http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135561 Sat, 14 Nov 2026 18:18:32 GMT 2026-11-14T18:18:32Z http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135957 Objeto de conferencia Voice, Music and Words in Mariano Etkin XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" En su producción musical, Mariano Etkin usa la voz en muy pocas obras y sólo tiene una con texto. Sin embargo la palabra posee una importancia crucial en el universo de Etkin. A través de sus artículos, reportajes y escritos teóricos se va trazando un mapa de, no sólo sus intereses musicales, sino también de los literarios. El presente trabajo propone explorar en la obra del compositor, su relación con la voz y la palabra. Para esto se estudia tanto su única obra con texto, las citas de obras de otros autores que usa en sus piezas y las composiciones en las que usa la voz incorporada dentro de la textura instrumental. Entre estas últimas, Vocales se distingue como la obra vocal por excelencia.; Mariano Etkin uses voice in very few works and only has one with text. Nevertheless, words have a crucial importance in the universe of Etkin. Through his articles, interviews and theoretical material, an idea of his not only musical but also literary interests can be drawn. This paper proposes to explore in the music of Etkin his relationship with voice and words, by studying his only piece with text, the quotations of other composers that he uses in his pieces and his works in which the voice is within the instrumental texture. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135957 2019-01-01T00:00:00Z En su producción musical, Mariano Etkin usa la voz en muy pocas obras y sólo tiene una con texto. Sin embargo la palabra posee una importancia crucial en el universo de Etkin. A través de sus artículos, reportajes y escritos teóricos se va trazando un mapa de, no sólo sus intereses musicales, sino también de los literarios. El presente trabajo propone explorar en la obra del compositor, su relación con la voz y la palabra. Para esto se estudia tanto su única obra con texto, las citas de obras de otros autores que usa en sus piezas y las composiciones en las que usa la voz incorporada dentro de la textura instrumental. Entre estas últimas, Vocales se distingue como la obra vocal por excelencia. Mariano Etkin uses voice in very few works and only has one with text. Nevertheless, words have a crucial importance in the universe of Etkin. Through his articles, interviews and theoretical material, an idea of his not only musical but also literary interests can be drawn. This paper proposes to explore in the music of Etkin his relationship with voice and words, by studying his only piece with text, the quotations of other composers that he uses in his pieces and his works in which the voice is within the instrumental texture. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135955 Objeto de conferencia Songs in the Trunk and the Suitcase. Three Romanze of Italian Immigrants in Buenos Aires (1890-1910) XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" Esta ponencia estudia un corpus de canciones en italiano compuestas por inmigrantes y publicadas en revistas de interés artístico de la colectividad italiana de Buenos Aires a fines del siglo XIX y comienzos del XX. Es un repertorio quasi-olvidado, por lo tanto, su conocimiento es necesario para la comprensión del diálogo ético-estético de la cultura argentina del período, fundamentalmente de la relación del nacionalismo con otras tendencias estético-ideológicas. Se analiza una selección de obras representativas de este repertorio: "A Madonna!" de Gennaro D’Andrea, con letra de Rocco De Zerbi; "Un organetto suona per la via"de Giovanni Serpentini y Lorenzo Stecchetti (pseudónimo de Olindo Guerrini); y "Primo-Vere" de Odoardo Turco y Giacomo De Zerbi. El análisis se detiene en la forma, la sintaxis melódica, la “pronuncia” rítmico-melódica de los versos y la relación dramática entre música y texto. Como resultado, se encontraron diferencias (autorales) en el modo en que los tres compositores musicalizaron una misma estructura poética, lo que da variedad al conjunto.; This paper studies a corpus of songs in Italian composed by immigrants and published in magazines of artistic interest of the Italian community of Buenos Aires in the late nineteenth and early twentieth centuries. It is a quasi-forgotten repertoire, therefore, its comprehension is necessary for the understanding of the ethical-aesthetic dialogue of the Argentine culture of the period, fundamentally of the relationship of nationalism with other aesthetic-ideological tendencies. I analyze a selection of representative works of this repertoire: "A Madonna!" by Gennaro D'Andrea, with lyrics by Rocco De Zerbi; "Un organetto suona per la via" of Giovanni Serpentini and Lorenzo Stecchetti (pseudonym of Olindo Guerrini); and "Primo-Vere" by Odoardo Turco and Giacomo De Zerbi. The analysis considers the form, the melodic syntax, the rhythmic-melodic “pronuncia” of the verses and the dramatic relationship between music and text. As a result, I found (authorial) differences in the way in which the three composers musicalized the same poetic structure, which gives variety to the corpus. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135955 2019-01-01T00:00:00Z Esta ponencia estudia un corpus de canciones en italiano compuestas por inmigrantes y publicadas en revistas de interés artístico de la colectividad italiana de Buenos Aires a fines del siglo XIX y comienzos del XX. Es un repertorio quasi-olvidado, por lo tanto, su conocimiento es necesario para la comprensión del diálogo ético-estético de la cultura argentina del período, fundamentalmente de la relación del nacionalismo con otras tendencias estético-ideológicas. Se analiza una selección de obras representativas de este repertorio: "A Madonna!" de Gennaro D’Andrea, con letra de Rocco De Zerbi; "Un organetto suona per la via"de Giovanni Serpentini y Lorenzo Stecchetti (pseudónimo de Olindo Guerrini); y "Primo-Vere" de Odoardo Turco y Giacomo De Zerbi. El análisis se detiene en la forma, la sintaxis melódica, la “pronuncia” rítmico-melódica de los versos y la relación dramática entre música y texto. Como resultado, se encontraron diferencias (autorales) en el modo en que los tres compositores musicalizaron una misma estructura poética, lo que da variedad al conjunto. This paper studies a corpus of songs in Italian composed by immigrants and published in magazines of artistic interest of the Italian community of Buenos Aires in the late nineteenth and early twentieth centuries. It is a quasi-forgotten repertoire, therefore, its comprehension is necessary for the understanding of the ethical-aesthetic dialogue of the Argentine culture of the period, fundamentally of the relationship of nationalism with other aesthetic-ideological tendencies. I analyze a selection of representative works of this repertoire: "A Madonna!" by Gennaro D'Andrea, with lyrics by Rocco De Zerbi; "Un organetto suona per la via" of Giovanni Serpentini and Lorenzo Stecchetti (pseudonym of Olindo Guerrini); and "Primo-Vere" by Odoardo Turco and Giacomo De Zerbi. The analysis considers the form, the melodic syntax, the rhythmic-melodic “pronuncia” of the verses and the dramatic relationship between music and text. As a result, I found (authorial) differences in the way in which the three composers musicalized the same poetic structure, which gives variety to the corpus. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135952 Objeto de conferencia Links between Music and Sound design in “Rastro”, by Marilina Bertoldi XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" La tecnología ha incidido en la escucha y consecuente recepción de la música desde los inicios de los primeros dispositivos de registro a comienzos del siglo XX. En la actualidad, podemos afirmar que una escucha de las producciones discográficas que no tome en consideración el diseño sonoro de las mismas es tan impertinente como errónea. Hoy, las estrategias de construcción de la dimensión sónica han logrado trascender ampliamente los confines de la concepción técnica históricamente vinculada a esa instancia, poniendo de relieve el rol artístico de los ingenieros de sonido. El objetivo del presente trabajo es analizar la dimensión sónica de “Rastro”, canción perteneciente a la cantautora argentina Marilina Bertoldi, empleando la metodología de análisis soundbox, elaborada por Allan F. Moore. El análisis que nos proponemos realizar está guiado por una hipótesis de trabajo: afirmamos que en “Rastro” el diseño sonoro está orientado a caracterizar los segmentos formales de la canción mediante el uso de diferentes estrategias y procesos propios que operan tanto como factores de integración como de diferenciación de las diferentes partes, articulándose permanentemente con los aspectos inmanentes de la canción.; Technology has had a crucial impact on the listening habits and reception of music since the creation of the first recording devices at the beginning of the XX century. Therefore, we can affirm that today listening to contemporary recordings without taking into account their sonic dimension and design possibilities would be impertinent. Today, sonic design techniques and strategies have transcended the mere technical function historically related to them, putting on the center of the scene the artistic role of the sound engineer. The purpouse of this paper is to analyse the sonic dimension of “Rastro”, a song by the argentinean singer-songwriter Marilina Bertoldi, using the soundbox analysis methodology developed by Allan F. Moore. Our hypothesis is that there are sonic design strategies used to characterize different parts of the song, which work both as integration and separation factors between the different parts of the song. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135952 2019-01-01T00:00:00Z La tecnología ha incidido en la escucha y consecuente recepción de la música desde los inicios de los primeros dispositivos de registro a comienzos del siglo XX. En la actualidad, podemos afirmar que una escucha de las producciones discográficas que no tome en consideración el diseño sonoro de las mismas es tan impertinente como errónea. Hoy, las estrategias de construcción de la dimensión sónica han logrado trascender ampliamente los confines de la concepción técnica históricamente vinculada a esa instancia, poniendo de relieve el rol artístico de los ingenieros de sonido. El objetivo del presente trabajo es analizar la dimensión sónica de “Rastro”, canción perteneciente a la cantautora argentina Marilina Bertoldi, empleando la metodología de análisis soundbox, elaborada por Allan F. Moore. El análisis que nos proponemos realizar está guiado por una hipótesis de trabajo: afirmamos que en “Rastro” el diseño sonoro está orientado a caracterizar los segmentos formales de la canción mediante el uso de diferentes estrategias y procesos propios que operan tanto como factores de integración como de diferenciación de las diferentes partes, articulándose permanentemente con los aspectos inmanentes de la canción. Technology has had a crucial impact on the listening habits and reception of music since the creation of the first recording devices at the beginning of the XX century. Therefore, we can affirm that today listening to contemporary recordings without taking into account their sonic dimension and design possibilities would be impertinent. Today, sonic design techniques and strategies have transcended the mere technical function historically related to them, putting on the center of the scene the artistic role of the sound engineer. The purpouse of this paper is to analyse the sonic dimension of “Rastro”, a song by the argentinean singer-songwriter Marilina Bertoldi, using the soundbox analysis methodology developed by Allan F. Moore. Our hypothesis is that there are sonic design strategies used to characterize different parts of the song, which work both as integration and separation factors between the different parts of the song. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135950 Objeto de conferencia The piano performing canon: critical analysis of its current circumstances on international piano competitions XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" El canon de la música académica occidental ha sido de gran interés para la musicología durante las últimas décadas. A partir de los primeros aportes sobre el tema, la discusión sobre el concepto de un cierto conjunto de obras consagradas y su significación ha generado un debate que, lejos de agotarse, continúa enriqueciéndose en argumentos y alienta a que sea estudiado desde múltiples y novedosas perspectivas. En el caso particular del pianismo es innegable la presencia de un determinado corpus musical legítimo, cuya existencia se encuentra ya naturalizada dentro de la práctica pianística. Aunque múltiples factores han participado en la instauración del canon pianístico interpretativo, la presente ponencia sitúa el centro de atención en los concursos internacionales de piano. Esta pretende continuar la discusión abierta por los estudios precedentes sobre del canon, y desarrolla dicha problemática a partir del recuento del repertorio solicitado en los concursos internacionales de piano más recientes y la incorporación de conceptos propios de la sociología de la cultura.; The canon of western academic music has been of great interest to musicology during the past few decades. Since the firsts contributions on the subject, the discussion on the concept of a certain set of consecrated works and its significance has generated a debate that, far from over, continues to be enriched in arguments, and encourages it to be studied from multiple and novel perspectives. In the particular case of piano performance, the existence of a determined legitimated body of works is undeniable, whose presence has been naturalized within piano practice. Albeit many factors have participated on the establishment of the piano performing canon, this presentation places focus on international piano competitions. It is intended to continue the deliberation opened by previous studies on the canon, and develops this topic from the count of the compulsory repertoire in the most recent international piano competitions, and the incorporation of concepts typical of cultural sociology. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135950 2019-01-01T00:00:00Z El canon de la música académica occidental ha sido de gran interés para la musicología durante las últimas décadas. A partir de los primeros aportes sobre el tema, la discusión sobre el concepto de un cierto conjunto de obras consagradas y su significación ha generado un debate que, lejos de agotarse, continúa enriqueciéndose en argumentos y alienta a que sea estudiado desde múltiples y novedosas perspectivas. En el caso particular del pianismo es innegable la presencia de un determinado corpus musical legítimo, cuya existencia se encuentra ya naturalizada dentro de la práctica pianística. Aunque múltiples factores han participado en la instauración del canon pianístico interpretativo, la presente ponencia sitúa el centro de atención en los concursos internacionales de piano. Esta pretende continuar la discusión abierta por los estudios precedentes sobre del canon, y desarrolla dicha problemática a partir del recuento del repertorio solicitado en los concursos internacionales de piano más recientes y la incorporación de conceptos propios de la sociología de la cultura. The canon of western academic music has been of great interest to musicology during the past few decades. Since the firsts contributions on the subject, the discussion on the concept of a certain set of consecrated works and its significance has generated a debate that, far from over, continues to be enriched in arguments, and encourages it to be studied from multiple and novel perspectives. In the particular case of piano performance, the existence of a determined legitimated body of works is undeniable, whose presence has been naturalized within piano practice. Albeit many factors have participated on the establishment of the piano performing canon, this presentation places focus on international piano competitions. It is intended to continue the deliberation opened by previous studies on the canon, and develops this topic from the count of the compulsory repertoire in the most recent international piano competitions, and the incorporation of concepts typical of cultural sociology. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135947 Objeto de conferencia Recorded Music or Live Music? Some Questions about the Relationship between Music and Dance in the Salsa Scene in Santiago de Chile XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" El trabajo plantea preguntas acerca de las relaciones entre baile y música en la escena de la salsa en la ciudad de Santiago de Chile actual, a partir de los hallazgos preliminares del trabajo de campo iniciado en abril de 2018 en la salsoteca Maestra Vida. En la revisión se hace énfasis fundamentalmente en los modos en que el público construye esta relación. Se comienza por explicar el lugar que ocupa la salsoteca en la escena, para luego describir los modos en que el público utiliza los espacios del local. Más adelante, se exploran los modos en que los bailadores usan la música y se revisan algunas de las ideas que circulan en los espacios de baile, para más adelante discutir la aparente dicotomía entre la música en vivo y la música grabada en la escena. En la sección final se sugiere que la relación entre baile y música se da en el caso estudiado de modos diferentes en cada grupo que compone el público de Maestra Vida, y que opera como una forma individual y colectiva de escuchar y experimentar la música.; The comunication sets some questions about the links between dance and music at Santiago de Chile’s salsa scene, through the exposition of preliminary results of the fieldwork begun at april of 2018 in salsoteca Maestra Vida. Emphasys is made about the ways in wich audience builds this relationship. It begins by explaining Maestra Vida’s place at the scene, to then describe the attendant's uses of spaces in there. Later, the audience’s uses of the music are explored, and the circulation of ideas within the dance spaces are examined. Afterwards, the apparent dichotomy between live music and recorded music is considered. Last section suggests that the dance-music relationship works differently in each group of the audience and works in both individual and colective ways of listening to and experiencing music. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135947 2019-01-01T00:00:00Z El trabajo plantea preguntas acerca de las relaciones entre baile y música en la escena de la salsa en la ciudad de Santiago de Chile actual, a partir de los hallazgos preliminares del trabajo de campo iniciado en abril de 2018 en la salsoteca Maestra Vida. En la revisión se hace énfasis fundamentalmente en los modos en que el público construye esta relación. Se comienza por explicar el lugar que ocupa la salsoteca en la escena, para luego describir los modos en que el público utiliza los espacios del local. Más adelante, se exploran los modos en que los bailadores usan la música y se revisan algunas de las ideas que circulan en los espacios de baile, para más adelante discutir la aparente dicotomía entre la música en vivo y la música grabada en la escena. En la sección final se sugiere que la relación entre baile y música se da en el caso estudiado de modos diferentes en cada grupo que compone el público de Maestra Vida, y que opera como una forma individual y colectiva de escuchar y experimentar la música. The comunication sets some questions about the links between dance and music at Santiago de Chile’s salsa scene, through the exposition of preliminary results of the fieldwork begun at april of 2018 in salsoteca Maestra Vida. Emphasys is made about the ways in wich audience builds this relationship. It begins by explaining Maestra Vida’s place at the scene, to then describe the attendant's uses of spaces in there. Later, the audience’s uses of the music are explored, and the circulation of ideas within the dance spaces are examined. Afterwards, the apparent dichotomy between live music and recorded music is considered. Last section suggests that the dance-music relationship works differently in each group of the audience and works in both individual and colective ways of listening to and experiencing music. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135943 Objeto de conferencia "Vocales" by Mariano Etkin: Towards an Aesthetic Characterization of his Last Works XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" El presente trabajo se enmarca en el proyecto de investigación “El CLAEM en la escena musical argentina y latinoamericana de la segunda mitad del siglo XX” bajo la dirección del Dr. Edgardo Rodriguez en la FBA-UNLP. Trabajamos sobre la premisa de que el CLAEM fue un evento inédito en Latinoamerica y su presencia significó una bisagra en la escena musical latinoamericana ya que puso en contacto a los compositores locales con las vanguardias de Europa y de Estados Unidos. En este trabajo analizamos la obra Vocales (2013) para piano y barítono del compositor Mariano Etkin (1943-2016). Nuestra hipótesis es que esta obra tiene características que nos permiten hablar de un quiebre particular en la estética de la música del compositor que se ha caracterizado por poseer una concepción temporal no lineal. En Vocales hallamos un proceso de repetición mínimamente variada que se estructura de manera tal que, si bien a nivel microformal los materiales podrían parecer ser estáticos, en la macroforma de la obra ellos interactúan y se desarrollan de forma teleológica al presentar características direccionales a partir del ascenso paulatino del registro o el aumento en las duraciones entre otros procedimientos. A partir del análisis de esta obra, buscamos acercarnos a una caracterización estética de las últimas obras del compositor.; This work is part of the research project "The CLAEM in the Argentine and Latin American music scene of the second half of the Twentieth Century" under the direction of Dr. Edgardo Rodriguez at the FBA-UNLP. We work on the premise that CLAEM was an unprecedented event in Latin America and its presence meant a hinge in the Latin American music scene by bringing the avant-garde of Europe and the United States into an institution located in Buenos Aires. In this work we analyze the piece Vocales (2013) for piano and baritone by Mariano Etkin (1943-2016). We argue that this piece has characteristics that show a break in the aesthetics of the composer's music previously signed by a non-linear temporal conception. In Vocales we find a minimally varied repetition process that is structured in such way that, although at a microform level the materials could appear to be static, in the macro-form they interact and develop teleologically by presenting directional characteristics to starting from the gradual ascent of the registry or the increase in durations among other procedures. From the analysis of this work, we seek to approach an aesthetic characterization of the composer's latest works. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135943 2019-01-01T00:00:00Z El presente trabajo se enmarca en el proyecto de investigación “El CLAEM en la escena musical argentina y latinoamericana de la segunda mitad del siglo XX” bajo la dirección del Dr. Edgardo Rodriguez en la FBA-UNLP. Trabajamos sobre la premisa de que el CLAEM fue un evento inédito en Latinoamerica y su presencia significó una bisagra en la escena musical latinoamericana ya que puso en contacto a los compositores locales con las vanguardias de Europa y de Estados Unidos. En este trabajo analizamos la obra Vocales (2013) para piano y barítono del compositor Mariano Etkin (1943-2016). Nuestra hipótesis es que esta obra tiene características que nos permiten hablar de un quiebre particular en la estética de la música del compositor que se ha caracterizado por poseer una concepción temporal no lineal. En Vocales hallamos un proceso de repetición mínimamente variada que se estructura de manera tal que, si bien a nivel microformal los materiales podrían parecer ser estáticos, en la macroforma de la obra ellos interactúan y se desarrollan de forma teleológica al presentar características direccionales a partir del ascenso paulatino del registro o el aumento en las duraciones entre otros procedimientos. A partir del análisis de esta obra, buscamos acercarnos a una caracterización estética de las últimas obras del compositor. This work is part of the research project "The CLAEM in the Argentine and Latin American music scene of the second half of the Twentieth Century" under the direction of Dr. Edgardo Rodriguez at the FBA-UNLP. We work on the premise that CLAEM was an unprecedented event in Latin America and its presence meant a hinge in the Latin American music scene by bringing the avant-garde of Europe and the United States into an institution located in Buenos Aires. In this work we analyze the piece Vocales (2013) for piano and baritone by Mariano Etkin (1943-2016). We argue that this piece has characteristics that show a break in the aesthetics of the composer's music previously signed by a non-linear temporal conception. In Vocales we find a minimally varied repetition process that is structured in such way that, although at a microform level the materials could appear to be static, in the macro-form they interact and develop teleologically by presenting directional characteristics to starting from the gradual ascent of the registry or the increase in durations among other procedures. From the analysis of this work, we seek to approach an aesthetic characterization of the composer's latest works. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135938 Objeto de conferencia Invitation to the Ethnomusicology of the Aboriginal Peoples XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" Esta ponencia es un alegato a favor de la investigación de las prácticas musicales de los pueblos originarios, área de vacancia que se halla en una situación límite en Argentina. Frente a esta preocupante realidad, consideré oportuno valerme de esta XXIII Conferencia AAM y XIX Jornadas INM, a fin de interpelar a la audiencia joven que pueda hallarse en instancias de elección de un campo específico de estudios. Para ello, elegí como compañero de ruta al etnomusicólogo y antropólogo social británico John Blacking y su libro "How musical is man?" (1973), por dos razones principales. La primera, porque ha sido un profundo pensador sobre la música, a la que definió como “sonido humanamente organizado”, dando cuenta de su inseparabilidad de los seres que la crean, la reproducen, la practican y la escuchan. En segundo lugar, porque el análisis de las ideas centrales de su teoría ilustra sobre una etnomusicología que une los conocimientos musicales y antropológicos de modo consistente y original. Estudiar culturas diferentes a la propia conduce a vivir experiencias enriquecedoras mediante el acceso al conocimiento de otros mundos y otras músicas; experiencias que, además, proporcionan herramientas para descubrir entresijos interesantes en nuestras músicas y modos de vida.; This paper is a statement in favor of the investigation of the musical practices by the aboriginal peoples, a vacant area currently going through an extreme situation. In the face of this alarming reality, I considered it opportune to use this 23rd AAM Conference and 19th INM Symposium in order to appeal to younger audiences in the instance of choosing a specific field of study. To do so, I chose to team up with British ethnomusicologist and social anthropologist John Blacking and his book "How Musical Is Man?" (1973) for two main reasons. First of all, because he has been a great thinker in regards to music, which he defined as “humanly organized sound” accounting for its inseparability from the beings that create, promote, practice and listen to it. Secondly, because the analysis of the core ideas of his theory shed light on an ethnomusicology that brings together musical and anthropological knowledge in an original, consistent way. Studying cultures different from our own drives us to some enriching experiences through our access to knowledge from other worlds and other kinds of music ‒experiences that, in addition, provide us with tools to discover interesting details in our different kinds of music and ways of life. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135938 2019-01-01T00:00:00Z Esta ponencia es un alegato a favor de la investigación de las prácticas musicales de los pueblos originarios, área de vacancia que se halla en una situación límite en Argentina. Frente a esta preocupante realidad, consideré oportuno valerme de esta XXIII Conferencia AAM y XIX Jornadas INM, a fin de interpelar a la audiencia joven que pueda hallarse en instancias de elección de un campo específico de estudios. Para ello, elegí como compañero de ruta al etnomusicólogo y antropólogo social británico John Blacking y su libro "How musical is man?" (1973), por dos razones principales. La primera, porque ha sido un profundo pensador sobre la música, a la que definió como “sonido humanamente organizado”, dando cuenta de su inseparabilidad de los seres que la crean, la reproducen, la practican y la escuchan. En segundo lugar, porque el análisis de las ideas centrales de su teoría ilustra sobre una etnomusicología que une los conocimientos musicales y antropológicos de modo consistente y original. Estudiar culturas diferentes a la propia conduce a vivir experiencias enriquecedoras mediante el acceso al conocimiento de otros mundos y otras músicas; experiencias que, además, proporcionan herramientas para descubrir entresijos interesantes en nuestras músicas y modos de vida. This paper is a statement in favor of the investigation of the musical practices by the aboriginal peoples, a vacant area currently going through an extreme situation. In the face of this alarming reality, I considered it opportune to use this 23rd AAM Conference and 19th INM Symposium in order to appeal to younger audiences in the instance of choosing a specific field of study. To do so, I chose to team up with British ethnomusicologist and social anthropologist John Blacking and his book "How Musical Is Man?" (1973) for two main reasons. First of all, because he has been a great thinker in regards to music, which he defined as “humanly organized sound” accounting for its inseparability from the beings that create, promote, practice and listen to it. Secondly, because the analysis of the core ideas of his theory shed light on an ethnomusicology that brings together musical and anthropological knowledge in an original, consistent way. Studying cultures different from our own drives us to some enriching experiences through our access to knowledge from other worlds and other kinds of music ‒experiences that, in addition, provide us with tools to discover interesting details in our different kinds of music and ways of life. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135936 Objeto de conferencia Representations of Uruguayan Identity in the Costumes and Scenery for the "Ballet Nocturno" nativo by Vicente Ascone XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" En esta ponencia se presentan algunos resultados de una investigación doctoral en curso, referida a "Nocturno nativo", pieza coreográfica con música del compositor ítalo- uruguayo Vicente Ascone (1897-1979) y coreografía de Alberto Pouyanne. Creada sobre un argumento del escritor uruguayo Víctor Pérez Petit (1871-1947), fue estrenada en noviembre de 1935 en el Auditorio del SODRE durante la temporada inicial del Cuerpo de Baile. Dirigido por Lamberto Baldi, este ballet, suerte de poema sinfónico danzado, está concebido en un acto y cuatro cuadros. Se postula como hipótesis que el vestuario y la escenografía, por su apelación a símbolos considerados propios de una "identidad uruguaya", refuerzan los aspectos literarios, musicales y coreográficos propuestos por los autores. La tesis doctoral en curso busca lograr una reposición históricamente informada –que permita hacer sonar la partitura que se está procesando actualmente, junto a la reconstrucción coreográfica, de escenografía y vestuario, a partir de datos y testimonios de los bailarines fundadores– que re-activaría un patrimonio histórico de la música académica y del ballet en el Uruguay aportando una nueva reflexión sobre la identidad cultural de ese país.; This paper presents some results of a current doctoral investigation, referred to native "Nocturno nativo", a choreographic piece with music of the Italian-Uruguayan composer Vicente Ascone (1897-1979) and choreography of Alberto Pouyanne. Created on an argument of the Uruguayan writer Víctor Pérez Petit (1871-1947), it was released in November, 1935 in the Auditorium of SODRE during the initial period of the Body of Dance. Directed by Lamberto Baldi, this ballet, a sort of danced symphonic poem, is conceived in an act and four scenes. It is postulated as a hypothesis that the wardrobe and the scenery, for its appeal to symbols considered to be proper of a "Uruguayan identity", reinforce the literary, musical and choreographic aspects proposed by the authors. The current doctoral thesis seeks to achieve a restoration historically informed – that allows the score currently being processed to be played, along with the choreographic reconstruction, of scenery and wardrobe, from information and testimonies of the founding ballet dancers– that would reactivate a historical patrimony of the academic music and of the ballet in Uruguay contributing a new reflection on the cultural identity of that country. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135936 2019-01-01T00:00:00Z En esta ponencia se presentan algunos resultados de una investigación doctoral en curso, referida a "Nocturno nativo", pieza coreográfica con música del compositor ítalo- uruguayo Vicente Ascone (1897-1979) y coreografía de Alberto Pouyanne. Creada sobre un argumento del escritor uruguayo Víctor Pérez Petit (1871-1947), fue estrenada en noviembre de 1935 en el Auditorio del SODRE durante la temporada inicial del Cuerpo de Baile. Dirigido por Lamberto Baldi, este ballet, suerte de poema sinfónico danzado, está concebido en un acto y cuatro cuadros. Se postula como hipótesis que el vestuario y la escenografía, por su apelación a símbolos considerados propios de una "identidad uruguaya", refuerzan los aspectos literarios, musicales y coreográficos propuestos por los autores. La tesis doctoral en curso busca lograr una reposición históricamente informada –que permita hacer sonar la partitura que se está procesando actualmente, junto a la reconstrucción coreográfica, de escenografía y vestuario, a partir de datos y testimonios de los bailarines fundadores– que re-activaría un patrimonio histórico de la música académica y del ballet en el Uruguay aportando una nueva reflexión sobre la identidad cultural de ese país. This paper presents some results of a current doctoral investigation, referred to native "Nocturno nativo", a choreographic piece with music of the Italian-Uruguayan composer Vicente Ascone (1897-1979) and choreography of Alberto Pouyanne. Created on an argument of the Uruguayan writer Víctor Pérez Petit (1871-1947), it was released in November, 1935 in the Auditorium of SODRE during the initial period of the Body of Dance. Directed by Lamberto Baldi, this ballet, a sort of danced symphonic poem, is conceived in an act and four scenes. It is postulated as a hypothesis that the wardrobe and the scenery, for its appeal to symbols considered to be proper of a "Uruguayan identity", reinforce the literary, musical and choreographic aspects proposed by the authors. The current doctoral thesis seeks to achieve a restoration historically informed – that allows the score currently being processed to be played, along with the choreographic reconstruction, of scenery and wardrobe, from information and testimonies of the founding ballet dancers– that would reactivate a historical patrimony of the academic music and of the ballet in Uruguay contributing a new reflection on the cultural identity of that country. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135934 Objeto de conferencia "Arenas", Formal Aspects in the Music of Mariano Etkin XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" Este trabajo se enmarca en el proyecto de investigación “El Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (Di Tella) en la escena musical argentina y latinoamericana de la segunda mitad del siglo XX” a cargo de la dirección del Dr. Edgardo Rodríguez en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. El compositor argentino Mariano Etkin (1943-2016), becario del CLAEM entre los años 1965 y 1966, es considerado uno de los más relevantes de su generación. A través del análisis de la obra Arenas (1988), para piano, intentaremos identificar algunas de las particularidades de la música de Etkin a la vez que son puestos en evidencia los rasgos que acercan a su producción con la del compositor norteamericano Morton Feldman, a quien está dedicada dicha pieza.; This work is part of the research project "The Latin American Center of High Musical Studies (Di Tella) in the Argentine and Latin American music scene of the second half of the XXth century" under the direction of Dr. Edgardo Rodríguez in the Facultad de Bellas Artes of the Universidad Nacional de La Plata. The Argentine composer Mariano Etkin (1943-2016), a CLAEM fellow between 1965 and 1966, is considered one of the most important of his generation. Through the analysis of the work Arenas (1988), for piano, we will try to identify some of the particularities of Etkin's music while at the same time highlighting the features that bring his production closer to that of the North American composer Morton Feldman, to who is dedicated this piece. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135934 2019-01-01T00:00:00Z Este trabajo se enmarca en el proyecto de investigación “El Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (Di Tella) en la escena musical argentina y latinoamericana de la segunda mitad del siglo XX” a cargo de la dirección del Dr. Edgardo Rodríguez en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. El compositor argentino Mariano Etkin (1943-2016), becario del CLAEM entre los años 1965 y 1966, es considerado uno de los más relevantes de su generación. A través del análisis de la obra Arenas (1988), para piano, intentaremos identificar algunas de las particularidades de la música de Etkin a la vez que son puestos en evidencia los rasgos que acercan a su producción con la del compositor norteamericano Morton Feldman, a quien está dedicada dicha pieza. This work is part of the research project "The Latin American Center of High Musical Studies (Di Tella) in the Argentine and Latin American music scene of the second half of the XXth century" under the direction of Dr. Edgardo Rodríguez in the Facultad de Bellas Artes of the Universidad Nacional de La Plata. The Argentine composer Mariano Etkin (1943-2016), a CLAEM fellow between 1965 and 1966, is considered one of the most important of his generation. Through the analysis of the work Arenas (1988), for piano, we will try to identify some of the particularities of Etkin's music while at the same time highlighting the features that bring his production closer to that of the North American composer Morton Feldman, to who is dedicated this piece. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135933 Objeto de conferencia The Importance of the Cassette in the Spread and Composition at the Beginnig of the Rap in Chile (1984-1989) XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" El casete fue importante para difundir géneros importados durante la década de 1980 en Chile. Algunas comunidades musicales se constituyeron gracias al intercambio informal de este tipo de cintas, por motivo de la escasa inclusión en radios y tiendas de venta de discos. Pero la importancia del casete con respecto al rap fue aún más profunda, ya que desempeñó un rol preponderante en el ámbito de la creación musical. En la primera etapa del género en Chile, el procedimiento de hacer bases musicales para rapear, que en su forma estandarizada se realiza con discos de vinilo, fue adaptado al casete. Esta práctica tuvo repercusiones tanto en la calidad del sonido como en la factibilidad de la ejecución. Más allá de los resultados, este proceso es evaluado positivamente por el esfuerzo y compromiso suscitado, valores que se vuelven difusos en épocas posteriores debido a la utilización y dependencia a una tecnología más avanzada. Una tensión que evidencia la confrontación por la autenticidad en la comunidad del rap chileno, específicamente entre pioneros y nuevos.; The cassette was important to spread imported genres during the decade of 1980 in Chile. Some musical communities were formed thanks to the informal exchange of this type of tapes, because of the scarce inclusion in radios and record stores. But the importance of the cassette with respect to the rap was even more deep, because it played a preponderant role in the field of the musical creation. In the first stage of the genre in Chile, the procedure of making musical bases for rapping, which in its standardized form is made with vinyl discs, was adapted to cassette. This practice had an impact on both sound quality and the feasibility of execution. Beyond the results, this process is evaluated positively by the effort and commitment aroused, values that become diffuse in later times by reason to utilization and dependence to a more advanced technology. A tension that demonstrates the confrontation for authenticity in the chilean rap community, specifically between pioneers and new ones. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135933 2019-01-01T00:00:00Z El casete fue importante para difundir géneros importados durante la década de 1980 en Chile. Algunas comunidades musicales se constituyeron gracias al intercambio informal de este tipo de cintas, por motivo de la escasa inclusión en radios y tiendas de venta de discos. Pero la importancia del casete con respecto al rap fue aún más profunda, ya que desempeñó un rol preponderante en el ámbito de la creación musical. En la primera etapa del género en Chile, el procedimiento de hacer bases musicales para rapear, que en su forma estandarizada se realiza con discos de vinilo, fue adaptado al casete. Esta práctica tuvo repercusiones tanto en la calidad del sonido como en la factibilidad de la ejecución. Más allá de los resultados, este proceso es evaluado positivamente por el esfuerzo y compromiso suscitado, valores que se vuelven difusos en épocas posteriores debido a la utilización y dependencia a una tecnología más avanzada. Una tensión que evidencia la confrontación por la autenticidad en la comunidad del rap chileno, específicamente entre pioneros y nuevos. The cassette was important to spread imported genres during the decade of 1980 in Chile. Some musical communities were formed thanks to the informal exchange of this type of tapes, because of the scarce inclusion in radios and record stores. But the importance of the cassette with respect to the rap was even more deep, because it played a preponderant role in the field of the musical creation. In the first stage of the genre in Chile, the procedure of making musical bases for rapping, which in its standardized form is made with vinyl discs, was adapted to cassette. This practice had an impact on both sound quality and the feasibility of execution. Beyond the results, this process is evaluated positively by the effort and commitment aroused, values that become diffuse in later times by reason to utilization and dependence to a more advanced technology. A tension that demonstrates the confrontation for authenticity in the chilean rap community, specifically between pioneers and new ones. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135932 Objeto de conferencia The Invasion of Freestyle in the Spaces of Street Music in Concepción XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" La música callejera aparece como una modalidad alternativa de reproducción, circulación y, en menor medida, creación de repertorios, que incide en la experiencia de lo urbano y la configuración de una identidad territorial donde lo sonoro también impone su sello. En concordancia con esta idea, en una primera etapa del trabajo se caracteriza la comunidad de músicos de la calle de la ciudad de Concepción, Chile, elaborando categorías que definen lo que llamaremos una práctica tradicional de la música callejera y sus criterios de autenticidad. Recientemente, este escenario se ha visto afectado por el advenimiento del freestyle, una nueva y disruptiva práctica vinculada al hip hop que se modela en base a una visión y un código diferente respecto de la música y la ciudad. En una segunda etapa, el trabajo discute el lugar que le corresponde actualmente al freestyle como forma emergente, frente a las prácticas tradicionales y establecidas, con las que se disputa un espacio de reconocimiento y validación social, quebrando de paso con los constructos establecidos sobre lo que significa ser un músico y hacer música en las calles de la ciudad.; Street music appears as an alternative form of reproduction, circulation and, to a lesser extent, creation of repertoires, which affects the urban experience and the configuration of a territorial identity where the sound also estabishes its mark. According with this idea, a first part of this work we shape the community of street musicians of Concepción, Chile, by elaborating categories that define what we name as a traditional practice of street music and its criteria of authenticity. Recently, this scenario has been affected by the incoming of freestyle, a new and disruptive practice related to hip hop that is modeled on differents visions and codes regarding music and city. In a second part of this work we discusse the belonging of freestyle as an emerging form, comparating it with traditional and established practices, with which is disputed a spot of recognition and social validation that breaks the established constructs about what it means to be a musician and make music in the streets of the city. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135932 2019-01-01T00:00:00Z La música callejera aparece como una modalidad alternativa de reproducción, circulación y, en menor medida, creación de repertorios, que incide en la experiencia de lo urbano y la configuración de una identidad territorial donde lo sonoro también impone su sello. En concordancia con esta idea, en una primera etapa del trabajo se caracteriza la comunidad de músicos de la calle de la ciudad de Concepción, Chile, elaborando categorías que definen lo que llamaremos una práctica tradicional de la música callejera y sus criterios de autenticidad. Recientemente, este escenario se ha visto afectado por el advenimiento del freestyle, una nueva y disruptiva práctica vinculada al hip hop que se modela en base a una visión y un código diferente respecto de la música y la ciudad. En una segunda etapa, el trabajo discute el lugar que le corresponde actualmente al freestyle como forma emergente, frente a las prácticas tradicionales y establecidas, con las que se disputa un espacio de reconocimiento y validación social, quebrando de paso con los constructos establecidos sobre lo que significa ser un músico y hacer música en las calles de la ciudad. Street music appears as an alternative form of reproduction, circulation and, to a lesser extent, creation of repertoires, which affects the urban experience and the configuration of a territorial identity where the sound also estabishes its mark. According with this idea, a first part of this work we shape the community of street musicians of Concepción, Chile, by elaborating categories that define what we name as a traditional practice of street music and its criteria of authenticity. Recently, this scenario has been affected by the incoming of freestyle, a new and disruptive practice related to hip hop that is modeled on differents visions and codes regarding music and city. In a second part of this work we discusse the belonging of freestyle as an emerging form, comparating it with traditional and established practices, with which is disputed a spot of recognition and social validation that breaks the established constructs about what it means to be a musician and make music in the streets of the city. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135930 Objeto de conferencia Grupo de Musicología Histórica Córdoba, reserch report (2010-2018) XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" A través de esta comunicación pretendo dar a conocer los avances de las investigaciones que se vienen realizando en el seno del Grupo de Musicología Histórica Córdoba (en adelante GMH), bajo la dirección general de Leonardo Waisman y la coordinación de Marisa Restiffo. Este equipo de trabajo, nacido a partir de diferentes proyectos acreditados por la Secretaría de Ciencia y Técnica de la UNC, CONICET y FonCyT, se encuentra relevando una considerable cantidad de músicas de diversas épocas y procedencias. Está integrado por docentes investigadores, estudiantes avanzados y egresados de la UNC, la mayoría de los cuales se encuentra ya realizando estudios de posgrado. En la actualidad comprende dos grandes subproyectos: 1) prácticas musicales en Córdoba durante el largo siglo XIX y la transición a la modernidad y 2) músicas virreinales, que comprende el estudio de las prácticas musicales en el espacio colonial americano, especialmente en los virreinatos del Perú y del Río de la Plata. La comunicación incluye la descripción de los objetivos generales, los principales marcos teóricos que inspiran nuestro trabajo, los hallazgos musicales encontrados en los principales repositorios de la ciudad de Córdoba, los logros y grado de avance de las tareas proyectadas, los problemas metodológicos que se nos plantearon, algunas propuestas para enfrentarlos y los desafíos que nos quedan por delante.; This paper attempts to communicate the current state of the research projects undertaken by the Grupo de Musicología Histórica Córdoba (GMH), under the general guidance of Leonardo Waisman and the coordination of Marisa Restiffo. This team, born of different projects conducted under and financed by the Secretaría de Ciencia y Técnica of the Universidad Nacional de Córdoba, CONICET and FonCyT, is currently investigating a variety of musics of diverse times and provenances. Its members are teachers and researchers, advanced undergraduates and graduate students of the UNC. Its endeavors are divided into two subprojects: 1) musical practices in Córdoba during the long 19th century and the transition to modernity, and 2) Viceroyal musics, meaning the study of musical practices in the Colonial American space, especially in Peru and the River Plate Viceroydoms. The communication includes a description of the general goals, the main theoretical frameworks which ground our work, our musical finds in the main repositories in Córdoba, our achievements and degree of advance in the tasks we have undertaken, the methodological problems we face and some proposals to meet them, and the challenges ahead of us. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135930 2019-01-01T00:00:00Z A través de esta comunicación pretendo dar a conocer los avances de las investigaciones que se vienen realizando en el seno del Grupo de Musicología Histórica Córdoba (en adelante GMH), bajo la dirección general de Leonardo Waisman y la coordinación de Marisa Restiffo. Este equipo de trabajo, nacido a partir de diferentes proyectos acreditados por la Secretaría de Ciencia y Técnica de la UNC, CONICET y FonCyT, se encuentra relevando una considerable cantidad de músicas de diversas épocas y procedencias. Está integrado por docentes investigadores, estudiantes avanzados y egresados de la UNC, la mayoría de los cuales se encuentra ya realizando estudios de posgrado. En la actualidad comprende dos grandes subproyectos: 1) prácticas musicales en Córdoba durante el largo siglo XIX y la transición a la modernidad y 2) músicas virreinales, que comprende el estudio de las prácticas musicales en el espacio colonial americano, especialmente en los virreinatos del Perú y del Río de la Plata. La comunicación incluye la descripción de los objetivos generales, los principales marcos teóricos que inspiran nuestro trabajo, los hallazgos musicales encontrados en los principales repositorios de la ciudad de Córdoba, los logros y grado de avance de las tareas proyectadas, los problemas metodológicos que se nos plantearon, algunas propuestas para enfrentarlos y los desafíos que nos quedan por delante. This paper attempts to communicate the current state of the research projects undertaken by the Grupo de Musicología Histórica Córdoba (GMH), under the general guidance of Leonardo Waisman and the coordination of Marisa Restiffo. This team, born of different projects conducted under and financed by the Secretaría de Ciencia y Técnica of the Universidad Nacional de Córdoba, CONICET and FonCyT, is currently investigating a variety of musics of diverse times and provenances. Its members are teachers and researchers, advanced undergraduates and graduate students of the UNC. Its endeavors are divided into two subprojects: 1) musical practices in Córdoba during the long 19th century and the transition to modernity, and 2) Viceroyal musics, meaning the study of musical practices in the Colonial American space, especially in Peru and the River Plate Viceroydoms. The communication includes a description of the general goals, the main theoretical frameworks which ground our work, our musical finds in the main repositories in Córdoba, our achievements and degree of advance in the tasks we have undertaken, the methodological problems we face and some proposals to meet them, and the challenges ahead of us. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135927 Objeto de conferencia Contributions to the pianistic interpretation of the “Payada” by Ángel Lasala in light of rhetoric of Argentine musical nationalism XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" Ángel Eugenio Lasala (1914-2000) desarrolló una profusa actividad artística, incluyendo la composición, la interpretación pianística, la docencia y cargos de gestión en distintas instituciones. Contó con una nutrida producción que abarcó distintos géneros. Dentro de las obras para piano solo, tiene diez obras en las que predomina la tendencia nacionalista manifestada por la utilización de títulos evocativos, por homenajes a compositores icónicos del nacionalismo musical argentino y diálogos con sus obras y por la utilización de topoi de la retórica musical nacionalista argentina. El primer objetivo del presente trabajo es identificar los topoi de la retórica del nacionalismo musical argentino en “Payada” , segundo número del cuaderno 2 de Impresiones de mi tierra (1939-1942) –primera obra nacionalista lasaliana–, determinando cómo se articulan allí las redes tópicas. El segundo objetivo es transferir este análisis retórico a mi interpretación pianística –fraseo, dinámica, pedalización e interpretación global del sentido de la obra –, plasmado en diferentes aportes, relacionando de manera significativa la investigación musicológica y la interpretación pianística.; Ángel Eugenio Lasala (1914-2000) carried out profuse artistic activity, including composition, pianistic interpretation, teaching and the direction of various institutions. His important production encompassed many genres. Among his works composed only for piano, there are ten in which the nationalist tendency is predominant, manifested by the use of evocative titles, homages to iconic composers of Argentine musical nationalism and interaction with his other works, as well as by the use of topoi from the rhetoric of Argentine musical nationalism. The first objective of this paper is to identify the topoi of the rhetoric of the Argentine musical nationalism in the “Payada”, the second number of Book 2 from Impresiones de mi tierra (1939-1942) – Lasala’s first nationalist work – to determine how topic networks are articulated. The second objective is to transfer this rhetorical analysis to my pianistic interpretation – its phrasing, dynamic, pedal use and overall interpretation of the Lasala’s meaning –through various means, relating musicological research and pianistic interpretation in a meaningful way. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135927 2019-01-01T00:00:00Z Ángel Eugenio Lasala (1914-2000) desarrolló una profusa actividad artística, incluyendo la composición, la interpretación pianística, la docencia y cargos de gestión en distintas instituciones. Contó con una nutrida producción que abarcó distintos géneros. Dentro de las obras para piano solo, tiene diez obras en las que predomina la tendencia nacionalista manifestada por la utilización de títulos evocativos, por homenajes a compositores icónicos del nacionalismo musical argentino y diálogos con sus obras y por la utilización de topoi de la retórica musical nacionalista argentina. El primer objetivo del presente trabajo es identificar los topoi de la retórica del nacionalismo musical argentino en “Payada” , segundo número del cuaderno 2 de Impresiones de mi tierra (1939-1942) –primera obra nacionalista lasaliana–, determinando cómo se articulan allí las redes tópicas. El segundo objetivo es transferir este análisis retórico a mi interpretación pianística –fraseo, dinámica, pedalización e interpretación global del sentido de la obra –, plasmado en diferentes aportes, relacionando de manera significativa la investigación musicológica y la interpretación pianística. Ángel Eugenio Lasala (1914-2000) carried out profuse artistic activity, including composition, pianistic interpretation, teaching and the direction of various institutions. His important production encompassed many genres. Among his works composed only for piano, there are ten in which the nationalist tendency is predominant, manifested by the use of evocative titles, homages to iconic composers of Argentine musical nationalism and interaction with his other works, as well as by the use of topoi from the rhetoric of Argentine musical nationalism. The first objective of this paper is to identify the topoi of the rhetoric of the Argentine musical nationalism in the “Payada”, the second number of Book 2 from Impresiones de mi tierra (1939-1942) – Lasala’s first nationalist work – to determine how topic networks are articulated. The second objective is to transfer this rhetorical analysis to my pianistic interpretation – its phrasing, dynamic, pedal use and overall interpretation of the Lasala’s meaning –through various means, relating musicological research and pianistic interpretation in a meaningful way. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135925 Objeto de conferencia Musical circulation and urban networks in the Viceroyalty of Peru during the XVIII century XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" Desde principios del siglo XVIII puede documentarse en las colonias americanas la introducción de una corriente italianizante en la música religiosa que reconoce entre una de sus principales causas la llegada a Lima en 1716 del músico italiano Roque Ceruti. Esta nueva estética musical se relaciona con rasgos de una mentalidad religiosa imbuida del espíritu ilustrado que se estaba intentando imponer en las colonias americanas. En principio se evidencia una creciente preferencia por conjuntos de músicos conformados por instrumentistas de cuerdas frotadas acompañados de órgano o clave. En este trabajo me propongo trazar un panorama general de la presencia de ciertos elementos que permitan dar cuenta de la introducción y difusión de esta tendencia de carácter italianizante en las prácticas musicales llevadas a cabo en las urbes del sur de América tomando como punto de referencia a la periférica Córdoba del Tucumán en relación con Lima, capital del Virreinato, que hacia finales del siglo XVIII va cediendo el espacio a Buenos Aires en la nueva reestructuración impuesta por la monarquía.; Since the beginning of the XVIII century it can be documented the introduction of an Italianism trend in the ecclesiastical music due to the presence of the Italian composer Roque Ceruti in Lima at 1717. This new musical esthetic is related with features of a religious thinking filled with the spirit of the Englightenment that was attempt to impose in the American colonies by the Spanish monarchy. In this paper I want to show a general outlook/panorama of the presence of a few cultural and artistic elements in order to demonstrate the introduction and dissemination of the Italianism in the musical practices that took place in south America during the XVIII century, from the peripheral city of Córdoba del Tucumán to Lima, capital of the Viceroyalty of Peru, that at the end of the century led preminence to Buenos Aires in the new order imposed by the crown. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135925 2019-01-01T00:00:00Z Desde principios del siglo XVIII puede documentarse en las colonias americanas la introducción de una corriente italianizante en la música religiosa que reconoce entre una de sus principales causas la llegada a Lima en 1716 del músico italiano Roque Ceruti. Esta nueva estética musical se relaciona con rasgos de una mentalidad religiosa imbuida del espíritu ilustrado que se estaba intentando imponer en las colonias americanas. En principio se evidencia una creciente preferencia por conjuntos de músicos conformados por instrumentistas de cuerdas frotadas acompañados de órgano o clave. En este trabajo me propongo trazar un panorama general de la presencia de ciertos elementos que permitan dar cuenta de la introducción y difusión de esta tendencia de carácter italianizante en las prácticas musicales llevadas a cabo en las urbes del sur de América tomando como punto de referencia a la periférica Córdoba del Tucumán en relación con Lima, capital del Virreinato, que hacia finales del siglo XVIII va cediendo el espacio a Buenos Aires en la nueva reestructuración impuesta por la monarquía. Since the beginning of the XVIII century it can be documented the introduction of an Italianism trend in the ecclesiastical music due to the presence of the Italian composer Roque Ceruti in Lima at 1717. This new musical esthetic is related with features of a religious thinking filled with the spirit of the Englightenment that was attempt to impose in the American colonies by the Spanish monarchy. In this paper I want to show a general outlook/panorama of the presence of a few cultural and artistic elements in order to demonstrate the introduction and dissemination of the Italianism in the musical practices that took place in south America during the XVIII century, from the peripheral city of Córdoba del Tucumán to Lima, capital of the Viceroyalty of Peru, that at the end of the century led preminence to Buenos Aires in the new order imposed by the crown. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135921 Objeto de conferencia Rethinking the Teaching of Musical Form of Latin-American Popular Music: the Cadence XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" Nesse artigo apresentamos alguns procedimentos cadenciais típicos de quatro gêneros de música popular latino-americana: a zamba e tango argentinos, o choro brasileiro e o pasillo equatoriano. Para tal, utilizamos as ferramentas da teoria das Funções Formais, elaborada por Willian Caplin para a compreensão da forma na música do Classicismo. Propomos que a utilização de uma ferramenta exógena aos gêneros em questão possa revelar aspectos comuns entre eles, possibilitando uma análise comparativa e uma compreensão mais ampla sobre procedimentos tonais na música popular latino- americana. Reconhecendo as limitações da ferramenta escolhida para lidar com esse tipo de repertório, apontamos para a necessidade de adequação de diferentes parâmetros analíticos para a obtenção de resultados que dialoguem com a música analisada mais do que com a ferramenta analítica utilizada.; In this paper, we present some cadential procedures commonly found in four Latin-American popular-music genres: tango and zamba from Aregntina, choro from Brazil, and pasillo from Ecuador. To that end, we use concepts from Caplin’s Theory of Formal Functions, formulated to account for the Classical repertoire. We propose that using an exogenous tool to examine the selected genres may reveal common aspects among them, allowing for a comparative analysis and a broader understanding of tonal procedures in Latin-American popular music. Acknowledging the limitations of the selected analytical tool to deal with this repertoire, we demonstrate that, in order to pursue results that dialogue with the music rather than with the analytical tool itself, aspects of it must be adapted. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135921 2019-01-01T00:00:00Z Nesse artigo apresentamos alguns procedimentos cadenciais típicos de quatro gêneros de música popular latino-americana: a zamba e tango argentinos, o choro brasileiro e o pasillo equatoriano. Para tal, utilizamos as ferramentas da teoria das Funções Formais, elaborada por Willian Caplin para a compreensão da forma na música do Classicismo. Propomos que a utilização de uma ferramenta exógena aos gêneros em questão possa revelar aspectos comuns entre eles, possibilitando uma análise comparativa e uma compreensão mais ampla sobre procedimentos tonais na música popular latino- americana. Reconhecendo as limitações da ferramenta escolhida para lidar com esse tipo de repertório, apontamos para a necessidade de adequação de diferentes parâmetros analíticos para a obtenção de resultados que dialoguem com a música analisada mais do que com a ferramenta analítica utilizada. In this paper, we present some cadential procedures commonly found in four Latin-American popular-music genres: tango and zamba from Aregntina, choro from Brazil, and pasillo from Ecuador. To that end, we use concepts from Caplin’s Theory of Formal Functions, formulated to account for the Classical repertoire. We propose that using an exogenous tool to examine the selected genres may reveal common aspects among them, allowing for a comparative analysis and a broader understanding of tonal procedures in Latin-American popular music. Acknowledging the limitations of the selected analytical tool to deal with this repertoire, we demonstrate that, in order to pursue results that dialogue with the music rather than with the analytical tool itself, aspects of it must be adapted. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135919 Objeto de conferencia The sound decentering as a form of political resistance in the poiesis of the band Fulano XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" La idea del descentramiento posmoderno ha tenido diversas miradas que nos hablan tanto de una crisis de la identidad en el mundo globalizado (Hall 2010), de la distancia establecida por el centro hegemónico en relación a la alteridad marginal (Richard 1993), o como una característica de la subalternidad que se manifiesta mediante un conjunto de prácticas que dislocan la concepción occidental imperante (Quintero 2013). En el análisis de los trabajos iniciales de la banda Fulano (1984-1989), se observa una serie de técnicas que podrían ser incluidas bajo el arco del descentramiento, dado que intencionan dislocar al músico en su función tradicional de intérprete, generando una performance instrumental atípica. Así mismo se aprecia la inclusión de elementos de la performance que funcionan como provocaciones dirigidas al régimen militar chileno y su concepción del “deber ser nacional” (Errazuriz 2006). Este trabajo se plantea determinar la pertinencia del uso del concepto descentramiento, ya sea desde su acepción de crisis de la identidad o como celebración de la heterogeneidad, en un intento de aportar a la comprensión del trabajo de esta banda desde el sonido mismo.; The idea of postmodern decentering has had different perspectives that speak both of a crisis of identity in the globalized world (Hall 2010), of the distance established by the hegemonic center in relation to marginal alterity (Richard 1993), or as a characteristic of subalternity that is manifested through a set of practices that dislocate the prevailing western conception (Quintero 2013). In the analysis of the original works of the band Fulano (1984-1989), a series of techniques that could be included under the decentering arc are observed, since they intend to dislocate the musician in his traditional function as an interpreter, generating an instrumental performance atypical. Likewise, it is appreciated the inclusion of elements of the performance that function as provocations directed to the Chilean military regime and its conception of the "duty to be national" (Errazuriz 2006). This work aims to determine the relevance of the use of the concept of decentering, either from its meaning of identity crisis or as a celebration of heterogeneity, in an attempt to contribute to the understanding of the work of this band from the sound itself. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135919 2019-01-01T00:00:00Z La idea del descentramiento posmoderno ha tenido diversas miradas que nos hablan tanto de una crisis de la identidad en el mundo globalizado (Hall 2010), de la distancia establecida por el centro hegemónico en relación a la alteridad marginal (Richard 1993), o como una característica de la subalternidad que se manifiesta mediante un conjunto de prácticas que dislocan la concepción occidental imperante (Quintero 2013). En el análisis de los trabajos iniciales de la banda Fulano (1984-1989), se observa una serie de técnicas que podrían ser incluidas bajo el arco del descentramiento, dado que intencionan dislocar al músico en su función tradicional de intérprete, generando una performance instrumental atípica. Así mismo se aprecia la inclusión de elementos de la performance que funcionan como provocaciones dirigidas al régimen militar chileno y su concepción del “deber ser nacional” (Errazuriz 2006). Este trabajo se plantea determinar la pertinencia del uso del concepto descentramiento, ya sea desde su acepción de crisis de la identidad o como celebración de la heterogeneidad, en un intento de aportar a la comprensión del trabajo de esta banda desde el sonido mismo. The idea of postmodern decentering has had different perspectives that speak both of a crisis of identity in the globalized world (Hall 2010), of the distance established by the hegemonic center in relation to marginal alterity (Richard 1993), or as a characteristic of subalternity that is manifested through a set of practices that dislocate the prevailing western conception (Quintero 2013). In the analysis of the original works of the band Fulano (1984-1989), a series of techniques that could be included under the decentering arc are observed, since they intend to dislocate the musician in his traditional function as an interpreter, generating an instrumental performance atypical. Likewise, it is appreciated the inclusion of elements of the performance that function as provocations directed to the Chilean military regime and its conception of the "duty to be national" (Errazuriz 2006). This work aims to determine the relevance of the use of the concept of decentering, either from its meaning of identity crisis or as a celebration of heterogeneity, in an attempt to contribute to the understanding of the work of this band from the sound itself. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135793 Objeto de conferencia Appearance and reality in "Otros Soles" by Mariano Etkin XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" Este trabajo se enmarca en uno de mayor envergadura en el que estudiamos las características de la segunda modernidad musical en la escena latinoamericana surgida a fines de los 60. Nos interesa estudiar la producción del compositor argentino Mariano Etkin (1943 - 2016), que fue indudablemente una figura indispensable de la música académica latinoamericana de las últimas décadas. Tras su paso por el CLAEM logró generar un discurso musical propio con las técnicas aprendidas, muy diferente a las producciones latinoamericanas de las décadas anteriores, y a los lineamientos estéticos de las vanguardias norteamericanas y centroeuropeas de la época. En el Proyecto estamos analizando algunas de sus obras -escritas en diferentes años-, con el fin de realizar un diagnóstico aproximativo acerca de las principales características de su música y de los intereses estéticos que atraviesan su producción. En este trabajo se analizará su obra Otros Soles, escrita en 1976 y revisada en 1999, para clarinete bajo, trombón y viola, buscando develar las dicotomías existentes entre las lógicas y los procesos de construcción de la macroforma y la microforma, además del manejo de los umbrales perceptivos respecto a los parámetros del timbre, el registro y la duración.; This work is part of a larger one in which we study the characteristics of the second musical modernity in the Latin American scene that emerged in the late 60s. We are interested in studying the production of the Argentine composer Mariano Etkin (1943 - 2016), which was undoubtedly an indispensable figure of the Latin American academic music of the last decades. After passing through CLAEM he managed to generate a musical discourse of his own with the techniques learned, very different from the Latin American productions of previous decades, and the aesthetic guidelines of the North American and Central European avant-gardes of the time. In the Project we are analyzing some of his works -written in different years-, in order to make an approximate diagnosis about the main characteristics of his music and the aesthetic interests that go through his production. In this work will be analyzed his work Otros Soles, written in 1976 and revised in 1999, for bass clarinet, trombone and viola, seeking to reveal the existing dichotomies between the logics and the construction processes of the macro-format and the microform, as well as the management of the perceptual thresholds regarding the parameters of the timbre, the record and the duration. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135793 2019-01-01T00:00:00Z Este trabajo se enmarca en uno de mayor envergadura en el que estudiamos las características de la segunda modernidad musical en la escena latinoamericana surgida a fines de los 60. Nos interesa estudiar la producción del compositor argentino Mariano Etkin (1943 - 2016), que fue indudablemente una figura indispensable de la música académica latinoamericana de las últimas décadas. Tras su paso por el CLAEM logró generar un discurso musical propio con las técnicas aprendidas, muy diferente a las producciones latinoamericanas de las décadas anteriores, y a los lineamientos estéticos de las vanguardias norteamericanas y centroeuropeas de la época. En el Proyecto estamos analizando algunas de sus obras -escritas en diferentes años-, con el fin de realizar un diagnóstico aproximativo acerca de las principales características de su música y de los intereses estéticos que atraviesan su producción. En este trabajo se analizará su obra Otros Soles, escrita en 1976 y revisada en 1999, para clarinete bajo, trombón y viola, buscando develar las dicotomías existentes entre las lógicas y los procesos de construcción de la macroforma y la microforma, además del manejo de los umbrales perceptivos respecto a los parámetros del timbre, el registro y la duración. This work is part of a larger one in which we study the characteristics of the second musical modernity in the Latin American scene that emerged in the late 60s. We are interested in studying the production of the Argentine composer Mariano Etkin (1943 - 2016), which was undoubtedly an indispensable figure of the Latin American academic music of the last decades. After passing through CLAEM he managed to generate a musical discourse of his own with the techniques learned, very different from the Latin American productions of previous decades, and the aesthetic guidelines of the North American and Central European avant-gardes of the time. In the Project we are analyzing some of his works -written in different years-, in order to make an approximate diagnosis about the main characteristics of his music and the aesthetic interests that go through his production. In this work will be analyzed his work Otros Soles, written in 1976 and revised in 1999, for bass clarinet, trombone and viola, seeking to reveal the existing dichotomies between the logics and the construction processes of the macro-format and the microform, as well as the management of the perceptual thresholds regarding the parameters of the timbre, the record and the duration. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135792 Objeto de conferencia “Always in the heights put the thought”. The University of Concepción in the History of its Institutional Anthem XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" En 1923, la Universidad de Concepción, Chile, inaugura una campaña para la creación de sus símbolos: escudo, lema e himno. Un gesto comúnmente asociado a la intención de trascender la materialidad para establecer una relación de identidad con la comunidad, mediante la representación de los propósitos y valores que caracterizan a cada institución. Considerando la institución como fenómeno característico e inalienable de la sociedad que la origina y su capacidad autoconstructiva, el presente trabajo relata la inédita historia del Himno de la Universidad de Concepción a partir de diversas fuentes documentales. Desde un enfoque mixto que recurre a insumos de la historia cultural, la historia local y la microhistoria, se problematizan los modos en que este proceso retrata la configuración de una auto imagen, y el afianzamiento de una relación con sus espacios de influencia. En este devenir, se translucen las fricciones entre la intención de incorporar a la comunidad local y la necesidad de autoafirmarse como referente nacional, permitiendo observar la compleja relación entre la institución, las voluntades que la habitan y la sociedad en general. Mediante este relato, se aspira a enriquecer la historiografía local, proponiendo nuevas perspectivas de reflexión sobre la relación entre la universidad y la comunidad, en sus dimensiones oficial y no oficial.; In 1923, the University of Concepción, Chile, started a campaign to create its symbols: coat, motto and anthem. A gesture usually related to the intention of transcending the materiality to build a relationship of identity with the community, representing the purposes and values of each institution. This work narrates the story of the Anthem to University of Concepción using diverse documentary sources. From a mixed approach that appeals the inputs of cultural history, local history and microhistory, the forms in which this process gives an account about the configuration of an institutional image, and the strengthening of a relationship with its spaces of influence are problematized. In this becoming, frictions in the intention to incorporate the local community and the needing of self-affirm as a national reference are revealed, allowing us to observe the complex relationship between the institution, the wills they inhabit and society. By this story, we aspire to enrich the local historiography, proposing new perspectives of thinking on the relationship between the university and the community, in its official and unofficial dimensions. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135792 2019-01-01T00:00:00Z En 1923, la Universidad de Concepción, Chile, inaugura una campaña para la creación de sus símbolos: escudo, lema e himno. Un gesto comúnmente asociado a la intención de trascender la materialidad para establecer una relación de identidad con la comunidad, mediante la representación de los propósitos y valores que caracterizan a cada institución. Considerando la institución como fenómeno característico e inalienable de la sociedad que la origina y su capacidad autoconstructiva, el presente trabajo relata la inédita historia del Himno de la Universidad de Concepción a partir de diversas fuentes documentales. Desde un enfoque mixto que recurre a insumos de la historia cultural, la historia local y la microhistoria, se problematizan los modos en que este proceso retrata la configuración de una auto imagen, y el afianzamiento de una relación con sus espacios de influencia. En este devenir, se translucen las fricciones entre la intención de incorporar a la comunidad local y la necesidad de autoafirmarse como referente nacional, permitiendo observar la compleja relación entre la institución, las voluntades que la habitan y la sociedad en general. Mediante este relato, se aspira a enriquecer la historiografía local, proponiendo nuevas perspectivas de reflexión sobre la relación entre la universidad y la comunidad, en sus dimensiones oficial y no oficial. In 1923, the University of Concepción, Chile, started a campaign to create its symbols: coat, motto and anthem. A gesture usually related to the intention of transcending the materiality to build a relationship of identity with the community, representing the purposes and values of each institution. This work narrates the story of the Anthem to University of Concepción using diverse documentary sources. From a mixed approach that appeals the inputs of cultural history, local history and microhistory, the forms in which this process gives an account about the configuration of an institutional image, and the strengthening of a relationship with its spaces of influence are problematized. In this becoming, frictions in the intention to incorporate the local community and the needing of self-affirm as a national reference are revealed, allowing us to observe the complex relationship between the institution, the wills they inhabit and society. By this story, we aspire to enrich the local historiography, proposing new perspectives of thinking on the relationship between the university and the community, in its official and unofficial dimensions. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135790 Objeto de conferencia “Pa’ cuando oigás este tango”: Musicological Contributions to the Study of Tango Song of Alfredo “Tape” Rubín in the XXI Century XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" En este texto, intentaré establecer cuatro ejes principales en el estudio de la trayectoria creativa de Alfredo “Tape” Rubín (compositor, poeta, guitarrista y cantautor argentino). Referente indispensable en gran parte del desarrollo musical del nuevo tango, debido a las numerosas versiones que se han gestado a partir de sus composiciones, abordaré, en primer lugar, su faceta como cantautor de una nueva evocación tanguera, a partir de la búsqueda de los rasgos comunes a una tradición criolla gardeliana. Como segundo eje, exploraré en el contenido y significación de sus letras, posibles de generar tanto expresiones reales y metafóricas de la ciudad, como la manifestación ontológica de una dialéctica de la identidad/alteridad porteña. En tercer lugar, se expondré la factura de sus composiciones, cuyo formato tradicional de cantor con acompañamiento de guitarras se desenvuelve en un lenguaje renovado complejo, que revela procedimientos específicos en el tratamiento de la melodía y la armonía. Por último, expondré algunas posibilidades hermenéuticas para un análisis de las dimensiones que adquiere la práctica de la versión desde sus canciones.; In this text, I will try to establish four main axes in the study of the creative career of Alfredo “Tape” Rubín (Argentine composer, poet, guitarist and singersongwriter). An indispensable reference in much of the musical development of the new tango, due to the numerous versions that have been created from his compositions, I will first address his role as singer-songwriter of a new tango evocation, based on the search for traits common to a Creole Gardelian tradition. As a second axis, I will explore the content and meaning of its lyrics, which are likely to generate both real and metaphorical expressions of the city, as well as the ontological manifestation of a dialectic of Buenos Aires identity/alterity. In the third place, the invoice of his compositions will be exhibited, whose traditional format of cantor accompanied by guitars unfolds in a complex renewed language, which reveals specific procedures in the treatment of melody and harmony. Finally, I will expose some hermeneutic possibilities for an analysis of the dimensions that the practice of covering acquires from its songs. Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135790 2019-01-01T00:00:00Z En este texto, intentaré establecer cuatro ejes principales en el estudio de la trayectoria creativa de Alfredo “Tape” Rubín (compositor, poeta, guitarrista y cantautor argentino). Referente indispensable en gran parte del desarrollo musical del nuevo tango, debido a las numerosas versiones que se han gestado a partir de sus composiciones, abordaré, en primer lugar, su faceta como cantautor de una nueva evocación tanguera, a partir de la búsqueda de los rasgos comunes a una tradición criolla gardeliana. Como segundo eje, exploraré en el contenido y significación de sus letras, posibles de generar tanto expresiones reales y metafóricas de la ciudad, como la manifestación ontológica de una dialéctica de la identidad/alteridad porteña. En tercer lugar, se expondré la factura de sus composiciones, cuyo formato tradicional de cantor con acompañamiento de guitarras se desenvuelve en un lenguaje renovado complejo, que revela procedimientos específicos en el tratamiento de la melodía y la armonía. Por último, expondré algunas posibilidades hermenéuticas para un análisis de las dimensiones que adquiere la práctica de la versión desde sus canciones. In this text, I will try to establish four main axes in the study of the creative career of Alfredo “Tape” Rubín (Argentine composer, poet, guitarist and singersongwriter). An indispensable reference in much of the musical development of the new tango, due to the numerous versions that have been created from his compositions, I will first address his role as singer-songwriter of a new tango evocation, based on the search for traits common to a Creole Gardelian tradition. As a second axis, I will explore the content and meaning of its lyrics, which are likely to generate both real and metaphorical expressions of the city, as well as the ontological manifestation of a dialectic of Buenos Aires identity/alterity. In the third place, the invoice of his compositions will be exhibited, whose traditional format of cantor accompanied by guitars unfolds in a complex renewed language, which reveals specific procedures in the treatment of melody and harmony. Finally, I will expose some hermeneutic possibilities for an analysis of the dimensions that the practice of covering acquires from its songs. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135789 Objeto de conferencia Nation and Music in Uruguay. Work in Progress Report for the Project “Music and Ideas of Identity in Uruguay –Criteria in Two Authoritarian Periods: 19th-Century (1876-1886) and 20th-Century (1973-6/1985)” XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” (La Plata, 23 al 26 de agosto de 2018); https://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/135565; Actas de la XXIII Conferencia de la Asociación Argentina de Musicología y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del Instituto Nacional de Musicología "Carlos Vega" Exposición de resultados parciales del Grupo de Investigación Campo Musicológico en la ejecución del proyecto Música y concepciones de identidad en Uruguay – criterios surcados en dos períodos autoritarios: siglo XIX (1876-1886) y siglo XX (1973-6/1985); trabajo que aborda el estudio sobre nación y música en Uruguay atendiendo a las intersecciones entre el campo musical y el campo político en dos períodos de gobiernos autoritarios separados cronológicamente por un siglo e inscritos en momentos socioculturales diferentes tanto por los modelos de gestión cultural imperantes como por la concepción filosófica paradigmática del positivismo –que pujaba por instalarse durante el primero y que estaba cuestionada hacia el segundo período. Para el siglo XIX se informa sobre: la primera edición de manuscritos (2018) de dos óperas de León Ribeiro [Liropeya (1881) y Colón (1892)]; un estudio en ejecución sobre integración de la población montevideana de origen africano en la vida republicana y su aporte al proyecto de construcción de la nación; y el repertorio musical compuesto para la reforma escolar uruguaya de 1877. Entre los estudios para el siglo XX, se exponen avances sobre Educación Musical y el discurso autoritario de Orientalidad en 1975 [año de celebración del sesquicentenario de la independencia uruguaya (1825)].; Presentation of partial results achieved by the research team Campo Musicológico while implementing the Project Music and Ideas of Identity in Uruguay – Criteria in Two Authoritarian Periods: 19th-Century (1876-1886) and 20th-Century (1973-6/1985). This project inquires into criteria of nation and music in Uruguay. It focuses on interactions between the fields of music and politics a century apart at the time when two authoritarian Uruguayan governments were established. These time periods have different sociocultural characteristics: while Positivism was being assimilated in the former period, it was challenged in the latter. Management of cultural issues was also contrasting. Work in progress is reported on 19th-Century matters regarding the first edition of music manuscripts (2018) from two Operas by León Ribeiro [Liropeya (1881) and Colón (1892)]; the integration of the Montevideo population of African origin into civil movements that contributed to conform a project to build the nation; and music repertoire composed for the 1877 Uruguayan elementary school reform. Among research on 20th-Century topics, it is reported on Music Education related to the authoritarian 1975 cultural campaign slogan Orientalidad to celebrate the 150th-Anniversary of Uruguayan Independence (1825). Tue, 01 Jan 2019 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135789 2019-01-01T00:00:00Z Exposición de resultados parciales del Grupo de Investigación Campo Musicológico en la ejecución del proyecto Música y concepciones de identidad en Uruguay – criterios surcados en dos períodos autoritarios: siglo XIX (1876-1886) y siglo XX (1973-6/1985); trabajo que aborda el estudio sobre nación y música en Uruguay atendiendo a las intersecciones entre el campo musical y el campo político en dos períodos de gobiernos autoritarios separados cronológicamente por un siglo e inscritos en momentos socioculturales diferentes tanto por los modelos de gestión cultural imperantes como por la concepción filosófica paradigmática del positivismo –que pujaba por instalarse durante el primero y que estaba cuestionada hacia el segundo período. Para el siglo XIX se informa sobre: la primera edición de manuscritos (2018) de dos óperas de León Ribeiro [Liropeya (1881) y Colón (1892)]; un estudio en ejecución sobre integración de la población montevideana de origen africano en la vida republicana y su aporte al proyecto de construcción de la nación; y el repertorio musical compuesto para la reforma escolar uruguaya de 1877. Entre los estudios para el siglo XX, se exponen avances sobre Educación Musical y el discurso autoritario de Orientalidad en 1975 [año de celebración del sesquicentenario de la independencia uruguaya (1825)]. Presentation of partial results achieved by the research team Campo Musicológico while implementing the Project Music and Ideas of Identity in Uruguay – Criteria in Two Authoritarian Periods: 19th-Century (1876-1886) and 20th-Century (1973-6/1985). This project inquires into criteria of nation and music in Uruguay. It focuses on interactions between the fields of music and politics a century apart at the time when two authoritarian Uruguayan governments were established. These time periods have different sociocultural characteristics: while Positivism was being assimilated in the former period, it was challenged in the latter. Management of cultural issues was also contrasting. Work in progress is reported on 19th-Century matters regarding the first edition of music manuscripts (2018) from two Operas by León Ribeiro [Liropeya (1881) and Colón (1892)]; the integration of the Montevideo population of African origin into civil movements that contributed to conform a project to build the nation; and music repertoire composed for the 1877 Uruguayan elementary school reform. Among research on 20th-Century topics, it is reported on Music Education related to the authoritarian 1975 cultural campaign slogan Orientalidad to celebrate the 150th-Anniversary of Uruguayan Independence (1825).