http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135722 Fri, 13 Nov 2026 12:22:40 GMT 2026-11-13T12:22:40Z http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135740 Articulo The total war and the historical paintings: farce and tragedy in Goya Arte e Investigación; no. 19 Frente a una representación idealizada de la guerra, el artista Francisco de Goya la presenta como una tragedia desnuda de artificio. Seres anónimos, civiles y militares, sufren y se embrutecen. Sus protagonistas son representados como seres reales, no como héroes. En contraposición se muestran bellas batallas, donde todo es sublime y hermoso. La escenografía del cuadro ilumina a los héroes en forma de victoria alada, incluso disfrazados de generales. Goya también se vale del disfraz y la máscara en algunos de sus retratos, pero precisamente para poner de manifiesto una farsa. Como epílogo, dos obras de artistas contemporáneos que redundan en los argumentos visuales desmitificadores que empleó Goya, con lo que se refuerza la idea de su lucidez y pertinencia actual.; Faced with an idealized depiction of the War, Goya presents it as a tragedy without artifice. Anonymous people, civilians and military, suffer and become brutalized. Its protagonists are depicted as real beings, not like heroes. In contrast, beautiful battles are shown, where everything is sublime and beautiful. Their heroes are illuminated by scenery in the form of a sort of winged victory, even disguised as generals. Goya uses also costume and mask in some of his portraits but just because to unveil a farce. As an epilogue, two works of contemporary artists are related to the demystifying version of Goya’s visual arguments, thereby highlighting his lucidity and current relevance. Sat, 01 May 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135740 2021-05-01T00:00:00Z Frente a una representación idealizada de la guerra, el artista Francisco de Goya la presenta como una tragedia desnuda de artificio. Seres anónimos, civiles y militares, sufren y se embrutecen. Sus protagonistas son representados como seres reales, no como héroes. En contraposición se muestran bellas batallas, donde todo es sublime y hermoso. La escenografía del cuadro ilumina a los héroes en forma de victoria alada, incluso disfrazados de generales. Goya también se vale del disfraz y la máscara en algunos de sus retratos, pero precisamente para poner de manifiesto una farsa. Como epílogo, dos obras de artistas contemporáneos que redundan en los argumentos visuales desmitificadores que empleó Goya, con lo que se refuerza la idea de su lucidez y pertinencia actual. Faced with an idealized depiction of the War, Goya presents it as a tragedy without artifice. Anonymous people, civilians and military, suffer and become brutalized. Its protagonists are depicted as real beings, not like heroes. In contrast, beautiful battles are shown, where everything is sublime and beautiful. Their heroes are illuminated by scenery in the form of a sort of winged victory, even disguised as generals. Goya uses also costume and mask in some of his portraits but just because to unveil a farce. As an epilogue, two works of contemporary artists are related to the demystifying version of Goya’s visual arguments, thereby highlighting his lucidity and current relevance. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135736 Articulo An eternal sticker: appropriation in contemporaneous artistic poster Arte e Investigación; no. 19 En el siguiente artículo nos proponemos indagar sobre el modo en que la práctica artística se apropia del dispositivo afiche y pone en juego su dimensión semiótica y relacional, analizando los procedimientos materiales y retóricos de reelaboración y relocalización implicados en la producción. Asimismo, se profundizará en las transformaciones técnicas, sociales y culturales que favorecieron tal desarrollo. Se considerará, para ello, el caso de la pegatina impulsada por el colectivo Ilusión Gráfica en homenaje al artista Juan Carlos Romero, el 4 de noviembre de 2017 en el marco de la 4.º edición del Festival de Gráfica Contemporánea Presión, celebrado en el centro cultural platense Azul un Ala.; In this paper we explore the way in which artists appropriate the poster device and put its semiotic and relational dimension in motion, also analyzing the material and rhetorical procedures of reinterpretation and relocalization involved in its production. Likewise, the technical, social and cultural transformations that have favored such development will be explored. For this, we will consider a paste-up installation promoted by the collective Ilusión Gráfica in tribute to the artist Juan Carlos Romero, on November 4th 2017, in the context of the 4th edition of the Contemporary Graphic Festival Presión, held in the cultural center Azul un Ala, in La Plata. Sat, 01 May 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135736 2021-05-01T00:00:00Z En el siguiente artículo nos proponemos indagar sobre el modo en que la práctica artística se apropia del dispositivo afiche y pone en juego su dimensión semiótica y relacional, analizando los procedimientos materiales y retóricos de reelaboración y relocalización implicados en la producción. Asimismo, se profundizará en las transformaciones técnicas, sociales y culturales que favorecieron tal desarrollo. Se considerará, para ello, el caso de la pegatina impulsada por el colectivo Ilusión Gráfica en homenaje al artista Juan Carlos Romero, el 4 de noviembre de 2017 en el marco de la 4.º edición del Festival de Gráfica Contemporánea Presión, celebrado en el centro cultural platense Azul un Ala. In this paper we explore the way in which artists appropriate the poster device and put its semiotic and relational dimension in motion, also analyzing the material and rhetorical procedures of reinterpretation and relocalization involved in its production. Likewise, the technical, social and cultural transformations that have favored such development will be explored. For this, we will consider a paste-up installation promoted by the collective Ilusión Gráfica in tribute to the artist Juan Carlos Romero, on November 4th 2017, in the context of the 4th edition of the Contemporary Graphic Festival Presión, held in the cultural center Azul un Ala, in La Plata. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135734 Articulo Two versions of the Latin American in works by M. Etkin and M. Maiguashca Arte e Investigación; no. 19 Asumidos los supuestos de las vanguardias post-seriales, el problema político-estético de los jóvenes creadores que participaron del Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales del Instituto Di Tella ya no fue cómo dominar un modelo siempre externo, sino lograr la diferenciación por medio de un lenguaje propio. Algunos becarios, luego compositores importantes, produjeron músicas y estéticas basadas en una idea de lo latinoamericano fundada en aspectos americanos precolombinos. Se desarrollaron, al menos, dos tendencias: por un lado, la que se constituyó alrededor del uso de referencias indígenas directas y, por el otro, la que las transformó en un componente abstracto o conceptual para el logro de la estructura. En este trabajo se estudian obras y escritos de Mesías Maiguashca y Mariano Etkin, exbecarios del Centro, que representarían paradigmáticamente ambas vertientes.; Being post-serial avant-garde premises assumed, the political-aesthetic problem of the young creators who participated in the Di Tella Institute’s Latin American Center for Advanced Musical Studies was no longer how to dominate an always external model, but to achieve differentiation by means of their own language. Some fellows, later important composers, produced music and aesthetics relied on an idea of the Latin American based on pre-Columbian aspects. At least two trends were developed, one around the use of direct indigenous references, and another that transformed them into an abstract or conceptual component for the structure achievement. This paper analyzes works and writings of Mesías Maiguashca and Mariano Etkin, former fellows of the Center, which would represent paradigmatically both tendencies. Sat, 01 May 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135734 2021-05-01T00:00:00Z Asumidos los supuestos de las vanguardias post-seriales, el problema político-estético de los jóvenes creadores que participaron del Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales del Instituto Di Tella ya no fue cómo dominar un modelo siempre externo, sino lograr la diferenciación por medio de un lenguaje propio. Algunos becarios, luego compositores importantes, produjeron músicas y estéticas basadas en una idea de lo latinoamericano fundada en aspectos americanos precolombinos. Se desarrollaron, al menos, dos tendencias: por un lado, la que se constituyó alrededor del uso de referencias indígenas directas y, por el otro, la que las transformó en un componente abstracto o conceptual para el logro de la estructura. En este trabajo se estudian obras y escritos de Mesías Maiguashca y Mariano Etkin, exbecarios del Centro, que representarían paradigmáticamente ambas vertientes. Being post-serial avant-garde premises assumed, the political-aesthetic problem of the young creators who participated in the Di Tella Institute’s Latin American Center for Advanced Musical Studies was no longer how to dominate an always external model, but to achieve differentiation by means of their own language. Some fellows, later important composers, produced music and aesthetics relied on an idea of the Latin American based on pre-Columbian aspects. At least two trends were developed, one around the use of direct indigenous references, and another that transformed them into an abstract or conceptual component for the structure achievement. This paper analyzes works and writings of Mesías Maiguashca and Mariano Etkin, former fellows of the Center, which would represent paradigmatically both tendencies. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135729 Articulo Made of pellin oak or laurel guardians of Wallmapu Arte e Investigación; no. 19 El artículo realiza una aproximación a la trayectoria de Antonio Paillafil Llancaleo, hacedor de seres ancestrales que se revitalizan en sus creaciones. Se analizan instalaciones, conjuntos escultóricos y obras efectuadas por el tallador que fueron exhibidas en distintas partes del mundo con el objetivo de transmitir su cultura. El protagonista de ellas es el chemamüll (che: ‘gente’ y mamüll: ‘madera’, en mapudungun), ser protector del espíritu de los difuntos a quienes acompañan hasta su destino final junto a sus antepasados. Construidos en roble pellín o laurel, estos tótems de grandes dimensiones son reelaborados por la mano del escultor con la intención de que su historia y sus significaciones no se olviden.; The article makes an approach to the trajectory of Antonio Paillafil Llancaleo, maker of ancestral beings that are revitalized in his creations. Installations, sculptural ensembles and works made by the carver that were exhibited in different parts of the world with the aim of transmitting their culture are analyzed. The protagonist of them is the chemamüll (che: ‘people’ and mamüll: ‘wood’, in Mapudungun), being the protector of the spirit of the deceased whom he accompanies to their final destination along with their ancestors. Built in pellin oak or laurel, these large totems are reworked by the sculptor’s hand with the intention that their history and meanings are not forgotten. Sat, 01 May 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135729 2021-05-01T00:00:00Z El artículo realiza una aproximación a la trayectoria de Antonio Paillafil Llancaleo, hacedor de seres ancestrales que se revitalizan en sus creaciones. Se analizan instalaciones, conjuntos escultóricos y obras efectuadas por el tallador que fueron exhibidas en distintas partes del mundo con el objetivo de transmitir su cultura. El protagonista de ellas es el chemamüll (che: ‘gente’ y mamüll: ‘madera’, en mapudungun), ser protector del espíritu de los difuntos a quienes acompañan hasta su destino final junto a sus antepasados. Construidos en roble pellín o laurel, estos tótems de grandes dimensiones son reelaborados por la mano del escultor con la intención de que su historia y sus significaciones no se olviden. The article makes an approach to the trajectory of Antonio Paillafil Llancaleo, maker of ancestral beings that are revitalized in his creations. Installations, sculptural ensembles and works made by the carver that were exhibited in different parts of the world with the aim of transmitting their culture are analyzed. The protagonist of them is the chemamüll (che: ‘people’ and mamüll: ‘wood’, in Mapudungun), being the protector of the spirit of the deceased whom he accompanies to their final destination along with their ancestors. Built in pellin oak or laurel, these large totems are reworked by the sculptor’s hand with the intention that their history and meanings are not forgotten. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135727 Articulo Latin American inter-gral musical occasions categorical alternatives to decolonize listening Arte e Investigación; no. 19 El presente trabajo se inscribe en el proyecto de investigación denominado "Fundamentos conceptuales para una historia general de las manifestaciones musicales populares en la Larga Duración Histórica" radicado en la Facultad de Humanidades, Artes y Ciencias Sociales de la Universidad Autónoma de Entre Ríos y acreditado para el período 2020- 2023. El mismo se propone revisar las metodologías y conceptos de la historiografía de la música así como sistematizar y generalizar fuentes e indicios que permitan esbozar una historia de las músicas urbanas y profesionales, que desde la modernidad temprana constituyeron la manifestación sonora de las mayorías, tanto en Europa como en la cultura mestiza y transcultural americana. Este trabajo propone revisar la categoría de integralidad y reformularla en términos inter-gralidad como alternativa para nombrar una especificidad sonora latinoamericana.; This work is part of the research project called “Conceptual foundations for a general history of popular musical manifestations in the Long Historical Duration” based at the Faculty of Humanities, Arts and Social Sciences of the Autonomous University of Entre Ríos and accredited for the period 2020-2023. It proposes to review the methodologies and concepts of the historiography of music as well as to systematize and generalize sources and indications that allow sketching a history of urban and professional music, which from early modernity constituted the sound manifestation of the majority, both in Europe and in the mestizo and cross-cultural American culture. This work proposes to review the category of integrality and reformulate it in terms of inter-grality as an alternative to name a Latin American sound specificity. Sat, 01 May 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135727 2021-05-01T00:00:00Z El presente trabajo se inscribe en el proyecto de investigación denominado "Fundamentos conceptuales para una historia general de las manifestaciones musicales populares en la Larga Duración Histórica" radicado en la Facultad de Humanidades, Artes y Ciencias Sociales de la Universidad Autónoma de Entre Ríos y acreditado para el período 2020- 2023. El mismo se propone revisar las metodologías y conceptos de la historiografía de la música así como sistematizar y generalizar fuentes e indicios que permitan esbozar una historia de las músicas urbanas y profesionales, que desde la modernidad temprana constituyeron la manifestación sonora de las mayorías, tanto en Europa como en la cultura mestiza y transcultural americana. Este trabajo propone revisar la categoría de integralidad y reformularla en términos inter-gralidad como alternativa para nombrar una especificidad sonora latinoamericana. This work is part of the research project called “Conceptual foundations for a general history of popular musical manifestations in the Long Historical Duration” based at the Faculty of Humanities, Arts and Social Sciences of the Autonomous University of Entre Ríos and accredited for the period 2020-2023. It proposes to review the methodologies and concepts of the historiography of music as well as to systematize and generalize sources and indications that allow sketching a history of urban and professional music, which from early modernity constituted the sound manifestation of the majority, both in Europe and in the mestizo and cross-cultural American culture. This work proposes to review the category of integrality and reformulate it in terms of inter-grality as an alternative to name a Latin American sound specificity. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135724 Articulo Pippa Bacca through her performance "Sposa in viaggio": analysis of her work and study of the concept verità Arte e Investigación; no. 19 El presente estudio busca contextualizar y poner en valor el trabajo de la artista italiana Pippa Bacca, fallecida en Turquía en el año 2008 durante el desarrollo de la performance "Sposa in Viaggio" - Brides on Tour. Usando como hilo conductor del discurso el concepto de verdad u honestidad en la performance, analizamos esta obra junto al trabajo de conocidos artistas del arte de acción como Marina Abramović, Ana Mendieta, VALIE EXPORT, Chris Burden o Beth Moysés. El proyecto Sposa in Viaggio de Pippa Bacca supone un caso extremo y muy dramático en la historia de la performance de principios del siglo XXI.; Study that seeks to contextualize and value the work of the Italian artist Pippa Bacca, who died in Turkey in 2008 during the development of the performance Sposa in Viaggio - Brides on Tour. Using the concept of truth in performance as the main thread of the discourse, we analyze the project, together with the work of famous artists of action art such as Marina Abramović, Ana Mendieta, VALIE EXPORT, Chris Burden or Beth Moysés. The Sposa in Viaggio project by Pippa Bacca is an extreme and very dramatic case in the performance history of the early 21st century. Sat, 01 May 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/135724 2021-05-01T00:00:00Z El presente estudio busca contextualizar y poner en valor el trabajo de la artista italiana Pippa Bacca, fallecida en Turquía en el año 2008 durante el desarrollo de la performance "Sposa in Viaggio" - Brides on Tour. Usando como hilo conductor del discurso el concepto de verdad u honestidad en la performance, analizamos esta obra junto al trabajo de conocidos artistas del arte de acción como Marina Abramović, Ana Mendieta, VALIE EXPORT, Chris Burden o Beth Moysés. El proyecto Sposa in Viaggio de Pippa Bacca supone un caso extremo y muy dramático en la historia de la performance de principios del siglo XXI. Study that seeks to contextualize and value the work of the Italian artist Pippa Bacca, who died in Turkey in 2008 during the development of the performance Sposa in Viaggio - Brides on Tour. Using the concept of truth in performance as the main thread of the discourse, we analyze the project, together with the work of famous artists of action art such as Marina Abramović, Ana Mendieta, VALIE EXPORT, Chris Burden or Beth Moysés. The Sposa in Viaggio project by Pippa Bacca is an extreme and very dramatic case in the performance history of the early 21st century.