablo de Maese Pedro no solo representa una síntesis estética singular, sino una contribución decisiva a la historia del pensamiento musical como forma de conocimiento. This article proposes a radically theoretical re-reading of El retablo de Maese Pedro (1923) by Manuel de Falla, understood not as a conventional stage-musical work but as a complex epistemological device articulating mediation, simulation, and cognitive violence. From this perspective, the Retablo is analysed as a pre-digital knowledge machine that problematises the statuses of representation, listening, and agency, anticipating contemporary models of technical mediation and ontological fragmentation. Rather than adopting a historicist or stylistic approach, the study shifts the interpretative focus towards a stratified scenic ontology, in which the interaction between narrator, puppets, performers, and listeners generates a system of cognitive levels in constant collision. Within this framework, Don Quixote’s final destruction of the puppet theatre is interpreted not as a narrative anecdote but as the internal collapse of the device itself, revealing the violence inherent in all representational mediation. The article engages critically with canonical Falla scholarship, device theory, philosophy of technology, and the semiotics of listening, offering an unprecedented interpretation that situates the work at the core of an epistemological reflection on musical modernity. In doing so, it argues that El retablo de Maese Pedro constitutes not merely an aesthetic synthesis, but a decisive contribution to the history of musical thought as a form of knowledge. Este artigo propõe uma releitura radicalmente teórica de O Teatro de Marionetes do Mestre Pedro (1923), de Manuel de Falla, concebido não como uma obra cênica-musical no sentido tradicional, mas como um dispositivo epistemológico complexo que articula mediação, simulação e violência cognitiva. Nessa perspectiva, o Teatro de Marionetes é analisado como uma máquina de conhecimento pré-digital que problematiza os estatutos da representação, da escuta e da agência, antecipando modelos contemporâneos de mediação técnica e fragmentação ontológica. Longe de uma abordagem historicista ou estilística, esta obra desloca o eixo interpretativo para uma ontologia cênica estratificada, onde a interação entre narrador, marionetes, intérpretes e ouvintes configura um sistema de níveis cognitivos em constante colisão. Neste contexto, a destruição final do teatro de marionetes por Dom Quixote é interpretada não como um gesto anedótico ou narrativo, mas como o colapso interno do dispositivo, revelando a violência inerente a toda mediação representacional. O artigo dialoga criticamente com a musicologia canônica de Falla, a teoria do aparato, a filosofia da tecnologia e a semiótica da escuta, propondo uma nova leitura que coloca a obra no centro de uma reflexão epistemológica sobre a modernidade musical. Argumenta-se que O Teatro de Marionetes do Mestre Pedro não apenas representa uma síntese estética singular, mas também uma contribuição decisiva para a história do pensamento musical como forma de conhecimento. Marzal Raga, Lluís Escalante Vargas, Francisco Lorenzo de Reizábal, Margarita Pérez Botello, Bartolomé http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/196886 2026-07-14T20:11:17Z 2026-07-01T00:00:00Z

Articulo Artificial intelligence in higher music education from the perspective of teachers and students: Threat or opportunity?; Inteligência artificial no ensino superior de música: a perspectiva de professores e alunos – ameaça ou oportunidade? Epistemus; vol. 14, no. 1 El creciente desarrollo de la inteligencia artificial (IA) plantea desafíos significativos para la educación superior artística y, en particular, para los Conservatorios y Escuelas Superiores de Música (CyESM). El presente estudio tiene como objetivo analizar comparativamente las percepciones del profesorado y del estudiantado respecto a la integración de la IA en la formación musical superior en España. A partir del contraste entre dos investigaciones consecutivas desarrolladas en el marco de la Sociedad para la Educación Musical del Estado Español (2023–2025), se realiza un análisis comparativo estructurado en cinco dimensiones: conocimiento y uso de la IA, valoración pedagógica, competencia digital, tensiones axiológicas y expectativas de integración futura. Los resultados evidencian una brecha entre el reconocimiento del potencial de la IA y su aplicación efectiva en prácticas musicales específicas. Tanto docentes como discentes manifiestan cautela ante su incorporación, especialmente en relación con la creatividad, la autenticidad y la dimensión humana del aprendizaje artístico. No obstante, ambos colectivos coinciden en concebir la IA como herramienta complementaria y no sustitutiva de la enseñanza musical. El estudio aporta una lectura comparativa original que permite comprender el estado actual de la transición digital en los CyESM, subrayando la necesidad de una integración deliberada basada en criterios pedagógicos, institucionales y éticos explícitos.; The rapid development of artificial intelligence (AI) poses significant challenges for higher arts education and, in particular, for Conservatories and Higher Schools of Music (CyESM) in Spain. This study aims to comparatively analyze teachers’ and students’ perceptions regarding the integration of AI into higher music education. Drawing on the contrast between two consecutive research projects conducted within the framework of the Spanish Society for Music Education (2023–2025), a comparative analysis was carried out based on five analytical dimensions: knowledge and use of AI, pedagogical evaluation, digital competence, axiological tensions, and expectations regarding future integration. The results reveal a gap between the acknowledged potential of AI and its effective application in specific musical practices. Both teachers and students express caution regarding its incorporation, particularly in relation to creativity, authenticity, and the human dimension of artistic learning. However, both groups agree in viewing AI as a complementary rather than substitutive tool in music education. This study provides an original comparative perspective that sheds light on the current state of digital transition in Spanish Conservatories and Higher Schools of Music, highlighting the need for a deliberate integration of AI grounded in explicit pedagogical, institutional, and ethical criteria.; O rápido desenvolvimento da inteligência artificial (IA) apresenta desafios significativos para o ensino superior de artes e, em particular, para os Conservatórios e Escolas Superiores de Música (CyESM) na Espanha. Este estudo visa analisar comparativamente as percepções de professores e alunos sobre a integração da IA no ensino superior de música. Com base no contraste entre dois projetos de pesquisa consecutivos realizados no âmbito da Sociedade Espanhola de Educação Musical (2023–2025), foi realizada uma análise comparativa fundamentada em cinco dimensões analíticas: conhecimento e uso da IA, avaliação pedagógica, competência digital, tensões axiológicas e expectativas quanto à futura integração. Os resultados revelam uma lacuna entre o potencial reconhecido da IA e sua aplicação efetiva em práticas musicais específicas. Tanto professores quanto alunos expressam cautela quanto à sua incorporação, particularmente em relação à criatividade, autenticidade e à dimensão humana da aprendizagem artística. No entanto, ambos os grupos concordam em considerar a IA como uma ferramenta complementar, e não substitutiva, na educação musical. Este estudo oferece uma perspectiva comparativa original que lança luz sobre o estado atual da transição digital nos Conservatórios e Escolas Superiores de Música espanhóis, destacando a necessidade de uma integração deliberada da IA, fundamentada em critérios pedagógicos, institucionais e éticos explícitos.

2026-07-01T00:00:00Z El creciente desarrollo de la inteligencia artificial (IA) plantea desafíos significativos para la educación superior artística y, en particular, para los Conservatorios y Escuelas Superiores de Música (CyESM). El presente estudio tiene como objetivo analizar comparativamente las percepciones del profesorado y del estudiantado respecto a la integración de la IA en la formación musical superior en España. A partir del contraste entre dos investigaciones consecutivas desarrolladas en el marco de la Sociedad para la Educación Musical del Estado Español (2023–2025), se realiza un análisis comparativo estructurado en cinco dimensiones: conocimiento y uso de la IA, valoración pedagógica, competencia digital, tensiones axiológicas y expectativas de integración futura. Los resultados evidencian una brecha entre el reconocimiento del potencial de la IA y su aplicación efectiva en prácticas musicales específicas. Tanto docentes como discentes manifiestan cautela ante su incorporación, especialmente en relación con la creatividad, la autenticidad y la dimensión humana del aprendizaje artístico. No obstante, ambos colectivos coinciden en concebir la IA como herramienta complementaria y no sustitutiva de la enseñanza musical. El estudio aporta una lectura comparativa original que permite comprender el estado actual de la transición digital en los CyESM, subrayando la necesidad de una integración deliberada basada en criterios pedagógicos, institucionales y éticos explícitos. The rapid development of artificial intelligence (AI) poses significant challenges for higher arts education and, in particular, for Conservatories and Higher Schools of Music (CyESM) in Spain. This study aims to comparatively analyze teachers’ and students’ perceptions regarding the integration of AI into higher music education. Drawing on the contrast between two consecutive research projects conducted within the framework of the Spanish Society for Music Education (2023–2025), a comparative analysis was carried out based on five analytical dimensions: knowledge and use of AI, pedagogical evaluation, digital competence, axiological tensions, and expectations regarding future integration. The results reveal a gap between the acknowledged potential of AI and its effective application in specific musical practices. Both teachers and students express caution regarding its incorporation, particularly in relation to creativity, authenticity, and the human dimension of artistic learning. However, both groups agree in viewing AI as a complementary rather than substitutive tool in music education. This study provides an original comparative perspective that sheds light on the current state of digital transition in Spanish Conservatories and Higher Schools of Music, highlighting the need for a deliberate integration of AI grounded in explicit pedagogical, institutional, and ethical criteria. O rápido desenvolvimento da inteligência artificial (IA) apresenta desafios significativos para o ensino superior de artes e, em particular, para os Conservatórios e Escolas Superiores de Música (CyESM) na Espanha. Este estudo visa analisar comparativamente as percepções de professores e alunos sobre a integração da IA no ensino superior de música. Com base no contraste entre dois projetos de pesquisa consecutivos realizados no âmbito da Sociedade Espanhola de Educação Musical (2023–2025), foi realizada uma análise comparativa fundamentada em cinco dimensões analíticas: conhecimento e uso da IA, avaliação pedagógica, competência digital, tensões axiológicas e expectativas quanto à futura integração. Os resultados revelam uma lacuna entre o potencial reconhecido da IA e sua aplicação efetiva em práticas musicais específicas. Tanto professores quanto alunos expressam cautela quanto à sua incorporação, particularmente em relação à criatividade, autenticidade e à dimensão humana da aprendizagem artística. No entanto, ambos os grupos concordam em considerar a IA como uma ferramenta complementar, e não substitutiva, na educação musical. Este estudo oferece uma perspectiva comparativa original que lança luz sobre o estado atual da transição digital nos Conservatórios e Escolas Superiores de Música espanhóis, destacando a necessidade de uma integração deliberada da IA, fundamentada em critérios pedagógicos, institucionais e éticos explícitos. Gómez Fernández, Eva http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/196884 2026-07-14T20:11:18Z 2026-07-01T00:00:00Z

Articulo Supremacist musical discourses in Melbourne. An analysis of Fortress (1992-1999); Acordes do Poder Branco em Melbourne. Uma Análise Discursiva do Fortress (1992-1999) Epistemus; vol. 14, no. 1 Este estudio examina la escena musical White Power en Melbourne tomando a la banda musical Fortress como un caso paradigmático para comprender los procesos de radicalización ideológica en contextos culturales juveniles. El eje central del análisis se sitúa en la manera en que la agrupación instrumentalizó la música como vehículo de difusión del discurso supremacista, así como en la construcción de una identidad colectiva reactiva frente a los cambios sociales, el avance del multiculturalismo y la reconfiguración demográfica en Australia. La investigación se inscribe en el marco de los estudios culturales y adopta una metodología mixta, que combina el análisis cuantitativo y el análisis discursivo de veintinueve canciones producidas entre 1992 y 1999. A partir de este corpus, se identifican las temáticas predominantes y los mecanismos simbólicos de adoctrinamiento que permitieron a Fortress evolucionar desde una retórica de confrontación callejera hacia una narrativa más elaborada, de carácter místico y con proyección transnacional. Los resultados evidencian una jerarquía temática claramente dominada por la supremacía racial y el orgullo étnico, presentes en quince composiciones, acompañadas por la exaltación de la guerra, la violencia y diversas teorías conspirativas. El análisis permite aislar cuatro mecanismos centrales: la generación de cohesión grupal a través del discurso del orgullo blanco, la legitimación de la violencia mediante recursos musicales y líricos, la construcción de un relato de victimización frente a un enemigo difuso y la sacralización de la lucha política mediante referencias a la mitología nórdica.; This article analyzes the White Power music scene in Melbourne, taking the band Fortress as a paradigmatic case through which to examine processes of ideological radicalization within youth cultural milieus. The analysis focuses on the ways in which the group instrumentalized music as a medium for the dissemination of supremacist ideology, as well as on the construction of a reactive collective identity in response to social transformation, the expansion of multiculturalism, and demographic reconfiguration in Australia. Situated within the field of cultural studies, the research adopts a mixed-methods approach that combines quantitative analysis with critical discourse analysis of twenty-nine songs released between 1992 and 1999. Drawing on this corpus, the study identifies the dominant thematic axes and symbolic mechanisms of indoctrination that facilitated Fortress’s evolution from a discourse of street-level confrontation to a more sophisticated, mythologically inflected narrative with transnational resonance. The findings indicate a thematic hierarchy overwhelmingly dominated by racial supremacy and ethnic pride—present in fifteen compositions—alongside recurrent motifs of war, violence, and conspiracy thinking. The analysis isolates four principal mechanisms: the production of group cohesion through White Pride discourse; the legitimation of violence via musical and lyrical strategies; the articulation of a victimization narrative in opposition to a vaguely defined enemy; and the sacralization of political struggle through references to Norse mythology.; Este estudo examina a cena musical do Poder Branco em Melbourne, utilizando a banda Fortress como um estudo de caso paradigmático para compreender os processos de radicalização ideológica em contextos culturais juvenis. A análise concentra-se em como o grupo instrumentalizou a música como um veículo para disseminar o discurso supremacista branco, bem como na construção de uma identidade coletiva que reagiu às mudanças sociais, à ascensão do multiculturalismo e às mudanças demográficas na Austrália. Esta pesquisa se enquadra no âmbito dos estudos culturais e emprega uma metodologia mista, combinando análise quantitativa e discursiva de vinte e nove canções produzidas entre 1992 e 1999. A partir desse corpus, os temas predominantes e os mecanismos simbólicos de doutrinação são identificados, revelando como o Fortress evoluiu de uma retórica de confronto de rua para uma narrativa mística mais elaborada com alcance transnacional. Os resultados demonstram uma hierarquia temática claramente dominada pela supremacia racial e pelo orgulho étnico, presente em quinze composições, acompanhada pela glorificação da guerra, da violência e de várias teorias da conspiração. A análise isola quatro mecanismos centrais: a geração de coesão grupal por meio do discurso do orgulho branco, a legitimação da violência através de recursos musicais e líricos, a construção de uma narrativa de vitimização contra um inimigo difuso e a sacralização da luta política por meio de referências à mitologia nórdica.

2026-07-01T00:00:00Z Este estudio examina la escena musical White Power en Melbourne tomando a la banda musical Fortress como un caso paradigmático para comprender los procesos de radicalización ideológica en contextos culturales juveniles. El eje central del análisis se sitúa en la manera en que la agrupación instrumentalizó la música como vehículo de difusión del discurso supremacista, así como en la construcción de una identidad colectiva reactiva frente a los cambios sociales, el avance del multiculturalismo y la reconfiguración demográfica en Australia. La investigación se inscribe en el marco de los estudios culturales y adopta una metodología mixta, que combina el análisis cuantitativo y el análisis discursivo de veintinueve canciones producidas entre 1992 y 1999. A partir de este corpus, se identifican las temáticas predominantes y los mecanismos simbólicos de adoctrinamiento que permitieron a Fortress evolucionar desde una retórica de confrontación callejera hacia una narrativa más elaborada, de carácter místico y con proyección transnacional. Los resultados evidencian una jerarquía temática claramente dominada por la supremacía racial y el orgullo étnico, presentes en quince composiciones, acompañadas por la exaltación de la guerra, la violencia y diversas teorías conspirativas. El análisis permite aislar cuatro mecanismos centrales: la generación de cohesión grupal a través del discurso del orgullo blanco, la legitimación de la violencia mediante recursos musicales y líricos, la construcción de un relato de victimización frente a un enemigo difuso y la sacralización de la lucha política mediante referencias a la mitología nórdica. This article analyzes the White Power music scene in Melbourne, taking the band Fortress as a paradigmatic case through which to examine processes of ideological radicalization within youth cultural milieus. The analysis focuses on the ways in which the group instrumentalized music as a medium for the dissemination of supremacist ideology, as well as on the construction of a reactive collective identity in response to social transformation, the expansion of multiculturalism, and demographic reconfiguration in Australia. Situated within the field of cultural studies, the research adopts a mixed-methods approach that combines quantitative analysis with critical discourse analysis of twenty-nine songs released between 1992 and 1999. Drawing on this corpus, the study identifies the dominant thematic axes and symbolic mechanisms of indoctrination that facilitated Fortress’s evolution from a discourse of street-level confrontation to a more sophisticated, mythologically inflected narrative with transnational resonance. The findings indicate a thematic hierarchy overwhelmingly dominated by racial supremacy and ethnic pride—present in fifteen compositions—alongside recurrent motifs of war, violence, and conspiracy thinking. The analysis isolates four principal mechanisms: the production of group cohesion through White Pride discourse; the legitimation of violence via musical and lyrical strategies; the articulation of a victimization narrative in opposition to a vaguely defined enemy; and the sacralization of political struggle through references to Norse mythology. Este estudo examina a cena musical do Poder Branco em Melbourne, utilizando a banda Fortress como um estudo de caso paradigmático para compreender os processos de radicalização ideológica em contextos culturais juvenis. A análise concentra-se em como o grupo instrumentalizou a música como um veículo para disseminar o discurso supremacista branco, bem como na construção de uma identidade coletiva que reagiu às mudanças sociais, à ascensão do multiculturalismo e às mudanças demográficas na Austrália. Esta pesquisa se enquadra no âmbito dos estudos culturais e emprega uma metodologia mista, combinando análise quantitativa e discursiva de vinte e nove canções produzidas entre 1992 e 1999. A partir desse corpus, os temas predominantes e os mecanismos simbólicos de doutrinação são identificados, revelando como o Fortress evoluiu de uma retórica de confronto de rua para uma narrativa mística mais elaborada com alcance transnacional. Os resultados demonstram uma hierarquia temática claramente dominada pela supremacia racial e pelo orgulho étnico, presente em quinze composições, acompanhada pela glorificação da guerra, da violência e de várias teorias da conspiração. A análise isola quatro mecanismos centrais: a geração de coesão grupal por meio do discurso do orgulho branco, a legitimação da violência através de recursos musicais e líricos, a construção de uma narrativa de vitimização contra um inimigo difuso e a sacralização da luta política por meio de referências à mitologia nórdica. Blake, Mariano Guillermo Conti, Gabriela Díaz, Alberto http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/196883 2026-07-14T20:11:19Z 2026-07-01T00:00:00Z

Articulo Self-perceptual correction asymmetry in musicians. A theoretical model from pedagogy of evaluation; Assimetria na autopercepção da correção em músicos. Um modelo teórico da pedagogia da avaliação Epistemus; vol. 14, no. 1 La formación de músicos performers produce frecuentemente un fenómeno paradójico: estudiantes objetivamente competentes que persisten en una autopercepción severa de incompetencia, resistente a la evidencia y refractaria a los intentos de corrección. Este trabajo propone un modelo integrado para explicar ese fenómeno, articulado en torno al concepto de asimetría de corrección autoperceptiva: la desproporción estructural entre el bajo costo cognitivo que involucra la instalación de una falsa autoconcepción negativa y el alto costo que requiere su corrección sostenida. Partiendo de la intuición heurística de la ley de Brandolini —originalmente formulada para el dominio intersubjetivo de la desinformación— y de la evidencia empírica, se propone un modelo de proceso con tres fases: el anclaje autocrítico (instalación eficiente de la autoconcepción negativa a través del negativity bias, la consolidación de memoria emocional y la atribución disposicional del error), la inercia de la autoconcepción negativa (mantenimiento pasivo mediante cuatro mecanismos cognitivos: verificación del self, escepticismo motivado, punto ciego del sesgo y self-handicapping anticipatorio) y la resistencia estructural a la corrección. La Ansiedad por Performance Musical es analizada como amplificador sistémico de la asimetría en el contexto de la formación artística. El modelo examina el Algoritmo Evaluativo como intervención que opera upstream o corriente arriba en el ciclo, antes de que los mecanismos de resistencia puedan activarse, y sus limitaciones son reformuladas como predicciones teóricas que abren preguntas de investigación empírica. Se derivan implicaciones para la pedagogía de la evaluación en artes y se proponen líneas de investigación para la verificación del modelo.; Music performance training frequently produces a paradoxical phenomenon: students with objectively evaluable competence who persist in a severe self-perception of incompetence, resistant to evidence and refractory to corrective attempts. This paper proposes an integrated theoretical framework to explain this phenomenon, organized around the concept of self-perceptual correction asymmetry: the structural disproportion between the low cognitive cost involved in installing a false negative selfconception and the high cost required for its sustained correction. Drawing on the heuristic intuition of Brandolini's law —originally formulated for the intersubjective domain of misinformation— and on empirical evidence with Argentine musicians, we propose a three-phase process model: self-critical anchoring (efficient installation of the negative self-conception through the negativity bias, emotional memory consolidation, and dispositional attribution of error); negative self-conception inertia (passive maintenance through four cognitive mechanisms: self-verification, motivated skepticism, bias blind spot, and anticipatory self-handicapping anticipatorio); and structural resistance to correction. Music Performance Anxiety is analyzed as a systemic amplifier of the asymmetry within the specific context of artistic training. In light of the model, the Evaluative Algorithm is examined as an intervention that operates upstream of the cycle, before resistance mechanisms can activate, and its limitations are reformulated as theoretical predictions that open empirical research questions. Implications for arts assessment pedagogy are derived, and research lines for model verification are proposed.; O treinamento de músicos performáticos frequentemente produz um fenômeno paradoxal: alunos objetivamente competentes que persistem em uma severa autopercepção de incompetência, resistente a evidências e impermeável a tentativas de correção. Este trabalho propõe um modelo integrado para explicar esse fenômeno, articulado em torno do conceito de assimetria de correção autoperceptiva: a desproporção estrutural entre o baixo custo cognitivo envolvido no estabelecimento de uma autopercepção falsa negativa e o alto custo necessário para sua correção sustentada. Com base na intuição heurística da lei de Brandolini — originalmente formulada para o domínio intersubjetivo da desinformação — e em evidências empíricas, propõe-se um modelo de processo em três fases: ancoragem autocrítica (instalação eficiente de um autoconceito negativo por meio de viés de negatividade, consolidação da memória emocional e atribuição disposicional de erro), a inércia do autoconceito negativo (manutenção passiva por meio de quatro mecanismos cognitivos: autoverificação, ceticismo motivado, ponto cego de viés e autosabotagem antecipatória) e resistência estrutural à correção. A ansiedade de desempenho é analisada como um amplificador sistêmico da assimetria no contexto da formação artística. O modelo examina o algoritmo avaliativo como uma intervenção a montante no ciclo, antes que os mecanismos de resistência possam ser ativados, e suas limitações são reformuladas como previsões teóricas que abrem questões para pesquisa empírica. Implicações para a pedagogia da avaliação nas artes são derivadas, e linhas de pesquisa são propostas para a verificação do modelo.

2026-07-01T00:00:00Z La formación de músicos performers produce frecuentemente un fenómeno paradójico: estudiantes objetivamente competentes que persisten en una autopercepción severa de incompetencia, resistente a la evidencia y refractaria a los intentos de corrección. Este trabajo propone un modelo integrado para explicar ese fenómeno, articulado en torno al concepto de asimetría de corrección autoperceptiva: la desproporción estructural entre el bajo costo cognitivo que involucra la instalación de una falsa autoconcepción negativa y el alto costo que requiere su corrección sostenida. Partiendo de la intuición heurística de la ley de Brandolini —originalmente formulada para el dominio intersubjetivo de la desinformación— y de la evidencia empírica, se propone un modelo de proceso con tres fases: el anclaje autocrítico (instalación eficiente de la autoconcepción negativa a través del negativity bias, la consolidación de memoria emocional y la atribución disposicional del error), la inercia de la autoconcepción negativa (mantenimiento pasivo mediante cuatro mecanismos cognitivos: verificación del self, escepticismo motivado, punto ciego del sesgo y self-handicapping anticipatorio) y la resistencia estructural a la corrección. La Ansiedad por Performance Musical es analizada como amplificador sistémico de la asimetría en el contexto de la formación artística. El modelo examina el Algoritmo Evaluativo como intervención que opera upstream o corriente arriba en el ciclo, antes de que los mecanismos de resistencia puedan activarse, y sus limitaciones son reformuladas como predicciones teóricas que abren preguntas de investigación empírica. Se derivan implicaciones para la pedagogía de la evaluación en artes y se proponen líneas de investigación para la verificación del modelo. Music performance training frequently produces a paradoxical phenomenon: students with objectively evaluable competence who persist in a severe self-perception of incompetence, resistant to evidence and refractory to corrective attempts. This paper proposes an integrated theoretical framework to explain this phenomenon, organized around the concept of self-perceptual correction asymmetry: the structural disproportion between the low cognitive cost involved in installing a false negative selfconception and the high cost required for its sustained correction. Drawing on the heuristic intuition of Brandolini's law —originally formulated for the intersubjective domain of misinformation— and on empirical evidence with Argentine musicians, we propose a three-phase process model: self-critical anchoring (efficient installation of the negative self-conception through the negativity bias, emotional memory consolidation, and dispositional attribution of error); negative self-conception inertia (passive maintenance through four cognitive mechanisms: self-verification, motivated skepticism, bias blind spot, and anticipatory self-handicapping anticipatorio); and structural resistance to correction. Music Performance Anxiety is analyzed as a systemic amplifier of the asymmetry within the specific context of artistic training. In light of the model, the Evaluative Algorithm is examined as an intervention that operates upstream of the cycle, before resistance mechanisms can activate, and its limitations are reformulated as theoretical predictions that open empirical research questions. Implications for arts assessment pedagogy are derived, and research lines for model verification are proposed. O treinamento de músicos performáticos frequentemente produz um fenômeno paradoxal: alunos objetivamente competentes que persistem em uma severa autopercepção de incompetência, resistente a evidências e impermeável a tentativas de correção. Este trabalho propõe um modelo integrado para explicar esse fenômeno, articulado em torno do conceito de assimetria de correção autoperceptiva: a desproporção estrutural entre o baixo custo cognitivo envolvido no estabelecimento de uma autopercepção falsa negativa e o alto custo necessário para sua correção sustentada. Com base na intuição heurística da lei de Brandolini — originalmente formulada para o domínio intersubjetivo da desinformação — e em evidências empíricas, propõe-se um modelo de processo em três fases: ancoragem autocrítica (instalação eficiente de um autoconceito negativo por meio de viés de negatividade, consolidação da memória emocional e atribuição disposicional de erro), a inércia do autoconceito negativo (manutenção passiva por meio de quatro mecanismos cognitivos: autoverificação, ceticismo motivado, ponto cego de viés e autosabotagem antecipatória) e resistência estrutural à correção. A ansiedade de desempenho é analisada como um amplificador sistêmico da assimetria no contexto da formação artística. O modelo examina o algoritmo avaliativo como uma intervenção a montante no ciclo, antes que os mecanismos de resistência possam ser ativados, e suas limitações são reformuladas como previsões teóricas que abrem questões para pesquisa empírica. Implicações para a pedagogia da avaliação nas artes são derivadas, e linhas de pesquisa são propostas para a verificação do modelo. Shifres, Favio Demian Burcet, María Inés http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/188819 2025-12-15T20:11:54Z 2025-12-10T00:00:00Z

Articulo Subordinação epistemológica na educação musical: O caso da notação musical; Epistemological subordination in Music Education: The case of musical notation Epistemus; vol. 13, no. 2 Las tradiciones en la Educación Musical son actualemente fuertemente criticadas. La crítica se refiere a la naturaleza de la mente asumidas en ellas, a los repertorios y métodos involucrados, a situaciones de injusticia social que tienen lugar en sus prácticas, etc. Estas críticas se abordan desde el propio universo de creencias que ha configurado tales cuestiones: la Modernidad. Por ello no pueden dar cuenta de las ontologías en pugna en los tópicos criticados ni de los problemas centrales que inciden en la construcción situada del conocimiento musical. Por el contrario, la teoría crítica latinoamericana se ha desprendido de la corriente principal del pensamiento posmoderno, centrándose en el análisis de las relaciones de poder que permean la construcción del conocimiento instaurado tras la expansión colonial europea, hace 500 años. Desde este marco es posible comprender la alianza Psicología-Musicología que caracteriza a la Psicología de la Música favoreciendo la imposición de categorías para pensar los problemas que, lejos del amplio abanico de experiencias musicales a cubrir, invisibiliza numerosos saberes e impide la emergencia de alternativas desligadas de esos supuestos. En este artículo desarrollamos un área gnoseológica musical, la noción de escritura musical como código, que muestra cómo actúa esta matriz de poder dentro de la educación musical, apropiándose del sentido común relativo a hacer música en nuestra cultura. Mostramos algunas consecuencias de asumir la escritura musical de ese modo y discutimos alternativas contextualmente viables para interpretar y resolver la alfabetización musical sin someterse a la colonialidad del saber en la educación musical.; Recentemente, as tradições na educação musical têm sido alvo de fortes críticas. Essas críticas abordam a natureza da mentalidade nelas pressuposta, os repertórios e métodos envolvidos, as situações de injustiça social que ocorrem em suas práticas, entre muitas outras questões. Essas críticas partem do próprio universo de crenças que moldou tais questões: a Modernidade. Portanto, elas não conseguem explicar nem as ontologias em conflito dentro dos temas criticados, nem os problemas centrais que afetam a construção situada do saber musical. Em contraste, a teoria crítica latino-americana tem se distanciado da corrente principal do pensamento pós-moderno, concentrando-se na análise das relações de poder que permeiam a construção do saber estabelecida após a expansão colonial europeia, há 500 anos. A partir dessa perspectiva, é possível compreender a aliança entre Psicologia e Musicologia que caracteriza a Psicologia da Música, favorecendo a imposição de categorias para pensar problemas que, longe de abarcar a ampla gama de experiências musicais, tornam invisíveis inúmeras formas de conhecimento e impedem o surgimento de alternativas desvinculadas dessas pressuposições. Neste artigo, desenvolvemos uma área epistemológica musical, a noção de notação musical como código, que demonstra como essa matriz de poder opera na educação musical, apropriando-se do senso comum sobre a prática musical em nossa cultura. Apresentamos algumas consequências de se assumir a notação musical dessa maneira e discutimos alternativas contextualmente viáveis ​​para interpretar e abordar a alfabetização musical sem se submeter à colonialidade do conhecimento na educação musical.; Recently, traditions in music education have been strongly criticised. Criticism refers to the assumed nature of the mind, involved repertoires and methods, situations of social injustice, among many other topics. These criticisms are approached from within the very universe of beliefs that has configured such issues: Modernity. For this reason, they cannot account both for the ontologies in conflict in the criticised matters and for the central problems that affect the situated construction of musical knowledge. Contrary, Latinamerican critical theory has broken away from the mainstream of postmodern thought, focusing on the analysis of power relations permeating the construction of knowledge established after the European colonial expansion, 500 years ago. From this framework it is possible to understand the Psychology-Musicology alliance that characterises Music Psychology as favouring the imposition of categories to think about the problems that, far from the wide range of musical experiences to be covered, makes numerous knowledge invisible and prevents the emergence of alternatives detached from those assumptions. In this article we develop a musical gnoseological field, music notation as a code, that show how this matrix of power acts within music education, appropriating the common sense relative to making music in our culture. We show some consequences of assuming music writing in this way and discuss contextually viable alternatives to interpret and solve music literacy without submitting to the coloniality of knowledge in music education.

2025-12-10T00:00:00Z Las tradiciones en la Educación Musical son actualemente fuertemente criticadas. La crítica se refiere a la naturaleza de la mente asumidas en ellas, a los repertorios y métodos involucrados, a situaciones de injusticia social que tienen lugar en sus prácticas, etc. Estas críticas se abordan desde el propio universo de creencias que ha configurado tales cuestiones: la Modernidad. Por ello no pueden dar cuenta de las ontologías en pugna en los tópicos criticados ni de los problemas centrales que inciden en la construcción situada del conocimiento musical. Por el contrario, la teoría crítica latinoamericana se ha desprendido de la corriente principal del pensamiento posmoderno, centrándose en el análisis de las relaciones de poder que permean la construcción del conocimiento instaurado tras la expansión colonial europea, hace 500 años. Desde este marco es posible comprender la alianza Psicología-Musicología que caracteriza a la Psicología de la Música favoreciendo la imposición de categorías para pensar los problemas que, lejos del amplio abanico de experiencias musicales a cubrir, invisibiliza numerosos saberes e impide la emergencia de alternativas desligadas de esos supuestos. En este artículo desarrollamos un área gnoseológica musical, la noción de escritura musical como código, que muestra cómo actúa esta matriz de poder dentro de la educación musical, apropiándose del sentido común relativo a hacer música en nuestra cultura. Mostramos algunas consecuencias de asumir la escritura musical de ese modo y discutimos alternativas contextualmente viables para interpretar y resolver la alfabetización musical sin someterse a la colonialidad del saber en la educación musical. Recentemente, as tradições na educação musical têm sido alvo de fortes críticas. Essas críticas abordam a natureza da mentalidade nelas pressuposta, os repertórios e métodos envolvidos, as situações de injustiça social que ocorrem em suas práticas, entre muitas outras questões. Essas críticas partem do próprio universo de crenças que moldou tais questões: a Modernidade. Portanto, elas não conseguem explicar nem as ontologias em conflito dentro dos temas criticados, nem os problemas centrais que afetam a construção situada do saber musical. Em contraste, a teoria crítica latino-americana tem se distanciado da corrente principal do pensamento pós-moderno, concentrando-se na análise das relações de poder que permeiam a construção do saber estabelecida após a expansão colonial europeia, há 500 anos. A partir dessa perspectiva, é possível compreender a aliança entre Psicologia e Musicologia que caracteriza a Psicologia da Música, favorecendo a imposição de categorias para pensar problemas que, longe de abarcar a ampla gama de experiências musicais, tornam invisíveis inúmeras formas de conhecimento e impedem o surgimento de alternativas desvinculadas dessas pressuposições. Neste artigo, desenvolvemos uma área epistemológica musical, a noção de notação musical como código, que demonstra como essa matriz de poder opera na educação musical, apropriando-se do senso comum sobre a prática musical em nossa cultura. Apresentamos algumas consequências de se assumir a notação musical dessa maneira e discutimos alternativas contextualmente viáveis ​​para interpretar e abordar a alfabetização musical sem se submeter à colonialidade do conhecimento na educação musical. Recently, traditions in music education have been strongly criticised. Criticism refers to the assumed nature of the mind, involved repertoires and methods, situations of social injustice, among many other topics. These criticisms are approached from within the very universe of beliefs that has configured such issues: Modernity. For this reason, they cannot account both for the ontologies in conflict in the criticised matters and for the central problems that affect the situated construction of musical knowledge. Contrary, Latinamerican critical theory has broken away from the mainstream of postmodern thought, focusing on the analysis of power relations permeating the construction of knowledge established after the European colonial expansion, 500 years ago. From this framework it is possible to understand the Psychology-Musicology alliance that characterises Music Psychology as favouring the imposition of categories to think about the problems that, far from the wide range of musical experiences to be covered, makes numerous knowledge invisible and prevents the emergence of alternatives detached from those assumptions. In this article we develop a musical gnoseological field, music notation as a code, that show how this matrix of power acts within music education, appropriating the common sense relative to making music in our culture. We show some consequences of assuming music writing in this way and discuss contextually viable alternatives to interpret and solve music literacy without submitting to the coloniality of knowledge in music education. Vierge, Marcos Andrés http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/188816 2025-12-15T20:11:55Z 2025-12-10T00:00:00Z

Articulo Human Thought versus Algorithm: A case study on the creation of program notes for a Martha Argerich and Pablo Galdo Concert; Pensamento humano versus algoritmo: Um estudo de caso sobre a criação de notas de programa para um concerto de Martha Argerich e Pablo Galdo Epistemus; vol. 13, no. 2 A partir de la elaboración de las notas de programa de un concierto de Martha Argerich (1941-) en Pamplona, el estudio reflexiona sobre la utilización de inteligencia artificial generativa (IA generativa) en procesos creativos artísticos y/o culturales. La presencia de la pianista argentina en el auditorio Baluarte de Pamplona fue un evento relevante, ya que se trataba de su primera actuación en esta ciudad, a la edad de 83 años. El texto explica el proceso de pensamiento llevado a cabo para la realización de dichas notas y analiza el contenido del producto resultante. Posteriormente, se relata cómo se procedió a realizar otras notas para el mismo concierto con el uso de IA generativa, con el objetivo de abordar un análisis comparado del proceso y contenido entre los dos resultados. Las conclusiones muestran debates propios del marco teórico en torno al uso de la IA generativa, en lo que se refiere a la importancia de los procesos creativos artísticos y culturales.; Based on the creation of program notes for a concert by Martha Argerich (1941-) in Pamplona, this study reflects on the use of generative artificial intelligence (AI) in artistic and/or cultural creative processes. The presence of the Argentine pianist at the Baluarte Auditorium in Pamplona was a significant event, as it marked her first performance in this city at the age of 83. The text explains the thought process behind the creation of these notes and analyzes the content of the resulting product. Subsequently, it describes how alternative notes were generated for the same concert using generative AI, aiming to conduct a comparative analysis of the process and content between the two outcomes. The conclusions highlight debates within the theoretical framework regarding the use of generative AI, particularly concerning the significance of artistic and cultural creative processes.; Baseado na criação de notas de programa para um concerto de Martha Argerich (1941-) em Pamplona, ​​este estudo reflete sobre o uso da inteligência artificial generativa (IAG) em processos criativos artísticos e/ou culturais. A apresentação da pianista argentina no Auditório Baluarte em Pamplona foi um evento significativo, pois foi sua primeira apresentação na cidade aos 83 anos. O texto explica o processo de pensamento envolvido na criação dessas notas e analisa o conteúdo do produto resultante. Posteriormente, descreve como notas adicionais para o mesmo concerto foram criadas usando IAG, com o objetivo de realizar uma análise comparativa do processo e do conteúdo dos dois conjuntos de resultados. As conclusões destacam debates dentro do arcabouço teórico em torno do uso da IAG, particularmente no que diz respeito à sua importância em processos criativos artísticos e culturais.

2025-12-10T00:00:00Z A partir de la elaboración de las notas de programa de un concierto de Martha Argerich (1941-) en Pamplona, el estudio reflexiona sobre la utilización de inteligencia artificial generativa (IA generativa) en procesos creativos artísticos y/o culturales. La presencia de la pianista argentina en el auditorio Baluarte de Pamplona fue un evento relevante, ya que se trataba de su primera actuación en esta ciudad, a la edad de 83 años. El texto explica el proceso de pensamiento llevado a cabo para la realización de dichas notas y analiza el contenido del producto resultante. Posteriormente, se relata cómo se procedió a realizar otras notas para el mismo concierto con el uso de IA generativa, con el objetivo de abordar un análisis comparado del proceso y contenido entre los dos resultados. Las conclusiones muestran debates propios del marco teórico en torno al uso de la IA generativa, en lo que se refiere a la importancia de los procesos creativos artísticos y culturales. Based on the creation of program notes for a concert by Martha Argerich (1941-) in Pamplona, this study reflects on the use of generative artificial intelligence (AI) in artistic and/or cultural creative processes. The presence of the Argentine pianist at the Baluarte Auditorium in Pamplona was a significant event, as it marked her first performance in this city at the age of 83. The text explains the thought process behind the creation of these notes and analyzes the content of the resulting product. Subsequently, it describes how alternative notes were generated for the same concert using generative AI, aiming to conduct a comparative analysis of the process and content between the two outcomes. The conclusions highlight debates within the theoretical framework regarding the use of generative AI, particularly concerning the significance of artistic and cultural creative processes. Baseado na criação de notas de programa para um concerto de Martha Argerich (1941-) em Pamplona, ​​este estudo reflete sobre o uso da inteligência artificial generativa (IAG) em processos criativos artísticos e/ou culturais. A apresentação da pianista argentina no Auditório Baluarte em Pamplona foi um evento significativo, pois foi sua primeira apresentação na cidade aos 83 anos. O texto explica o processo de pensamento envolvido na criação dessas notas e analisa o conteúdo do produto resultante. Posteriormente, descreve como notas adicionais para o mesmo concerto foram criadas usando IAG, com o objetivo de realizar uma análise comparativa do processo e do conteúdo dos dois conjuntos de resultados. As conclusões destacam debates dentro do arcabouço teórico em torno do uso da IAG, particularmente no que diz respeito à sua importância em processos criativos artísticos e culturais. Marchiano, María Martínez, Isabel Cecilia http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/188799 2025-12-15T20:11:55Z 2025-12-10T00:00:00Z

Articulo Second person atributtions in Jazz improvisation; Atribuições de segunda pessoa na improvisação de jazz Epistemus; vol. 13, no. 2 El artículo traducido aquí se propone identificar las atribuciones de segunda persona realizadas por dúos de músicos de jazz y relacionarlas con los rasgos sonoro-cinéticos que expresan los estados intencionales atribuidos. Se realizó un estudio de método mixto donde los dúos produjeron improvisaciones bajo diferentes condiciones de percepción visual y auditiva mutua. Los resultados indican: (i) atribuciones realizadas mediante la ‘lectura’ directa del gesto sonoro del otro; (ii) rasgos idiosincráticos que persisten a través de las condiciones; (iii) las interacciones de jazz guardan similitudes con la musicalidad comunicativa temprana: la imitación-variación es un indicador de la comunicación entre los músicos.; The article translated here aims at identifying the second person attributions carried out by duets of musicians during jazz improvisation and to relate them to the sonic-kinetic features that express the musicians’ attributed intentional states. We conducted a mixed-methods study where duets produced improvisations under different visual and auditory conditions of mutual perception. Results show that (i) musicians mutually attributed musical intentions based on their direct ‘reading’ of the partner’s sonic gestures; (ii) improvisations showed idiosyncratic features that persisted across trials; and (iii) jazz interaction bear similarities with communicative musicality in early infancy: imitation-variation emerges as an indicator of communication between musicians.; O artigo aqui traduzido propõe identificar as atribuições de segunda pessoa feitas por duos de jazz e relacioná-las às características sonoro-cinéticas que expressam os estados intencionais atribuídos. Foi realizado um estudo com métodos mistos, no qual os duos produziram improvisações sob diferentes condições de percepção visual e auditiva mútua. Os resultados indicam: (i) atribuições feitas por meio da “leitura” direta do gesto sonoro do outro; (ii) características idiossincráticas que persistem entre as condições; (iii) as interações no jazz que compartilham similaridades com a musicalidade comunicativa inicial: a variação por imitação é um indicador de comunicação entre músicos.

2025-12-10T00:00:00Z El artículo traducido aquí se propone identificar las atribuciones de segunda persona realizadas por dúos de músicos de jazz y relacionarlas con los rasgos sonoro-cinéticos que expresan los estados intencionales atribuidos. Se realizó un estudio de método mixto donde los dúos produjeron improvisaciones bajo diferentes condiciones de percepción visual y auditiva mutua. Los resultados indican: (i) atribuciones realizadas mediante la ‘lectura’ directa del gesto sonoro del otro; (ii) rasgos idiosincráticos que persisten a través de las condiciones; (iii) las interacciones de jazz guardan similitudes con la musicalidad comunicativa temprana: la imitación-variación es un indicador de la comunicación entre los músicos. The article translated here aims at identifying the second person attributions carried out by duets of musicians during jazz improvisation and to relate them to the sonic-kinetic features that express the musicians’ attributed intentional states. We conducted a mixed-methods study where duets produced improvisations under different visual and auditory conditions of mutual perception. Results show that (i) musicians mutually attributed musical intentions based on their direct ‘reading’ of the partner’s sonic gestures; (ii) improvisations showed idiosyncratic features that persisted across trials; and (iii) jazz interaction bear similarities with communicative musicality in early infancy: imitation-variation emerges as an indicator of communication between musicians. O artigo aqui traduzido propõe identificar as atribuições de segunda pessoa feitas por duos de jazz e relacioná-las às características sonoro-cinéticas que expressam os estados intencionais atribuídos. Foi realizado um estudo com métodos mistos, no qual os duos produziram improvisações sob diferentes condições de percepção visual e auditiva mútua. Os resultados indicam: (i) atribuições feitas por meio da “leitura” direta do gesto sonoro do outro; (ii) características idiossincráticas que persistem entre as condições; (iii) as interações no jazz que compartilham similaridades com a musicalidade comunicativa inicial: a variação por imitação é um indicador de comunicação entre músicos. Martínez, Isabel Cecilia Marchiano, María http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/188798 2025-12-15T20:11:56Z 2025-12-10T00:00:00Z

Articulo Emotion and interaction during musical performance: The case of jazz improvisation; Emoção e interação na performance musical: O caso da improvisação no jazz Epistemus; vol. 13, no. 2 En este artículo indagamos sobre el rol que cumplen las emociones de los músicos cuando interactúan en la producción creativa de la música. El estudio de la emoción en la música se ha enfocado tradicionalmente en el análisis de la experiencia  de la recepción musical. Asumimos aquí una perspectiva alternativa en el marco de los enfoques poscognitivistas sobre la emoción y la interacción durante la performance de la música: por un lado, destacamos el carácter multimodal, social y dinámico de los estados afectivos, distanciándonos de los enfoques cognitivos centrados en la dicotomía emoción/cognición, y, por otro lado, conceptualizamos la performance musical como una interacción dialógica y de segunda persona en la que los músicos se comunican sensoriomotoramente y atribuyen estados mentales a través de sus expresiones corporales. Proponemos un análisis de las emociones durante la improvisación de jazz, en base a un experimento realizado sobre dúos de saxo y guitarra. Como consecuencia de los análisis y la reflexión teórica, concluimos que las emociones son componentes constitutivos de la práctica social de la música que modulan y emergen de las contingencias interactivas, de la construcción conjunta de la creación musical, y de la interpretación y producción de emisiones musicales.; In this article, we explore the role of musicians' emotions in the creative production of music. The study of emotion in music has traditionally focused on analyzing the experience of musical reception. Here, we adopt an alternative perspective within the framework of postcognitive approaches to emotion and interaction during musical performance. On the one hand, we highlight the multimodal, social, and dynamic nature of affective states, distancing ourselves from cognitive approaches centered on the emotion/cognition dichotomy. On the other hand, we conceptualize musical performance as a dialogic and second-person interaction in which musicians communicate sensorimotorically and attribute mental states through their bodily expressions. We propose an analysis of emotions during jazz improvisation, based on an experiment conducted with saxophone-guitar duos. Drawing on our analyses and theoretical reflection, we conclude that emotions are constitutive components of the social practice of music, modulating and emerging from interactive contingencies, the joint construction of musical creation, and the interpretation and production of musical utterances.; Neste artigo, exploramos o papel das emoções dos músicos na produção criativa da música. O estudo da emoção na música tem tradicionalmente se concentrado na análise da experiência de recepção musical. Aqui, adotamos uma perspectiva alternativa dentro do marco das abordagens pós-cognitivas da emoção e da interação durante a performance musical. Por um lado, destacamos a natureza multimodal, social e dinâmica dos estados afetivos, distanciando-nos das abordagens cognitivas centradas na dicotomia emoção/cognição. Por outro lado, conceituamos a performance musical como uma interação dialógica em segunda pessoa, na qual os músicos se comunicam sensório-motoramente e atribuem estados mentais por meio de suas expressões corporais. Propomos uma análise das emoções durante a improvisação no jazz, baseada em um experimento realizado com duos de saxofone e guitarra. Como resultado das análises e da reflexão teórica, concluímos que as emoções são componentes constitutivos da prática social da música, que modulam e emergem de contingências interativas, da construção conjunta da criação musical e da interpretação e produção das emissões musicais.

2025-12-10T00:00:00Z En este artículo indagamos sobre el rol que cumplen las emociones de los músicos cuando interactúan en la producción creativa de la música. El estudio de la emoción en la música se ha enfocado tradicionalmente en el análisis de la experiencia  de la recepción musical. Asumimos aquí una perspectiva alternativa en el marco de los enfoques poscognitivistas sobre la emoción y la interacción durante la performance de la música: por un lado, destacamos el carácter multimodal, social y dinámico de los estados afectivos, distanciándonos de los enfoques cognitivos centrados en la dicotomía emoción/cognición, y, por otro lado, conceptualizamos la performance musical como una interacción dialógica y de segunda persona en la que los músicos se comunican sensoriomotoramente y atribuyen estados mentales a través de sus expresiones corporales. Proponemos un análisis de las emociones durante la improvisación de jazz, en base a un experimento realizado sobre dúos de saxo y guitarra. Como consecuencia de los análisis y la reflexión teórica, concluimos que las emociones son componentes constitutivos de la práctica social de la música que modulan y emergen de las contingencias interactivas, de la construcción conjunta de la creación musical, y de la interpretación y producción de emisiones musicales. In this article, we explore the role of musicians' emotions in the creative production of music. The study of emotion in music has traditionally focused on analyzing the experience of musical reception. Here, we adopt an alternative perspective within the framework of postcognitive approaches to emotion and interaction during musical performance. On the one hand, we highlight the multimodal, social, and dynamic nature of affective states, distancing ourselves from cognitive approaches centered on the emotion/cognition dichotomy. On the other hand, we conceptualize musical performance as a dialogic and second-person interaction in which musicians communicate sensorimotorically and attribute mental states through their bodily expressions. We propose an analysis of emotions during jazz improvisation, based on an experiment conducted with saxophone-guitar duos. Drawing on our analyses and theoretical reflection, we conclude that emotions are constitutive components of the social practice of music, modulating and emerging from interactive contingencies, the joint construction of musical creation, and the interpretation and production of musical utterances. Neste artigo, exploramos o papel das emoções dos músicos na produção criativa da música. O estudo da emoção na música tem tradicionalmente se concentrado na análise da experiência de recepção musical. Aqui, adotamos uma perspectiva alternativa dentro do marco das abordagens pós-cognitivas da emoção e da interação durante a performance musical. Por um lado, destacamos a natureza multimodal, social e dinâmica dos estados afetivos, distanciando-nos das abordagens cognitivas centradas na dicotomia emoção/cognição. Por outro lado, conceituamos a performance musical como uma interação dialógica em segunda pessoa, na qual os músicos se comunicam sensório-motoramente e atribuem estados mentais por meio de suas expressões corporais. Propomos uma análise das emoções durante a improvisação no jazz, baseada em um experimento realizado com duos de saxofone e guitarra. Como resultado das análises e da reflexão teórica, concluímos que as emoções são componentes constitutivos da prática social da música, que modulam e emergem de contingências interativas, da construção conjunta da criação musical e da interpretação e produção das emissões musicais. Menacho, Luis http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/188797 2025-12-15T20:11:57Z 2025-12-10T00:00:00Z

Articulo Odysseus models Narcissus' desire or the transformation of the sea into a great mirror: About Ludwig's Room, an opera in times of the crisis of the subject and representation; Odisseu modela o desejo de Narciso ou a transformação do mar num grande espelho: Sobre O Quarto de Ludwig, uma ópera em tempos de crise do sujeito e da representação Epistemus; vol. 13, no. 2 Este escrito traza un recorrido a través de los conceptos que estructuran la dramaturgia de la ópera La habitación de Ludwig (2025) del compositor argentino Luis Menacho en tanto “teoría ficción cibernética” (Fisher: 2022). La lectura de la figura de Beethoven (Adorno: 2020) como también los mitos de Odiseo (Adorno: 2002) y Narciso son los puntos nodales abordados y reelaborados mediante conceptos clave del Psicoanálisis lacaniano con miras a la critica del sujeto del tardocapitalismo ante la emergencia de las recientes tecnologías IA.; This paper traces a journey through the concepts that structure the dramaturgy of the opera La habitación de Ludwig (2025) by the Argentinian composer Luis Menacho as ‘cybernetic fiction theory’ (Fisher: 2022). The reading of the figure of Beethoven (Adorno: 2020) as well as the myths of Odysseus (Adorno: 2002) and Narcissus are the nodal points addressed and reworked through key concepts of Lacanian Psychoanalysis with a view to the critique of the subject of late capitalism in the face of the emergence of recent AI technologies.; Este artigo traça um percurso pelos conceitos que estruturam a dramaturgia da ópera La habitación de Ludwig (2025) do compositor argentino Luis Menacho como “teoria da ficção cibernética” (Fisher: 2022). A leitura da figura de Beethoven (Adorno: 2020) bem como dos mitos de Odisseu (Adorno: 2002) e Narciso são os pontos nodais abordados e retrabalhados através de conceitos-chave da Psicanálise Lacaniana com vista à crítica do sujeito do capitalismo tardio face à emergência das recentes tecnologias de IA.

2025-12-10T00:00:00Z Este escrito traza un recorrido a través de los conceptos que estructuran la dramaturgia de la ópera La habitación de Ludwig (2025) del compositor argentino Luis Menacho en tanto “teoría ficción cibernética” (Fisher: 2022). La lectura de la figura de Beethoven (Adorno: 2020) como también los mitos de Odiseo (Adorno: 2002) y Narciso son los puntos nodales abordados y reelaborados mediante conceptos clave del Psicoanálisis lacaniano con miras a la critica del sujeto del tardocapitalismo ante la emergencia de las recientes tecnologías IA. This paper traces a journey through the concepts that structure the dramaturgy of the opera La habitación de Ludwig (2025) by the Argentinian composer Luis Menacho as ‘cybernetic fiction theory’ (Fisher: 2022). The reading of the figure of Beethoven (Adorno: 2020) as well as the myths of Odysseus (Adorno: 2002) and Narcissus are the nodal points addressed and reworked through key concepts of Lacanian Psychoanalysis with a view to the critique of the subject of late capitalism in the face of the emergence of recent AI technologies. Este artigo traça um percurso pelos conceitos que estruturam a dramaturgia da ópera La habitación de Ludwig (2025) do compositor argentino Luis Menacho como “teoria da ficção cibernética” (Fisher: 2022). A leitura da figura de Beethoven (Adorno: 2020) bem como dos mitos de Odisseu (Adorno: 2002) e Narciso são os pontos nodais abordados e retrabalhados através de conceitos-chave da Psicanálise Lacaniana com vista à crítica do sujeito do capitalismo tardio face à emergência das recentes tecnologias de IA. Albano de Lima, Sonia http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/185373 2025-10-01T20:07:42Z 2025-09-24T00:00:00Z

Articulo Performance e interpretação musical: Coceitos que deven ser compartilhados; Musical performance and interpretation: Concepts that should be shared Epistemus; vol. 13, no. 1 Este artículo tiene como objetivo discutir la importancia de los cursos de posgradución en música que tengan prácticas interpretativas como linea de investigación, ofreciendo igualdad entre el discurso académica, ampliamente presente entre los profesores y doctores, y el discurso de los intérpretes, más orientado a la obtención de perfeccionamiento técnico-profesional. La fundamentación teórica del texto está basada en los investigadores Lucas Robatto (2013) y Gerhard Mantel (2010), entre otros.; This article aims to discuss the importance of postgraduate music courses that include performance practices as a line of research, offering equality between the academic discourse, widely present among professors and doctors, and the discourse of performers, more oriented toward obtaining technical and professional development. The theoretical foundation of the text is based on researchers Lucas Robatto (2013) and Gerhard Mantel (2010), among others.; O objetivo deste artigo é discutir a importância de cursos de pós-graduação em música que tenham as práticas interpretativas como linha de pesquisa, oferecendo uma equidade entre o discurso acadêmico presente principalmente entre professores e doutores e o discurso dos intérpretes, porém mais voltado para o aprimoramento técnico-profissional. A fundamentação teórica do texto foi realizada por dois pesquisadores, Lucas Robatto (2013) e Gerhard Mantel (2010), entre outros.

2025-09-24T00:00:00Z Este artículo tiene como objetivo discutir la importancia de los cursos de posgradución en música que tengan prácticas interpretativas como linea de investigación, ofreciendo igualdad entre el discurso académica, ampliamente presente entre los profesores y doctores, y el discurso de los intérpretes, más orientado a la obtención de perfeccionamiento técnico-profesional. La fundamentación teórica del texto está basada en los investigadores Lucas Robatto (2013) y Gerhard Mantel (2010), entre otros. This article aims to discuss the importance of postgraduate music courses that include performance practices as a line of research, offering equality between the academic discourse, widely present among professors and doctors, and the discourse of performers, more oriented toward obtaining technical and professional development. The theoretical foundation of the text is based on researchers Lucas Robatto (2013) and Gerhard Mantel (2010), among others. O objetivo deste artigo é discutir a importância de cursos de pós-graduação em música que tenham as práticas interpretativas como linha de pesquisa, oferecendo uma equidade entre o discurso acadêmico presente principalmente entre professores e doutores e o discurso dos intérpretes, porém mais voltado para o aprimoramento técnico-profissional. A fundamentação teórica do texto foi realizada por dois pesquisadores, Lucas Robatto (2013) e Gerhard Mantel (2010), entre outros. Barreiro, Gabriel http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/185372 2025-10-01T20:07:42Z 2025-09-24T00:00:00Z

Articulo AI and musical creation: Approaches to minority becoming; IA e criação musical: Abordagens para o devir minoritário Epistemus; vol. 13, no. 1 En música, la utilización de materiales no tradicionales es habitual: samples, imágenes, movimientos y objetos de toda índole conviven dentro de las obras musicales con melodías, acordes, timbres y ritmos. Sin embargo, la reciente masividad de la IA ha suscitado preguntas acerca del valor artístico de la música producida por algoritmos generativos, así como también acerca de su utilidad y legitimidad en relación con la práctica y la composición musicales. Este trabajo se propone anudar algunas de estas preocupaciones con los conceptos de agenciamiento y devenir minoritario que Deleuze y Guattari trabajan en Mil Mesetas y Kafka, por una literatura menor, con el propósito de indagar acerca de las posibilidades creativas del uso de la IA en la música. A partir de una reformulación de la tarea compositiva y del rol de los materiales en ella, se ensaya una aproximación hacia algunos modos en los que la IA puede integrarse en una obra musical, sus efectos en ella y sus posibles relaciones con lo político y con agenciamientos de orden colectivo.; Na música, o uso de materiais não tradicionais é comum: samples, imagens, movimentos e objetos de todos os tipos coexistem em obras musicais com melodias, acordes, timbres e ritmos. No entanto, o recente uso generalizado da IA ​​tem levantado questões sobre o valor artístico da música produzida por algoritmos generativos, bem como sua utilidade e legitimidade em relação à prática e composição musicais. Este artigo visa conectar algumas dessas preocupações com os conceitos de agência e devir minoritário que Deleuze e Guattari exploram em Mil Platôs e Kafka, Através de uma Literatura Menor, com o objetivo de explorar as possibilidades criativas do uso da IA ​​na música. Partindo de uma reformulação da tarefa composicional e do papel dos materiais nela, exploramos algumas das maneiras pelas quais a IA pode ser integrada a uma obra musical, seus efeitos sobre ela e suas possíveis relações com a política e a agência coletiva.; In music, it is common to use non-traditional materials: samples, images, movements and objects of any kind coexist in musical works with melodies, chords, rhythm and timbre. However, the recent massive use of AI arose questions about the artistic value of generative algorithm’s music and its usefulness and/or legitimacy for musical practice and composition. This work aims to link these concerns with the concepts of assemblage and minoritarian becoming that Deleuze y Guattari develop in A Thousand Plateaus and Kafka: Toward a Minor Literature, with the goal of questioning about the creative possibilities of the use of AI in music. Starting with the reframing of how musical composition works and how materials play a role in it, this paper tries to approach some of the ways in which AI can integrate with musical works, its effects and its possible relationships with politics and collective assemblages

2025-09-24T00:00:00Z En música, la utilización de materiales no tradicionales es habitual: samples, imágenes, movimientos y objetos de toda índole conviven dentro de las obras musicales con melodías, acordes, timbres y ritmos. Sin embargo, la reciente masividad de la IA ha suscitado preguntas acerca del valor artístico de la música producida por algoritmos generativos, así como también acerca de su utilidad y legitimidad en relación con la práctica y la composición musicales. Este trabajo se propone anudar algunas de estas preocupaciones con los conceptos de agenciamiento y devenir minoritario que Deleuze y Guattari trabajan en Mil Mesetas y Kafka, por una literatura menor, con el propósito de indagar acerca de las posibilidades creativas del uso de la IA en la música. A partir de una reformulación de la tarea compositiva y del rol de los materiales en ella, se ensaya una aproximación hacia algunos modos en los que la IA puede integrarse en una obra musical, sus efectos en ella y sus posibles relaciones con lo político y con agenciamientos de orden colectivo. Na música, o uso de materiais não tradicionais é comum: samples, imagens, movimentos e objetos de todos os tipos coexistem em obras musicais com melodias, acordes, timbres e ritmos. No entanto, o recente uso generalizado da IA ​​tem levantado questões sobre o valor artístico da música produzida por algoritmos generativos, bem como sua utilidade e legitimidade em relação à prática e composição musicais. Este artigo visa conectar algumas dessas preocupações com os conceitos de agência e devir minoritário que Deleuze e Guattari exploram em Mil Platôs e Kafka, Através de uma Literatura Menor, com o objetivo de explorar as possibilidades criativas do uso da IA ​​na música. Partindo de uma reformulação da tarefa composicional e do papel dos materiais nela, exploramos algumas das maneiras pelas quais a IA pode ser integrada a uma obra musical, seus efeitos sobre ela e suas possíveis relações com a política e a agência coletiva. In music, it is common to use non-traditional materials: samples, images, movements and objects of any kind coexist in musical works with melodies, chords, rhythm and timbre. However, the recent massive use of AI arose questions about the artistic value of generative algorithm’s music and its usefulness and/or legitimacy for musical practice and composition. This work aims to link these concerns with the concepts of assemblage and minoritarian becoming that Deleuze y Guattari develop in A Thousand Plateaus and Kafka: Toward a Minor Literature, with the goal of questioning about the creative possibilities of the use of AI in music. Starting with the reframing of how musical composition works and how materials play a role in it, this paper tries to approach some of the ways in which AI can integrate with musical works, its effects and its possible relationships with politics and collective assemblages Gutiérrez Guzmán, Jesús http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/185368 2025-10-01T20:07:43Z 2025-09-24T00:00:00Z

Articulo Official School of Sacred Music in Morelia, Michoacán, Mexico: Analysis of its public performances in the early years (1921-1929); Escola Oficial de Música Sacra em Morelia, Michoacán, México: Análise de suas apresentações públicas nos primeiros anos (1921-1929) Epistemus; vol. 13, no. 1 El objetivo de la presente investigación se centra en la exposición y análisis de las audiciones públicas realizadas por la Escuela Oficial de Música Sagrada en Morelia, Michoacán, hasta antes de su primera década de fundación (1921-1929). La relevancia de este conocimiento en la actualidad radica en su representación artística en una de las escuelas de música sagrada en México. La metodología empleada se basó en la interpretación de documentos conservados en el Archivo de la Biblioteca del Conservatorio de la Rosas. Finalmente, se verifica el estreno de una serie de obras michoacanas que merecen integrarse al repertorio musical del patrimonio mundial.; The objective of the present research focuses on the exposition and analysis of the public auditions performed by the Official School of Sacred Music in Morelia, Michoacán, until before its first decade of foundation (1921-1929). The relevance of this knowledge today lies in its artistic representation in one of the schools of sacred music in Mexico. The methodology used was based on the interpretation of documents preserved in the Library Archive of the Conservatorio de la Rosas. Finally, the premiere of a series of Michoacan works that deserve to be integrated into the musical repertoire of world heritage is verified.; O objetivo desta pesquisa centra-se na exposição e análise das audições públicas realizadas pela Escola Oficial de Música Sacra de Morelia, Michoacán, antes de sua primeira década de fundação (1921-1929). A relevância desse conhecimento hoje reside em sua representação artística em uma das escolas de música sacra do México. A metodologia utilizada baseou-se na interpretação de documentos conservados no Arquivo da Biblioteca do Conservatório de las Rosas. Por fim, estreará uma série de obras michoacanas que merecem ser incluídas no repertório musical do patrimônio mundial.

2025-09-24T00:00:00Z El objetivo de la presente investigación se centra en la exposición y análisis de las audiciones públicas realizadas por la Escuela Oficial de Música Sagrada en Morelia, Michoacán, hasta antes de su primera década de fundación (1921-1929). La relevancia de este conocimiento en la actualidad radica en su representación artística en una de las escuelas de música sagrada en México. La metodología empleada se basó en la interpretación de documentos conservados en el Archivo de la Biblioteca del Conservatorio de la Rosas. Finalmente, se verifica el estreno de una serie de obras michoacanas que merecen integrarse al repertorio musical del patrimonio mundial. The objective of the present research focuses on the exposition and analysis of the public auditions performed by the Official School of Sacred Music in Morelia, Michoacán, until before its first decade of foundation (1921-1929). The relevance of this knowledge today lies in its artistic representation in one of the schools of sacred music in Mexico. The methodology used was based on the interpretation of documents preserved in the Library Archive of the Conservatorio de la Rosas. Finally, the premiere of a series of Michoacan works that deserve to be integrated into the musical repertoire of world heritage is verified. O objetivo desta pesquisa centra-se na exposição e análise das audições públicas realizadas pela Escola Oficial de Música Sacra de Morelia, Michoacán, antes de sua primeira década de fundação (1921-1929). A relevância desse conhecimento hoje reside em sua representação artística em uma das escolas de música sacra do México. A metodologia utilizada baseou-se na interpretação de documentos conservados no Arquivo da Biblioteca do Conservatório de las Rosas. Por fim, estreará uma série de obras michoacanas que merecem ser incluídas no repertório musical do patrimônio mundial. Claros Molina, Maria Victoria http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/185366 2025-10-01T20:07:43Z 2025-09-24T00:00:00Z

Articulo Cosmopolitan jotas from Aragón: From Florencia Lahoz to Pauline Viardot-García; Jotas cosmopolita de Aragão: de Florencio Lahoz a Pauline Viardot-García Epistemus; vol. 13, no. 1 La jota, un género musical tradicional de la cultura española y que ha recibido el expediente de la candidatura que la acredita para formar parte de la Lista Representativa para ser declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad en la UNESCO, supone un justo reconocimiento del género en el que investigadores como Marta Vela siguen aportando valiosas informaciones y reivindicando así la importancia de la jota en el contexto de la música seria europea a lo largo del siglo XIX.; Jota, a traditional musical genre of Spanish culture and which has received the candidacy file accrediting it to be included on the Representative List for declaration as Intangible Cultural Heritage of Humanity by UNESCO, represents a fair recognition of the genre in which researchers such as Marta Vela continue to contribute valuable information and thus vindicate the importance of the jota in the context of serious European music throughout the 19th century.; A Jota, gênero musical tradicional da cultura espanhola e que recebeu o dossiê de candidatura que o credencia para ser incluído na Lista Representativa para declaração como Patrimônio Cultural Imaterial da Humanidade pela UNESCO, representa um justo reconhecimento do gênero no qual pesquisadores como Marta Vela continuam contribuindo com informações valiosas e, assim, reivindicando a importância da jota no contexto da música europeia séria ao longo do século XIX.

2025-09-24T00:00:00Z La jota, un género musical tradicional de la cultura española y que ha recibido el expediente de la candidatura que la acredita para formar parte de la Lista Representativa para ser declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad en la UNESCO, supone un justo reconocimiento del género en el que investigadores como Marta Vela siguen aportando valiosas informaciones y reivindicando así la importancia de la jota en el contexto de la música seria europea a lo largo del siglo XIX. Jota, a traditional musical genre of Spanish culture and which has received the candidacy file accrediting it to be included on the Representative List for declaration as Intangible Cultural Heritage of Humanity by UNESCO, represents a fair recognition of the genre in which researchers such as Marta Vela continue to contribute valuable information and thus vindicate the importance of the jota in the context of serious European music throughout the 19th century. A Jota, gênero musical tradicional da cultura espanhola e que recebeu o dossiê de candidatura que o credencia para ser incluído na Lista Representativa para declaração como Patrimônio Cultural Imaterial da Humanidade pela UNESCO, representa um justo reconhecimento do gênero no qual pesquisadores como Marta Vela continuam contribuindo com informações valiosas e, assim, reivindicando a importância da jota no contexto da música europeia séria ao longo do século XIX. Pérez Botello, Bartolomé Álamo Orellana, Ana Lorenzo de Reizábal, Margarita http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/185362 2025-10-01T20:07:44Z 2025-09-24T00:00:00Z

Articulo The challenges of the current musical labor market and the new training requirements for the employability of the classical musician: An exploratory study from the point of view of Spanish undergraduate and graduate students; Os desafios do mercado de trabalho musical atual e as novas exigências formativas para a empregabilidade de músicos clássicos: Um estudo exploratório sob a perspectiva de estudantes de graduação e pós-graduação espanhóis Epistemus; vol. 13, no. 1 Esta investigación pretende arrojar luz sobre la situación actual del mercado laboral musical en España y analizar si la formación impartida en las instituciones superiores de educación musical está en línea con las demandas profesionales de la sociedad del siglo XXI en este ámbito. Para ello se ha compilado la información más actual relativa a la empleabilidad del músico profesional y la oferta de puestos de trabajo del sector durante el período 2022-2024, así como la formación de grado y máster ofrecida en los Centros Superiores de Música de España. Así mismo, se ha recogido información de 401 estudiantes y egresados de estos centros educativos para estudiar el modo en que se sitúan en el mercado laboral actual y sus percepciones en torno a las competencias adquiridas durante su formación para afrontar su acceso al empleo. Los resultados del estudio muestran una clara divergencia entre las necesidades testadas por los músicos egresados en los últimos años y la formación recibida, identificando carencias en materia de autogestión, conocimiento de la industria musical y emprendimiento, entre otras. Las conclusiones del estudio apuntan hacia la necesidad de revisar los currículos formativos, ampliar la oferta diversificando los perfiles profesionales, tanto en los grados como en los posgrados e integrando en las instituciones educativas departamentos de orientación profesional que propicien una mayor satisfacción laboral entre los músicos, una mayor versatilidad en las competencias adquiridas y un mejor afrontamiento de la precariedad laboral, la temporalidad y el pluriempleo que se observa actualmente en el mercado musical.; This research aims to shed light on the current situation of the musical labor market in Spain and analyze whether the training provided at higher music education institutions is in line with the professional demands of 21st-century society in this field. To this end, the most up-to-date information regarding the employability of professional musicians and the job offers in the sector for the period 2022-2024 has been compiled, as well as the undergraduate and master's degree programs offered at Spanish Higher Music Education Conservatories. Information has also been collected from 401 students and graduates of these educational centers to study their position in the current labor market and their perceptions of the skills acquired during their training to address their access to employment. The results of the study show a clear divergence between the needs assessed by musicians who graduated in recent years and the training they received, identifying gaps in self-management, knowledge of the music industry, and entrepreneurship, among others. The study's conclusions point to the need to review training curricula, expand the formative offer by diversifying professional profiles, both at undergraduate and postgraduate levels, and integrate career guidance departments into educational institutions that foster greater job satisfaction among musicians, greater versatility in the skills acquired, and better address the job insecurity, temporary employment, and multiple employment currently observed in the music market.; Esta pesquisa tem como objetivo lançar luz sobre a situação atual do mercado de trabalho musical na Espanha e analisar se a formação oferecida em instituições de ensino superior musical está em consonância com as demandas profissionais da sociedade do século XXI nesta área. Para tanto, foram compiladas as informações mais atualizadas sobre a empregabilidade de músicos profissionais e a oferta de emprego no setor durante o período de 2022 a 2024, bem como os programas de graduação e mestrado oferecidos em Centros Superiores de Música espanhóis. Também foram coletadas informações de 401 estudantes e pós-graduados desses centros educacionais para estudar sua posição no mercado de trabalho atual e suas percepções sobre as habilidades adquiridas durante sua formação para abordar seu acesso ao emprego. Os resultados do estudo mostram uma clara divergência entre as necessidades avaliadas pelos músicos formados nos últimos anos e a formação que receberam, identificando lacunas em autogestão, conhecimento da indústria musical e empreendedorismo, entre outros. As conclusões do estudo apontam para a necessidade de rever os currículos de formação, ampliar a oferta por meio da diversificação de perfis profissionais, tanto na graduação quanto na pós-graduação, e integrar departamentos de orientação profissional às instituições de ensino, que promovam maior satisfação profissional entre os músicos, maior versatilidade nas competências adquiridas e melhor abordem a precariedade, a precária e a pluriempregabilidade observadas atualmente no mercado musical.

2025-09-24T00:00:00Z Esta investigación pretende arrojar luz sobre la situación actual del mercado laboral musical en España y analizar si la formación impartida en las instituciones superiores de educación musical está en línea con las demandas profesionales de la sociedad del siglo XXI en este ámbito. Para ello se ha compilado la información más actual relativa a la empleabilidad del músico profesional y la oferta de puestos de trabajo del sector durante el período 2022-2024, así como la formación de grado y máster ofrecida en los Centros Superiores de Música de España. Así mismo, se ha recogido información de 401 estudiantes y egresados de estos centros educativos para estudiar el modo en que se sitúan en el mercado laboral actual y sus percepciones en torno a las competencias adquiridas durante su formación para afrontar su acceso al empleo. Los resultados del estudio muestran una clara divergencia entre las necesidades testadas por los músicos egresados en los últimos años y la formación recibida, identificando carencias en materia de autogestión, conocimiento de la industria musical y emprendimiento, entre otras. Las conclusiones del estudio apuntan hacia la necesidad de revisar los currículos formativos, ampliar la oferta diversificando los perfiles profesionales, tanto en los grados como en los posgrados e integrando en las instituciones educativas departamentos de orientación profesional que propicien una mayor satisfacción laboral entre los músicos, una mayor versatilidad en las competencias adquiridas y un mejor afrontamiento de la precariedad laboral, la temporalidad y el pluriempleo que se observa actualmente en el mercado musical. This research aims to shed light on the current situation of the musical labor market in Spain and analyze whether the training provided at higher music education institutions is in line with the professional demands of 21st-century society in this field. To this end, the most up-to-date information regarding the employability of professional musicians and the job offers in the sector for the period 2022-2024 has been compiled, as well as the undergraduate and master's degree programs offered at Spanish Higher Music Education Conservatories. Information has also been collected from 401 students and graduates of these educational centers to study their position in the current labor market and their perceptions of the skills acquired during their training to address their access to employment. The results of the study show a clear divergence between the needs assessed by musicians who graduated in recent years and the training they received, identifying gaps in self-management, knowledge of the music industry, and entrepreneurship, among others. The study's conclusions point to the need to review training curricula, expand the formative offer by diversifying professional profiles, both at undergraduate and postgraduate levels, and integrate career guidance departments into educational institutions that foster greater job satisfaction among musicians, greater versatility in the skills acquired, and better address the job insecurity, temporary employment, and multiple employment currently observed in the music market. Esta pesquisa tem como objetivo lançar luz sobre a situação atual do mercado de trabalho musical na Espanha e analisar se a formação oferecida em instituições de ensino superior musical está em consonância com as demandas profissionais da sociedade do século XXI nesta área. Para tanto, foram compiladas as informações mais atualizadas sobre a empregabilidade de músicos profissionais e a oferta de emprego no setor durante o período de 2022 a 2024, bem como os programas de graduação e mestrado oferecidos em Centros Superiores de Música espanhóis. Também foram coletadas informações de 401 estudantes e pós-graduados desses centros educacionais para estudar sua posição no mercado de trabalho atual e suas percepções sobre as habilidades adquiridas durante sua formação para abordar seu acesso ao emprego. Os resultados do estudo mostram uma clara divergência entre as necessidades avaliadas pelos músicos formados nos últimos anos e a formação que receberam, identificando lacunas em autogestão, conhecimento da indústria musical e empreendedorismo, entre outros. As conclusões do estudo apontam para a necessidade de rever os currículos de formação, ampliar a oferta por meio da diversificação de perfis profissionais, tanto na graduação quanto na pós-graduação, e integrar departamentos de orientação profissional às instituições de ensino, que promovam maior satisfação profissional entre os músicos, maior versatilidade nas competências adquiridas e melhor abordem a precariedade, a precária e a pluriempregabilidade observadas atualmente no mercado musical. Gana, Alejandro http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/185356 2025-10-01T20:07:44Z 2025-09-24T00:00:00Z

Articulo The waltz in the bohemia of Valparaiso: Historical exchanges in the formation of an identity sound; A valsa na vida boêmia de Valparaíso: Trocas históricas na formação de uma identidade sonora Epistemus; vol. 13, no. 1 El vals como un género musical popular adquiere en Valparaíso un rol clave en distintos espacios de vida nocturna durante el siglo XX, permaneciendo vigente hasta nuestros días. En 2020 fue incluido como uno de los géneros representativos de la "Música de la bohemia tradicional de Valparaíso”, al ser reconocidos sus cultores y cultoras de distintas generaciones como parte del patrimonio inmaterial local. Con el propósito de contribuir a la comprensión de este fenómeno, este trabajo desarrolla una revisión de antecedentes históricos sobre diversas vertientes del vals popular en Sudamérica y en particular sobre su impacto en la vida bohemia de Valparaíso. Específicamente se describe el modo en que se conforma la sonoridad del vals en esta ciudad y su posicionamiento en la década de 1960 en relación a artistas, agrupaciones y espacios musicales, y a través de canciones emblemáticas como "La Joya del Pacífico”, "Valparaíso” o "Los Cerros de Valparaíso”. En la construcción de esta sonoridad intervienen procesos de intercambio e hibridación de escala continental. Posteriormente son analizadas las dinámicas actuales del vals en el contexto de esta ciudad, sus artistas y repertorios, indagando en su relevancia como parte de un medio sonoro y como factor de identidad en función de los procesos de patrimonialización hoy en curso. En relación a dichos procesos y desde una perspectiva crítica, el artículo aborda sus implicancias en función de determinadas dinámicas de consumo, y de la precarización social que enfrentan artistas de la música popular y bohemia.; The waltz, as a popular musical genre, plays a key role in various nightlife spaces in Valparaíso during the 20th century, remaining in force to this day. In 2020, it was included as one of the representative genres of the ‘Traditional bohemian music of Valparaíso’, with its practitioners from different generations being recognized as part of the local intangible heritage. In order to contribute to the understanding of this phenomenon, this paper reviews historical background on various aspects of the popular waltz in South America, with a particular focus on its impact on Valparaiso’s bohemian life. Specifically, it describes how the musicality of the waltz took shape in this city and its prominence in the 1960s in relation to artists, groups and musical spaces, as well as through emblematic songs such as ‘La Joya del Pacífico’, ‘Valparaíso’ or ‘Los Cerros de Valparaíso’. The construction of this musicality involves processes of exchange and hybridisation on a continental scale. Subsequently, the article analyses the current dynamics of the waltz in this city, its artists and repertoires, exploring its significance as part of a sound milieu and as an identity marker within the framework of the ongoing patrimonialisation processes. In relation to these processes and from a critical perspective, the article addresses their implications concerning certain consumption dynamics and the social precarity faced by popular and bohemian music artists.; A valsa, como gênero musical popular, desempenhou um papel fundamental na vida noturna de Valparaíso durante o século XX, permanecendo relevante até os dias de hoje. Em 2020, foi incluída como um dos gêneros representativos da "Música Boêmia Tradicional de Valparaíso", tendo seus praticantes de diferentes gerações sido reconhecidos como parte do patrimônio imaterial local. Com o objetivo de contribuir para a compreensão desse fenômeno, este artigo analisa o contexto histórico de diversas formas da valsa popular na América do Sul, particularmente seu impacto na vida boêmia de Valparaíso. Especificamente, descreve como o som da valsa foi moldado nesta cidade e seu posicionamento na década de 1960 em relação a artistas, grupos e espaços musicais, e por meio de canções emblemáticas como "La Joya del Pacífico", "Valparaíso" e "Los Cerros de Valparaíso". A construção desse som envolve processos de troca e hibridização em escala continental. A dinâmica atual da valsa é então analisada no contexto da cidade, de seus artistas e de seus repertórios, explorando sua relevância como meio sonoro e como fator de identidade à luz dos processos de patrimonialização em curso. Em relação a esses processos e a partir de uma perspectiva crítica, o artigo aborda suas implicações em termos de dinâmicas específicas de consumo e da precariedade social enfrentada por artistas da música popular e boêmia.

2025-09-24T00:00:00Z El vals como un género musical popular adquiere en Valparaíso un rol clave en distintos espacios de vida nocturna durante el siglo XX, permaneciendo vigente hasta nuestros días. En 2020 fue incluido como uno de los géneros representativos de la "Música de la bohemia tradicional de Valparaíso”, al ser reconocidos sus cultores y cultoras de distintas generaciones como parte del patrimonio inmaterial local. Con el propósito de contribuir a la comprensión de este fenómeno, este trabajo desarrolla una revisión de antecedentes históricos sobre diversas vertientes del vals popular en Sudamérica y en particular sobre su impacto en la vida bohemia de Valparaíso. Específicamente se describe el modo en que se conforma la sonoridad del vals en esta ciudad y su posicionamiento en la década de 1960 en relación a artistas, agrupaciones y espacios musicales, y a través de canciones emblemáticas como "La Joya del Pacífico”, "Valparaíso” o "Los Cerros de Valparaíso”. En la construcción de esta sonoridad intervienen procesos de intercambio e hibridación de escala continental. Posteriormente son analizadas las dinámicas actuales del vals en el contexto de esta ciudad, sus artistas y repertorios, indagando en su relevancia como parte de un medio sonoro y como factor de identidad en función de los procesos de patrimonialización hoy en curso. En relación a dichos procesos y desde una perspectiva crítica, el artículo aborda sus implicancias en función de determinadas dinámicas de consumo, y de la precarización social que enfrentan artistas de la música popular y bohemia. The waltz, as a popular musical genre, plays a key role in various nightlife spaces in Valparaíso during the 20th century, remaining in force to this day. In 2020, it was included as one of the representative genres of the ‘Traditional bohemian music of Valparaíso’, with its practitioners from different generations being recognized as part of the local intangible heritage. In order to contribute to the understanding of this phenomenon, this paper reviews historical background on various aspects of the popular waltz in South America, with a particular focus on its impact on Valparaiso’s bohemian life. Specifically, it describes how the musicality of the waltz took shape in this city and its prominence in the 1960s in relation to artists, groups and musical spaces, as well as through emblematic songs such as ‘La Joya del Pacífico’, ‘Valparaíso’ or ‘Los Cerros de Valparaíso’. The construction of this musicality involves processes of exchange and hybridisation on a continental scale. Subsequently, the article analyses the current dynamics of the waltz in this city, its artists and repertoires, exploring its significance as part of a sound milieu and as an identity marker within the framework of the ongoing patrimonialisation processes. In relation to these processes and from a critical perspective, the article addresses their implications concerning certain consumption dynamics and the social precarity faced by popular and bohemian music artists. A valsa, como gênero musical popular, desempenhou um papel fundamental na vida noturna de Valparaíso durante o século XX, permanecendo relevante até os dias de hoje. Em 2020, foi incluída como um dos gêneros representativos da "Música Boêmia Tradicional de Valparaíso", tendo seus praticantes de diferentes gerações sido reconhecidos como parte do patrimônio imaterial local. Com o objetivo de contribuir para a compreensão desse fenômeno, este artigo analisa o contexto histórico de diversas formas da valsa popular na América do Sul, particularmente seu impacto na vida boêmia de Valparaíso. Especificamente, descreve como o som da valsa foi moldado nesta cidade e seu posicionamento na década de 1960 em relação a artistas, grupos e espaços musicais, e por meio de canções emblemáticas como "La Joya del Pacífico", "Valparaíso" e "Los Cerros de Valparaíso". A construção desse som envolve processos de troca e hibridização em escala continental. A dinâmica atual da valsa é então analisada no contexto da cidade, de seus artistas e de seus repertórios, explorando sua relevância como meio sonoro e como fator de identidade à luz dos processos de patrimonialização em curso. Em relação a esses processos e a partir de uma perspectiva crítica, o artigo aborda suas implicações em termos de dinâmicas específicas de consumo e da precariedade social enfrentada por artistas da música popular e boêmia. Spinetta, Valeria http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/185354 2025-10-01T20:07:45Z 2025-09-24T00:00:00Z

Articulo Rock and Human Rights: The case of Los Caballeros de la Quema and their social and political commitment; Rock e direitos humanos: O caso dos Caballeros de la Quema e seu compromisso social e político Epistemus; vol. 13, no. 1 Durante los años90, la banda Los Caballeros de la Quema ha ofrecido apoyo a la lucha por la defensa de los derechos humanos, participando en actividades organizadas por organismos como Madres y Abuelas de Plaza de Mayo y CORREPI. Con su reunión, en 2017, la banda volvió a participar en festivales y recitales conmemorativos. Abordando los vínculos entre el rock y los organismos de Derechos Humanos, este articulo busca analizar el lazo y el compromiso que la banda ha entablado con las Madres de Plaza de Mayo y la CORREPI, buscando puntos en común, cambios y rupturas. Me pregunto: ¿Cómo se han reconfigurado los vínculos entre la banda y los organismos de derechos humanos? ¿Qué significa el apoyo a los derechos humanos en los diferentes contextos sociopolíticos? Considero que el accionar de la banda ha buscado intervenir en la producción de sentido, en pos de desnaturalizar algunas ideas hegemónicas y posicionar otras; sin embargo, este involucramiento ha sido condicionado por los distintos contextos socio-políticos. Para cumplir los objetivos planteados, realicé entrevistas y analicé datos publicados por diversas fuentes en Internet (artículos periodísticos, páginas web y redes sociales). A su vez, la observación participante en recitales (durante el segundo periodo de la banda) fue material de información y análisis. El artículo busca aportar a los estudios sobre arte, cultura y derechos humanos, mediante un enfoque interdisciplinario que articule los estudios sociales de la música y las perspectivas que abordan los usos sociales y políticos del arte y la cultura.; During the 1990s, the band Los Caballeros de la Quema supported the fight for human rights, participating in activities organized by organizations such as the Mothers and Grandmothers of the Plaza de Mayo and CORREPI. With their reunion in 2017, the band once again participated in commemorative festivals and concerts.Addressing the links between rock and human rights organizations, this article seeks to analyze the bond and commitment the band has forged with the Mothers of the Plaza de Mayo and CORREPI, seeking common ground, changes, and ruptures. I ask myself: How have the links between the band and human rights organizations been reconfigured? What does support for human rights mean in different sociopolitical contexts? I believe that the band's actions have sought to intervene in the production of meaning, seeking to denaturalize some hegemonic ideas and position others; however, this involvement has been conditioned by the different sociopolitical contexts.To achieve the stated objectives, I conducted interviews and analyzed data published in various online sources (newspaper articles, websites, and social media). Participant observation at concerts (during the band's second period) also informed and analyzed the information. This article seeks to contribute to studies on art, culture, and human rights through an interdisciplinary approach that articulates the social studies of music and perspectives that address the social and political uses of art and culture.; Durante a década de 1990, a banda Los Caballeros de la Quema apoiou a luta pelos direitos humanos, participando de atividades organizadas por organizações como Mães e Avós da Plaza de Mayo e CORREPI. Com o reencontro em 2017, a banda voltou a participar de festivais e recitais comemorativos. Abordando os vínculos entre o rock e as organizações de direitos humanos, este artigo busca analisar o vínculo e o compromisso que a banda estabeleceu com as Mães da Plaza de Mayo e o CORREPI, buscando pontos em comum, mudanças e rupturas. Eu me pergunto: como os vínculos entre as gangues e as organizações de direitos humanos foram reconfigurados? O que significa apoio aos direitos humanos em diferentes contextos sociopolíticos? Acredito que as ações da gangue têm buscado intervir na produção de sentido, de forma a desnaturalizar algumas ideias hegemônicas e posicionar outras; No entanto, esse envolvimento foi condicionado por diferentes contextos sociopolíticos. Para atingir os objetivos definidos, realizei entrevistas e analisei dados publicados por diversas fontes na Internet (artigos de jornais, sites e redes sociais). Por sua vez, a observação participante nos recitais (durante o segundo período da banda) forneceu informações e material de análise. Este artigo busca contribuir para o estudo da arte, cultura e direitos humanos por meio de uma abordagem interdisciplinar que articula os estudos sociais da música e perspectivas que abordam os usos sociais e políticos da arte e da cultura.

2025-09-24T00:00:00Z Durante los años90, la banda Los Caballeros de la Quema ha ofrecido apoyo a la lucha por la defensa de los derechos humanos, participando en actividades organizadas por organismos como Madres y Abuelas de Plaza de Mayo y CORREPI. Con su reunión, en 2017, la banda volvió a participar en festivales y recitales conmemorativos. Abordando los vínculos entre el rock y los organismos de Derechos Humanos, este articulo busca analizar el lazo y el compromiso que la banda ha entablado con las Madres de Plaza de Mayo y la CORREPI, buscando puntos en común, cambios y rupturas. Me pregunto: ¿Cómo se han reconfigurado los vínculos entre la banda y los organismos de derechos humanos? ¿Qué significa el apoyo a los derechos humanos en los diferentes contextos sociopolíticos? Considero que el accionar de la banda ha buscado intervenir en la producción de sentido, en pos de desnaturalizar algunas ideas hegemónicas y posicionar otras; sin embargo, este involucramiento ha sido condicionado por los distintos contextos socio-políticos. Para cumplir los objetivos planteados, realicé entrevistas y analicé datos publicados por diversas fuentes en Internet (artículos periodísticos, páginas web y redes sociales). A su vez, la observación participante en recitales (durante el segundo periodo de la banda) fue material de información y análisis. El artículo busca aportar a los estudios sobre arte, cultura y derechos humanos, mediante un enfoque interdisciplinario que articule los estudios sociales de la música y las perspectivas que abordan los usos sociales y políticos del arte y la cultura. During the 1990s, the band Los Caballeros de la Quema supported the fight for human rights, participating in activities organized by organizations such as the Mothers and Grandmothers of the Plaza de Mayo and CORREPI. With their reunion in 2017, the band once again participated in commemorative festivals and concerts.Addressing the links between rock and human rights organizations, this article seeks to analyze the bond and commitment the band has forged with the Mothers of the Plaza de Mayo and CORREPI, seeking common ground, changes, and ruptures. I ask myself: How have the links between the band and human rights organizations been reconfigured? What does support for human rights mean in different sociopolitical contexts? I believe that the band's actions have sought to intervene in the production of meaning, seeking to denaturalize some hegemonic ideas and position others; however, this involvement has been conditioned by the different sociopolitical contexts.To achieve the stated objectives, I conducted interviews and analyzed data published in various online sources (newspaper articles, websites, and social media). Participant observation at concerts (during the band's second period) also informed and analyzed the information. This article seeks to contribute to studies on art, culture, and human rights through an interdisciplinary approach that articulates the social studies of music and perspectives that address the social and political uses of art and culture. Durante a década de 1990, a banda Los Caballeros de la Quema apoiou a luta pelos direitos humanos, participando de atividades organizadas por organizações como Mães e Avós da Plaza de Mayo e CORREPI. Com o reencontro em 2017, a banda voltou a participar de festivais e recitais comemorativos. Abordando os vínculos entre o rock e as organizações de direitos humanos, este artigo busca analisar o vínculo e o compromisso que a banda estabeleceu com as Mães da Plaza de Mayo e o CORREPI, buscando pontos em comum, mudanças e rupturas. Eu me pergunto: como os vínculos entre as gangues e as organizações de direitos humanos foram reconfigurados? O que significa apoio aos direitos humanos em diferentes contextos sociopolíticos? Acredito que as ações da gangue têm buscado intervir na produção de sentido, de forma a desnaturalizar algumas ideias hegemônicas e posicionar outras; No entanto, esse envolvimento foi condicionado por diferentes contextos sociopolíticos. Para atingir os objetivos definidos, realizei entrevistas e analisei dados publicados por diversas fontes na Internet (artigos de jornais, sites e redes sociais). Por sua vez, a observação participante nos recitais (durante o segundo período da banda) forneceu informações e material de análise. Este artigo busca contribuir para o estudo da arte, cultura e direitos humanos por meio de uma abordagem interdisciplinar que articula os estudos sociais da música e perspectivas que abordam os usos sociais e políticos da arte e da cultura. Calatayud, Patricio Federico Padilla Longoria, Pablo Galera-Núñez, María del Mar Pérez Acosta, Gabriela http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/185350 2025-10-01T20:07:45Z 2025-09-24T00:00:00Z

Articulo An indicator for assessing Intrinsic Complexity in Common Practice music notation; Um indicador para avaliar a complexidade intrínseca da notação musical na prática comum Epistemus; vol. 13, no. 1 Este estudio experimental emerge desde la necesidad de contar con valores cuantitativos que distingan la complejidad de aprendizaje y ejecución de los diferentes elementos de la notación musical. Aunque la relación entre música y complejidad es vasta, no hay mucha información sobre modelos de complejidad y notación musical. Aún así, logramos diseñar un modelo que distingue la Complejidad Intrínseca en un grupo de elementos de notación musical de la Práctica Común. Un primer experimento, realizado sobre un corpus de libros de educación musical (N = 64), permite construir un conjunto básico de elementos de notación musical, filtrado del su enorme conjunto. Esta selección fue organizada mediante dos variables: Ordinalidad y Preferencia, que es estadísticamente significativa para incluirse en una medición de complejidad (correlación de Pearson de -0.88; p < 0.001). Con la ayuda de un cálculo de medición de riesgo en la toma de decisiones, realizamos un segundo experimento, donde construimos un nuevo indicador basándonos en las variables mencionadas. Este, al que llamamos Indicador de Pertinencia asigna un valor de complejidad intrínseco distinto para cada elemento de notación musical. Finalmente, es importante recalcar que las relaciones entre estadística y teoría musical distan de tener resultados rigurosos, este texto reporta un acercamiento desde la estadística más simple y pretende ser parte de la integración entre esta y la teoría musical.; This experimental study emerges from the need to have quantitative values that distinguish the complexity of learning and execution of the different elements of musical notation. Although the relationship between music and complexity is vast, there is not much information about complexity models and musical notation. Still, we managed to design a model that distinguishes Intrinsic Complexity in a group of Common Practice music notation elements. A first experiment, performed on a corpus of music education books (N = 64), allows us to build a basic set of music notation items, filtered from their huge set. This selection was organized by two variables: Ordinality and Preference, which is statistically significant to be included in a complexity measurement (Pearson correlation of -0.88; p < 0.001). With the help of a decision risk measurement calculus, we conducted a second experiment, where we constructed a new indicator based on the above variables. This, which we call the Relevance Indicator, assigns a different intrinsic complexity value for each musical notation element. Finally, it is important to emphasize that the relationship between statistics and music theory is far from having rigorous results, this text reports an approach from the simplest statistics and aims to be part of the integration between this and music theory.; Este estudo experimental surge da necessidade de valores quantitativos que distingam a complexidade da aprendizagem e da execução dos diferentes elementos da notação musical. Embora a relação entre música e complexidade seja vasta, não existe muita informação sobre modelos de complexidade e notação musical. Mesmo assim, conseguimos conceber um modelo que distingue a Complexidade Intrínseca num grupo de elementos de notação musical da Prática Comum. Uma primeira experiência, realizada num corpus de livros de educação musical (N = 64), permite-nos construir um conjunto básico de itens de notação musical, filtrados a partir do seu enorme conjunto. Esta seleção foi organizada através de duas variáveis: Ordinalidade e Preferência, que é estatisticamente significativa para ser incluída numa medida de complexidade (correlação de Pearson de -0,88; p < 0,001). Com a ajuda de um cálculo de medida de risco de decisão, realizámos uma segunda experiência, onde construímos um novo indicador com base nas variáveis acima referidas. Este, a que chamamos Indicador de Relevância, atribui um valor de complexidade intrínseca diferente para cada elemento da notação musical. Por fim, é importante ressaltar que a relação entre estatística e teoria musical está longe de ser rigorosa, este texto relata uma abordagem a partir da estatística mais simples e tem como objetivo fazer parte da integração entre estatística e teoria musical.

2025-09-24T00:00:00Z Este estudio experimental emerge desde la necesidad de contar con valores cuantitativos que distingan la complejidad de aprendizaje y ejecución de los diferentes elementos de la notación musical. Aunque la relación entre música y complejidad es vasta, no hay mucha información sobre modelos de complejidad y notación musical. Aún así, logramos diseñar un modelo que distingue la Complejidad Intrínseca en un grupo de elementos de notación musical de la Práctica Común. Un primer experimento, realizado sobre un corpus de libros de educación musical (N = 64), permite construir un conjunto básico de elementos de notación musical, filtrado del su enorme conjunto. Esta selección fue organizada mediante dos variables: Ordinalidad y Preferencia, que es estadísticamente significativa para incluirse en una medición de complejidad (correlación de Pearson de -0.88; p < 0.001). Con la ayuda de un cálculo de medición de riesgo en la toma de decisiones, realizamos un segundo experimento, donde construimos un nuevo indicador basándonos en las variables mencionadas. Este, al que llamamos Indicador de Pertinencia asigna un valor de complejidad intrínseco distinto para cada elemento de notación musical. Finalmente, es importante recalcar que las relaciones entre estadística y teoría musical distan de tener resultados rigurosos, este texto reporta un acercamiento desde la estadística más simple y pretende ser parte de la integración entre esta y la teoría musical. This experimental study emerges from the need to have quantitative values that distinguish the complexity of learning and execution of the different elements of musical notation. Although the relationship between music and complexity is vast, there is not much information about complexity models and musical notation. Still, we managed to design a model that distinguishes Intrinsic Complexity in a group of Common Practice music notation elements. A first experiment, performed on a corpus of music education books (N = 64), allows us to build a basic set of music notation items, filtered from their huge set. This selection was organized by two variables: Ordinality and Preference, which is statistically significant to be included in a complexity measurement (Pearson correlation of -0.88; p < 0.001). With the help of a decision risk measurement calculus, we conducted a second experiment, where we constructed a new indicator based on the above variables. This, which we call the Relevance Indicator, assigns a different intrinsic complexity value for each musical notation element. Finally, it is important to emphasize that the relationship between statistics and music theory is far from having rigorous results, this text reports an approach from the simplest statistics and aims to be part of the integration between this and music theory. Este estudo experimental surge da necessidade de valores quantitativos que distingam a complexidade da aprendizagem e da execução dos diferentes elementos da notação musical. Embora a relação entre música e complexidade seja vasta, não existe muita informação sobre modelos de complexidade e notação musical. Mesmo assim, conseguimos conceber um modelo que distingue a Complexidade Intrínseca num grupo de elementos de notação musical da Prática Comum. Uma primeira experiência, realizada num corpus de livros de educação musical (N = 64), permite-nos construir um conjunto básico de itens de notação musical, filtrados a partir do seu enorme conjunto. Esta seleção foi organizada através de duas variáveis: Ordinalidade e Preferência, que é estatisticamente significativa para ser incluída numa medida de complexidade (correlação de Pearson de -0,88; p < 0,001). Com a ajuda de um cálculo de medida de risco de decisão, realizámos uma segunda experiência, onde construímos um novo indicador com base nas variáveis acima referidas. Este, a que chamamos Indicador de Relevância, atribui um valor de complexidade intrínseca diferente para cada elemento da notação musical. Por fim, é importante ressaltar que a relação entre estatística e teoria musical está longe de ser rigorosa, este texto relata uma abordagem a partir da estatística mais simples e tem como objetivo fazer parte da integração entre estatística e teoria musical. Beltramino, Fabián Gustavo http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/185346 2025-10-01T20:07:46Z 2025-09-24T00:00:00Z

Articulo Augustine of Hippo and Music: Between the heaven of reason and the hell of the body; Agostinho de Hipona e a Música: Entre o céu da razão e o inferno do corpo Epistemus; vol. 13, no. 1 Partiendo del supuesto de que, para el pensamiento cristiano medieval temprano, la música conlleva una dualidad dada entre lo que representa como medio de elevación espiritual -lo cual implica entenderla como armonía de elementos discordantes-, por un lado, y lo que la asocia a un goce sensual de corte quasi diabólico, por otro, me propongo efectuar un recorrido de lecturas acerca de esta relación problemática en la obra de Agustín de Hipona. Voy a enmarcar dicha cuestión relevando previamente el lugar de la música en el pensamiento cristiano temprano, su resignificación en tanto parte de las artes liberales, y la concepción agustiniana de la música, que hace de ella una ciencia básicamente numérica, matemática, lo cual determina, a su vez, la relación que establece entre el alma y la percepción sensible, por un lado, y entre el canto y aquello que se canta, por otro, fuente de la percepción del placer como riesgo, como peligro inminente.; Starting from the assumption that, for early medieval Christian thought, music entails a given duality between what it represents as a means of spiritual elevation -which implies understanding it as a harmony of discordant elements-, on the one hand, and what associates it with a sensual enjoyment of a quasi-diabolical nature, on the other, I propose to carry out a reading tour about this problematic relationship in the work of Augustine of Hippo. I will frame this question by first highlighting the place of music in early Christian thought, its redefinition as part of the liberal arts, and the Augustinian conception of music, which makes it a basically numerical, mathematical science, which determines, in turn, the relationship it establishes between the soul and sensory perception, on the one hand, and between the song and what is sung, on the other, source of the perception of pleasure as risk, as imminent danger.; Partindo do pressuposto de que, para o pensamento cristão do início da Idade Média, a música carrega consigo uma dada dualidade entre o que ela representa como meio de elevação espiritual - o que implica entendê-la como uma harmonia de elementos discordantes -, por um lado, e o que a associa uma fruição sensual de natureza quase diabólica, por outro lado, proponho realizar um percurso de leituras sobre essa relação problemática na obra de Agostinho de Hipona. Vou enquadrar esta questão destacando previamente o lugar da música no pensamento cristão primitivo, a sua ressignificação como parte das artes liberais, e a concepção agostiniana da música, que a torna uma ciência basicamente numérica, matemática, que determina, por sua vez , a relação que se estabelece entre a alma e a percepção sensível, por um lado, e entre o canto e o que é cantado, por outro, fonte da percepção do prazer como risco, como perigo iminente.

2025-09-24T00:00:00Z Partiendo del supuesto de que, para el pensamiento cristiano medieval temprano, la música conlleva una dualidad dada entre lo que representa como medio de elevación espiritual -lo cual implica entenderla como armonía de elementos discordantes-, por un lado, y lo que la asocia a un goce sensual de corte quasi diabólico, por otro, me propongo efectuar un recorrido de lecturas acerca de esta relación problemática en la obra de Agustín de Hipona. Voy a enmarcar dicha cuestión relevando previamente el lugar de la música en el pensamiento cristiano temprano, su resignificación en tanto parte de las artes liberales, y la concepción agustiniana de la música, que hace de ella una ciencia básicamente numérica, matemática, lo cual determina, a su vez, la relación que establece entre el alma y la percepción sensible, por un lado, y entre el canto y aquello que se canta, por otro, fuente de la percepción del placer como riesgo, como peligro inminente. Starting from the assumption that, for early medieval Christian thought, music entails a given duality between what it represents as a means of spiritual elevation -which implies understanding it as a harmony of discordant elements-, on the one hand, and what associates it with a sensual enjoyment of a quasi-diabolical nature, on the other, I propose to carry out a reading tour about this problematic relationship in the work of Augustine of Hippo. I will frame this question by first highlighting the place of music in early Christian thought, its redefinition as part of the liberal arts, and the Augustinian conception of music, which makes it a basically numerical, mathematical science, which determines, in turn, the relationship it establishes between the soul and sensory perception, on the one hand, and between the song and what is sung, on the other, source of the perception of pleasure as risk, as imminent danger. Partindo do pressuposto de que, para o pensamento cristão do início da Idade Média, a música carrega consigo uma dada dualidade entre o que ela representa como meio de elevação espiritual - o que implica entendê-la como uma harmonia de elementos discordantes -, por um lado, e o que a associa uma fruição sensual de natureza quase diabólica, por outro lado, proponho realizar um percurso de leituras sobre essa relação problemática na obra de Agostinho de Hipona. Vou enquadrar esta questão destacando previamente o lugar da música no pensamento cristão primitivo, a sua ressignificação como parte das artes liberais, e a concepção agostiniana da música, que a torna uma ciência basicamente numérica, matemática, que determina, por sua vez , a relação que se estabelece entre a alma e a percepção sensível, por um lado, e entre o canto e o que é cantado, por outro, fonte da percepção do prazer como risco, como perigo iminente. Viana Monteiro, Igor Eliton Perpetuo, Rosa Pereira http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/174670 2024-12-10T20:05:32Z 2024-12-05T00:00:00Z

Articulo The desabrolhar dos Cajuzinhos: Collective musical education with musical instruments as a multiculturalist approach; O desabrolhar dos cajuzinhos: a educação musical coletiva com instrumentos musicais como abordagem multiculturalista Epistemus; vol. 12, no. 1 El texto presenta una investigación que tuvo como objetivo desarrollar una propuesta educativa musical basada en el multiculturalismo desde una perspectiva crítica. Propusimos, con base en el Enfoque Triangular, la creación de dos libros electrónicos para la Educación Musical Colectiva con Instrumentos Musicales, orientados a la enseñanza de la música en la educación básica. La elaboración del material tomó como referencia los lineamientos pedagógicos presentes en un proyecto musical titulado ‘Cajuzinhos do Cerrado’ y en mis experiencias como Educadora Musical en Brasil. La investigación se justifica por la necesidad de investigar el tema en cuestión, dado el pequeño número de investigaciones en el área de Educación Musical Multicultural, especialmente en lo que respecta a metodologías de enseñanza colectiva de instrumentos, con la intención de contribuir para la acción pedagógica de otros educadores. Teniendo en cuenta lo anterior, se considera que el enfoque musical multiculturalista está intrínsecamente relacionado con la acción pedagógica del profesorado y que, por tanto, debe hacer uso de medidas didácticas que hagan efectiva la acción pedagógica.; The text presents an investigation that aimed to develop a musical educational proposal based on multiculturalism from a critical perspective. We proposed, based on the Triangular Approach, the creation of two e-books for Collective Musical Education with Musical Instruments, aimed at teaching music in basic education. The preparation of the material took as a reference the pedagogical guidelines present in a music project entitled ‘Cajuzinhos do Cerrado’ and in my experiences as a Music Educator in Brazil. The research is justified by the need to investigate the topic in question, given the small number of research around Multicultural Music Education, especially with regard to collective instrument teaching methodologies, intending to contribute to the pedagogical action of other educators. In view of the above, it is considered that the multiculturalist musical approach is intrinsically related to the teaching staff's pedagogical action and that, therefore, it must make use of didactic measures that make the pedagogical action effective.; O texto apresenta uma investigação que objetivou elaborar uma proposta educativo musical com base no multiculturalismo a partir de uma perspectiva crítica. Propusemos, assente na Abordagem Triangular, a criação de dois e-books para a Educação Musical Coletiva com Instrumentos Musicais, voltados para o ensino de música na educação básica. A elaboração do material tomou como referência os direcionamentos pedagógicos presentes em um projeto de música intitulado ‘Cajuzinhos do Cerrado’ e nas minhas experiências vividas enquanto Educador Musical no Brasil. A pesquisa se justifica na necessidade de investigar a temática em questão, haja vista o reduzido número de pesquisas na área da Educação Musical Multicultural, sobretudo no que concerne as metodologias coletivas de ensino de instrumento, tencionando contribuir para a ação pedagógica de outros educadores. Ante o apresentado, considera-se que a abordagem musical multiculturalista está intrinsicamente relacionada a ação pedagógica do corpo docente e que, portanto, deve valer-se de medidas didáticas que tornem a ação pedagógica efetiva.

2024-12-05T00:00:00Z El texto presenta una investigación que tuvo como objetivo desarrollar una propuesta educativa musical basada en el multiculturalismo desde una perspectiva crítica. Propusimos, con base en el Enfoque Triangular, la creación de dos libros electrónicos para la Educación Musical Colectiva con Instrumentos Musicales, orientados a la enseñanza de la música en la educación básica. La elaboración del material tomó como referencia los lineamientos pedagógicos presentes en un proyecto musical titulado ‘Cajuzinhos do Cerrado’ y en mis experiencias como Educadora Musical en Brasil. La investigación se justifica por la necesidad de investigar el tema en cuestión, dado el pequeño número de investigaciones en el área de Educación Musical Multicultural, especialmente en lo que respecta a metodologías de enseñanza colectiva de instrumentos, con la intención de contribuir para la acción pedagógica de otros educadores. Teniendo en cuenta lo anterior, se considera que el enfoque musical multiculturalista está intrínsecamente relacionado con la acción pedagógica del profesorado y que, por tanto, debe hacer uso de medidas didácticas que hagan efectiva la acción pedagógica. The text presents an investigation that aimed to develop a musical educational proposal based on multiculturalism from a critical perspective. We proposed, based on the Triangular Approach, the creation of two e-books for Collective Musical Education with Musical Instruments, aimed at teaching music in basic education. The preparation of the material took as a reference the pedagogical guidelines present in a music project entitled ‘Cajuzinhos do Cerrado’ and in my experiences as a Music Educator in Brazil. The research is justified by the need to investigate the topic in question, given the small number of research around Multicultural Music Education, especially with regard to collective instrument teaching methodologies, intending to contribute to the pedagogical action of other educators. In view of the above, it is considered that the multiculturalist musical approach is intrinsically related to the teaching staff's pedagogical action and that, therefore, it must make use of didactic measures that make the pedagogical action effective. O texto apresenta uma investigação que objetivou elaborar uma proposta educativo musical com base no multiculturalismo a partir de uma perspectiva crítica. Propusemos, assente na Abordagem Triangular, a criação de dois e-books para a Educação Musical Coletiva com Instrumentos Musicais, voltados para o ensino de música na educação básica. A elaboração do material tomou como referência os direcionamentos pedagógicos presentes em um projeto de música intitulado ‘Cajuzinhos do Cerrado’ e nas minhas experiências vividas enquanto Educador Musical no Brasil. A pesquisa se justifica na necessidade de investigar a temática em questão, haja vista o reduzido número de pesquisas na área da Educação Musical Multicultural, sobretudo no que concerne as metodologias coletivas de ensino de instrumento, tencionando contribuir para a ação pedagógica de outros educadores. Ante o apresentado, considera-se que a abordagem musical multiculturalista está intrinsicamente relacionada a ação pedagógica do corpo docente e que, portanto, deve valer-se de medidas didáticas que tornem a ação pedagógica efetiva.