http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161764 Sat, 14 Nov 2026 05:53:52 GMT 2026-11-14T05:53:52Z http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/162006 Objeto de conferencia I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates En este artículo se plantea un análisis y reflexión sobre las estrategias de figuración en el arte argentino contemporáneo, a partir de un ejemplo, la pintura Mis Potosí de Miguel D´Arienzo, en el cual se alude en las imágenes a huellas del pasado y el presente estético latinoamericano. Se puede pensar dentro del marco de los estudios intertextuales e iconológicos críticos, como interformas, pero también y en la perspectiva que trabajamos en equipo, se revisan las nociones de mezcla, mestizaje e hibridación artística, a partir de la noción de yuxtaposición que plantea Silvia Rivera Cusicanqui. Se busca formular una propuesta para el estudio de las relaciones intermediales e intertextuales enmarcadas en una teoría e historia de las Artes decoloniales. Se trata de pensar las relaciones entre las artes del pasado y del presente como modelos de pensamiento, de desplazamiento de motivos y derivas de sentido que permiten poner en crisis un modelo establecido, canonizado y dominante de sucesos históricos conformadores de la identidad.; This article proposes an analysis and reflection on figuration strategies in contemporary Argentinean art, based on an example, the painting Mis Potosí by Miguel D'Arienzo, in which images allude to traces of the Latin American aesthetic past and present. It can be thought within the framework of critical intertextual and iconological studies, as interforms, but also and in the perspective that we work as a team, the notions of mixture, crossbreeding and artistic hybridization are reviewed, from the notion of juxtaposition proposed by Silvia Rivera Cusicanqui. We seek to formulate a proposal for the study of intermedial and intertextual relations framed in a theory and history of decolonial arts. The idea is to think of the relations between the arts of the past and the present as models of thought, of displacement of motifs and drifts of meaning that allow us to put in crisis an established, canonized and dominant model of historical events that shape identity. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/162006 2021-01-01T00:00:00Z En este artículo se plantea un análisis y reflexión sobre las estrategias de figuración en el arte argentino contemporáneo, a partir de un ejemplo, la pintura Mis Potosí de Miguel D´Arienzo, en el cual se alude en las imágenes a huellas del pasado y el presente estético latinoamericano. Se puede pensar dentro del marco de los estudios intertextuales e iconológicos críticos, como interformas, pero también y en la perspectiva que trabajamos en equipo, se revisan las nociones de mezcla, mestizaje e hibridación artística, a partir de la noción de yuxtaposición que plantea Silvia Rivera Cusicanqui. Se busca formular una propuesta para el estudio de las relaciones intermediales e intertextuales enmarcadas en una teoría e historia de las Artes decoloniales. Se trata de pensar las relaciones entre las artes del pasado y del presente como modelos de pensamiento, de desplazamiento de motivos y derivas de sentido que permiten poner en crisis un modelo establecido, canonizado y dominante de sucesos históricos conformadores de la identidad. This article proposes an analysis and reflection on figuration strategies in contemporary Argentinean art, based on an example, the painting Mis Potosí by Miguel D'Arienzo, in which images allude to traces of the Latin American aesthetic past and present. It can be thought within the framework of critical intertextual and iconological studies, as interforms, but also and in the perspective that we work as a team, the notions of mixture, crossbreeding and artistic hybridization are reviewed, from the notion of juxtaposition proposed by Silvia Rivera Cusicanqui. We seek to formulate a proposal for the study of intermedial and intertextual relations framed in a theory and history of decolonial arts. The idea is to think of the relations between the arts of the past and the present as models of thought, of displacement of motifs and drifts of meaning that allow us to put in crisis an established, canonized and dominant model of historical events that shape identity. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/162005 Objeto de conferencia Cata Mórtola de Bianchi: the production of an artist from Boca through a decolonial look (1925-1945) I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates En este trabajo se analizan tres obras de la artista boquense Catalina Mórtola de Bianchi (1889-1966), en el contexto de las vanguardias del Río de la Plata como expresión del compromiso de la artista con su barrio, en cuanto a referencia material y simbólica. En sus obras, la artista produce a partir de una estructura identitaria barrial, que implica no sólo la producción artística sino también la autogestión de los espacios culturales de exhibición a través de los cuales los artistas locales pueden visibilizar su producción, interpelando directamente al público con el que se referencian. Entonces, esta propuesta de análisis ofrece una mirada descolonial que permite, por un lado, recuperar los lineamientos de las fragmentadas políticas culturales que se gestaron en ese momento, democratizadoras del acceso a la producción y circulación del arte y, por otro lado, revisar la situación de una artista desplazada del canon del arte argentino, cuya construcción tradicionalmente colonial invisibiliza la autogestión regional, especialmente la desarrollada por artistas mujeres.; This paper analyzes three works by the artist from Boca, Catalina Mórtola de Bianchi (1889-1966), in the context of the Río de la Plata avant-garde as an expression of the artist's commitment to her neighborhood, in terms of material and symbolic reference. In her works, the artist produces based on a neighborhood identity structure, which implies not only artistic production but also the self-management of cultural exhibition spaces through which local artists can make their production visible, directly addressing the public with which they are referenced. So, this analysis proposal offers a decolonial look that allows, on the one hand, to recover the guidelines of the fragmented cultural policies that were developed at that time, democratizing access to the production and circulation of art and, on the other hand, to review the situation of an artist displaced from the canon of Argentine art, whose traditionally colonial construction makes regional self-management invisible, especially that developed by female artists. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/162005 2021-01-01T00:00:00Z En este trabajo se analizan tres obras de la artista boquense Catalina Mórtola de Bianchi (1889-1966), en el contexto de las vanguardias del Río de la Plata como expresión del compromiso de la artista con su barrio, en cuanto a referencia material y simbólica. En sus obras, la artista produce a partir de una estructura identitaria barrial, que implica no sólo la producción artística sino también la autogestión de los espacios culturales de exhibición a través de los cuales los artistas locales pueden visibilizar su producción, interpelando directamente al público con el que se referencian. Entonces, esta propuesta de análisis ofrece una mirada descolonial que permite, por un lado, recuperar los lineamientos de las fragmentadas políticas culturales que se gestaron en ese momento, democratizadoras del acceso a la producción y circulación del arte y, por otro lado, revisar la situación de una artista desplazada del canon del arte argentino, cuya construcción tradicionalmente colonial invisibiliza la autogestión regional, especialmente la desarrollada por artistas mujeres. This paper analyzes three works by the artist from Boca, Catalina Mórtola de Bianchi (1889-1966), in the context of the Río de la Plata avant-garde as an expression of the artist's commitment to her neighborhood, in terms of material and symbolic reference. In her works, the artist produces based on a neighborhood identity structure, which implies not only artistic production but also the self-management of cultural exhibition spaces through which local artists can make their production visible, directly addressing the public with which they are referenced. So, this analysis proposal offers a decolonial look that allows, on the one hand, to recover the guidelines of the fragmented cultural policies that were developed at that time, democratizing access to the production and circulation of art and, on the other hand, to review the situation of an artist displaced from the canon of Argentine art, whose traditionally colonial construction makes regional self-management invisible, especially that developed by female artists. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/162003 Objeto de conferencia Memes: heterarchical latinamerican utopia. Identity and dubbing in Dragon Ball (2000-2020) I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates Destacamos la importancia de la serie animada japonesa Dragon Ball, de fines del Siglo XX y principios del Siglo XXI, como fuente de elementos indispensables para componer memes, es decir, creaciones de consumo viral en las redes sociales. En nuestra región hispanohablante, este anime trasciende no sólo por sus elementos originales, sino también por el trabajo de actuación de voz de sus intérpretes mexicanos. Sus tonos y frases icónicas se han vuelto en sí mismas un código vinculante, que sigue fomentando una nueva clase de identidad: la comunidad virtual. Entendemos este espacio social de manera heterárquica, donde la igualdad entre sus miembros aumenta, contrarrestando la jerarquía clásica. Su intercambio creativo descentralizado, si bien no anula totalmente la autoridad, reduce las posibilidades de concentrar el poder.; We highlight the importance of the Japanese animated series Dragon Ball, from the end of the 20th century and the beginning of the 21st century, as a source of essential elements to compose memes, that is, creations of viral consumption in social networks. In our Spanish-speaking region, this anime transcends not only for its original elements, but also for the voice acting work of its Mexican interpreters. Its iconic tones and phrases have themselves become a binding code, continuing to foster a new kind of identity: the virtual community. We understand this social space in a heterarchical way, where equality among its members increases, counteracting the classic hierarchy. Their decentralized creative exchange, while not totally nullifying authority, reduces the chances of concentrating power. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/162003 2021-01-01T00:00:00Z Destacamos la importancia de la serie animada japonesa Dragon Ball, de fines del Siglo XX y principios del Siglo XXI, como fuente de elementos indispensables para componer memes, es decir, creaciones de consumo viral en las redes sociales. En nuestra región hispanohablante, este anime trasciende no sólo por sus elementos originales, sino también por el trabajo de actuación de voz de sus intérpretes mexicanos. Sus tonos y frases icónicas se han vuelto en sí mismas un código vinculante, que sigue fomentando una nueva clase de identidad: la comunidad virtual. Entendemos este espacio social de manera heterárquica, donde la igualdad entre sus miembros aumenta, contrarrestando la jerarquía clásica. Su intercambio creativo descentralizado, si bien no anula totalmente la autoridad, reduce las posibilidades de concentrar el poder. We highlight the importance of the Japanese animated series Dragon Ball, from the end of the 20th century and the beginning of the 21st century, as a source of essential elements to compose memes, that is, creations of viral consumption in social networks. In our Spanish-speaking region, this anime transcends not only for its original elements, but also for the voice acting work of its Mexican interpreters. Its iconic tones and phrases have themselves become a binding code, continuing to foster a new kind of identity: the virtual community. We understand this social space in a heterarchical way, where equality among its members increases, counteracting the classic hierarchy. Their decentralized creative exchange, while not totally nullifying authority, reduces the chances of concentrating power. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/162002 Objeto de conferencia Decolonial Disruptions in Racializing Visual Regimes: Claudia Coca and the series "Miscegenation without Paradise" (2009-2019) I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates La siguiente ponencia aborda la problematización de la colonialidad del ver y del ser (Barriendos, 2011; Mignolo, 2010) en las obras Mala raza, de Castas y Mala Raza N° 22 y 23 y Las primeras mezclas y otros cruces de Claudia Coca, pertenecientes a la serie Mestizaje sin Paraíso (2009-2019). El objetivo es mostrar los modos en que la artista pone en cuestión cierta mirada panóptica colonial (Zavala, 1992) subyacente en los imaginarios actuales racializantes, partiendo de la hipótesis de que, por un lado, las obras alteran los regímenes visuales moderno-coloniales a través de prácticas antropofágicas y de anarchivismo (Tello, 2015, 2018). Por otro lado, estas obras ofrecen alternativas de desmarque del orden social global –establecido en la matriz moderna de poder- posibilitando la emergencia de identidades fronterizas y de lo local en términos ch’ixi. Esto es, lo que en lengua aymara refiere a una unidad heterogénea -sociedad, nación, continente, mundo- en la que la diferencia cultural étnica y racial no se funde, sino que se antagoniza o complementa (Rivera Cusicanqui, 2019).; The following paper addresses the problematization of the coloniality of seeing and being (Barriendos, 2011; Mignolo, 2010) in the works Mala raza, de Castas y Mala Raza N° 22 and 23 and Las primeras mezclas and other crossings by Claudia Coca, belonging to the series Mestizaje sin Paraíso (2009-2019). The aim is to show the ways in which the artist questions a certain colonial panoptic gaze (Zavala, 1992) underlying current racializing imaginaries, based on the hypothesis that, on the one hand, the works alter modern-colonial visual regimes through through anthropophagic practices and anarchism (Tello, 2015, 2018). On the other hand, these works offer alternatives to distance themselves from the global social order -established in the modern matrix of power- enabling the emergence of border and local identities in ch'ixi terms. That is, what in the Aymara language refers to a heterogeneous unit -society, nation, continent, world- in which ethnic and racial cultural difference does not merge, but rather antagonizes or complements (Rivera Cusicanqui, 2019). Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/162002 2021-01-01T00:00:00Z La siguiente ponencia aborda la problematización de la colonialidad del ver y del ser (Barriendos, 2011; Mignolo, 2010) en las obras Mala raza, de Castas y Mala Raza N° 22 y 23 y Las primeras mezclas y otros cruces de Claudia Coca, pertenecientes a la serie Mestizaje sin Paraíso (2009-2019). El objetivo es mostrar los modos en que la artista pone en cuestión cierta mirada panóptica colonial (Zavala, 1992) subyacente en los imaginarios actuales racializantes, partiendo de la hipótesis de que, por un lado, las obras alteran los regímenes visuales moderno-coloniales a través de prácticas antropofágicas y de anarchivismo (Tello, 2015, 2018). Por otro lado, estas obras ofrecen alternativas de desmarque del orden social global –establecido en la matriz moderna de poder- posibilitando la emergencia de identidades fronterizas y de lo local en términos ch’ixi. Esto es, lo que en lengua aymara refiere a una unidad heterogénea -sociedad, nación, continente, mundo- en la que la diferencia cultural étnica y racial no se funde, sino que se antagoniza o complementa (Rivera Cusicanqui, 2019). The following paper addresses the problematization of the coloniality of seeing and being (Barriendos, 2011; Mignolo, 2010) in the works Mala raza, de Castas y Mala Raza N° 22 and 23 and Las primeras mezclas and other crossings by Claudia Coca, belonging to the series Mestizaje sin Paraíso (2009-2019). The aim is to show the ways in which the artist questions a certain colonial panoptic gaze (Zavala, 1992) underlying current racializing imaginaries, based on the hypothesis that, on the one hand, the works alter modern-colonial visual regimes through through anthropophagic practices and anarchism (Tello, 2015, 2018). On the other hand, these works offer alternatives to distance themselves from the global social order -established in the modern matrix of power- enabling the emergence of border and local identities in ch'ixi terms. That is, what in the Aymara language refers to a heterogeneous unit -society, nation, continent, world- in which ethnic and racial cultural difference does not merge, but rather antagonizes or complements (Rivera Cusicanqui, 2019). http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/162001 Objeto de conferencia Diálogo entre imagem e teoria para a semiótica da libertação; Dialogue between image and theory for the semiotics of liberation I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates Este trabajo tiene como objetivo analizar dos producciones del artista Bruno Veiga en el intento de trazar caminos para un diálogo convergente entre la serie Suburbio y el término periferia propuesto por Enrique Dussel para resaltar la importancia de la busca por obras que junten las manifestaciones estéticas latinoamericanas. Bruno Veiga se apropia de objectos existentes en el suburbio brasileño y transfórmalos en objeto artístico, retratando los elementos que reflejen la memoria (re)existente en la cultura popular. En el diálogo imagen-teoría, las obras de Bruno Veiga pueden contribuir para la semiótica de la liberación propuesta por Dussel. A través de la lectura de referencias estéticas producidas en nuestro contexto podemos reflejar sobre la forma como América Latina sufrió una invasión cultural que la transformó en “el otro” delante del mundo.; Este trabalho tem como objetivo analisar duas produções fotográficas do artista Bruno Veiga na tentativa de traçar caminhos para um diálogo convergente entre a série Subúrbio e o termo periferia, proposto por Enrique Dussel, para ressaltar a importância da busca por obras que reúnam as manifestações estéticas latino-americanas. Bruno Veiga se apropria de objetos no subúrbio brasileiro e os transforma em objeto artístico, retratando os elementos que refletem a memória (re)existente na cultura popular. No diálogo imagem-teoria, as obras de Bruno Veiga podem contribuir para a semiótica da libertação proposta por Dussel. Através da leitura de referências estéticas produzidas em nosso contexto podemos refletir sobre a forma como a América Latina sofreu uma invasão cultural que a transformou no “o outro” diante do mundo.; This work aims to analyze two photographic productions by the artist Bruno Veiga in an attempt to trace paths to a convergent dialogue between the Subúrbio series and the term periphery, proposed by Enrique Dussel to highlight the importance of the search for works that bring together Latin American aesthetic manifestations. Bruno Veiga appropriates objects in the Brazilian suburb and transforms them into an artistic object, portraying the elements that reflect the memory re-existing in the popular culture. In the image-theory dialogue, Bruno Veiga's works can contribute to the semiotics of liberation proposed by Dussel. By reading aesthetic references produced in our context we can reflect on how as Latin America suffered a cultural invasion that made it "the other" before the world. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/162001 2021-01-01T00:00:00Z Este trabajo tiene como objetivo analizar dos producciones del artista Bruno Veiga en el intento de trazar caminos para un diálogo convergente entre la serie Suburbio y el término periferia propuesto por Enrique Dussel para resaltar la importancia de la busca por obras que junten las manifestaciones estéticas latinoamericanas. Bruno Veiga se apropia de objectos existentes en el suburbio brasileño y transfórmalos en objeto artístico, retratando los elementos que reflejen la memoria (re)existente en la cultura popular. En el diálogo imagen-teoría, las obras de Bruno Veiga pueden contribuir para la semiótica de la liberación propuesta por Dussel. A través de la lectura de referencias estéticas producidas en nuestro contexto podemos reflejar sobre la forma como América Latina sufrió una invasión cultural que la transformó en “el otro” delante del mundo. Este trabalho tem como objetivo analisar duas produções fotográficas do artista Bruno Veiga na tentativa de traçar caminhos para um diálogo convergente entre a série Subúrbio e o termo periferia, proposto por Enrique Dussel, para ressaltar a importância da busca por obras que reúnam as manifestações estéticas latino-americanas. Bruno Veiga se apropria de objetos no subúrbio brasileiro e os transforma em objeto artístico, retratando os elementos que refletem a memória (re)existente na cultura popular. No diálogo imagem-teoria, as obras de Bruno Veiga podem contribuir para a semiótica da libertação proposta por Dussel. Através da leitura de referências estéticas produzidas em nosso contexto podemos refletir sobre a forma como a América Latina sofreu uma invasão cultural que a transformou no “o outro” diante do mundo. This work aims to analyze two photographic productions by the artist Bruno Veiga in an attempt to trace paths to a convergent dialogue between the Subúrbio series and the term periphery, proposed by Enrique Dussel to highlight the importance of the search for works that bring together Latin American aesthetic manifestations. Bruno Veiga appropriates objects in the Brazilian suburb and transforms them into an artistic object, portraying the elements that reflect the memory re-existing in the popular culture. In the image-theory dialogue, Bruno Veiga's works can contribute to the semiotics of liberation proposed by Dussel. By reading aesthetic references produced in our context we can reflect on how as Latin America suffered a cultural invasion that made it "the other" before the world. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161998 Objeto de conferencia Poetics of the collapse An research, a work, a principle of de/archive I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates Poéticas del derrumbe corresponde a una investigación teórico–artística que reflexiona sobre la vinculación Latinoamérica (ex colonias españolas) / España, indagando acerca de como ciertos elementos que han sido impuesto y apropiados durante el colonialismo, siguen operando en la cotidianeidad española, a partir de la colonialidad. Dicha investigación se centra por un lado en el pensamiento subalterno planteado por Silvia Rivera Cusicanqui, y por otro, en las teorías decoloniales desarrolladas desde una perspectiva latinoamericana por autores como Quijano, Mignolo, Grosfoguel, Castro-Gómez, entre otrxs. Dichos planteamientos, en este caso son reflexionadas desde España, y se desarrollan en la práctica artística, dando como resultado diferentes piezas que se vinculan entre sí. La obra artística se estructura sobre tres ejes, tres características fundamentales que construyen la identidad cultural y que están atravesadas por la imposición, dominación y apropiación de una cultura sobre otra. Dichos ejes son el lenguaje: idioma español, las comidas típicas españolas hechas sobre la base de alimentos traídos de América: y por último, la botánica: plantas y árboles traídos de América en vínculo a la figura del invernadero. La investigación, aún en desarrollo, pretende realizar un aporte a la consciencia crítica, repensando la articulación de la práctica artística como espacio pedagógico y de pensamiento, a partir del lugar que ocupa la imagen. La obra en su totalidad se plantea, contemplando todos sus ejes, como un archivo afectivo, experiencial, portátil y efímero; que principalmente se desarrolla a partir de la creación y la revisión de relatos hegemónicos que han sido reprimidos e ignorados históricamente. Poniendo en cuestión, a su vez, las formas contemporáneas de hacer y pensar desde lo artístico, donde se sigue respondiendo a un sistema de valores impuesto por la historia del arte europea. Respecto a esto, es importante el lugar que ocupa el cuerpo y la acción del espectador frente a las piezas desarrollas en "Poéticas del derrumbe", y la tensión respecto a formalizar piezas efímeras dentro del concepto histórico de archivo.; Poetics of collapse corresponds to theoretical-artistic research that reflects on the Latin American (former Spanish colonies) / Spain link, inquiring about how certain elements that have been imposed and appropriated during colonialism, continue to operate in the Spanish everyday life, based on coloniality. This research focuses on the one hand on the subaltern thought proposed by Silvia Rivera Cusicanqui, and on the other hand, on the decolonial theories developed from a Latin American perspective by authors such as Quijano, Mignolo, Grosfoguel, Castro-Gómez, among others. These approaches, in this case are reflected from Spain, and are developed in the artistic practice, resulting in different pieces that are linked to each other. The artistic work is structured on three axes, three fundamental characteristics that build cultural identity and that are crossed by the imposition, domination and appropriation of one culture over another. These axes are language: Spanish language, typical Spanish foods made on the basis of food brought from America: and finally, botany: plants and trees brought from America in connection with the figure of the greenhouse. The research, still in development, aims to make a contribution to critical consciousness, rethinking the articulation of artistic practice as a pedagogical and thinking space, from the place occupied by the image. The work in its entirety is proposed, contemplating all its axes, as an affective, experiential, portable and ephemeral archive; which is mainly developed from the creation and revision of hegemonic stories that have been historically repressed and ignored. Questioning, in turn, the contemporary ways of doing and thinking from the artistic, where it continues to respond to a value system imposed by the history of European art. In this regard, it is important the place occupied by the body and the spectator's action in front of the pieces developed in "Poetics of collapse", and the tension regarding the formalization of ephemeral pieces within the historical concept of archive. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161998 2021-01-01T00:00:00Z Poéticas del derrumbe corresponde a una investigación teórico–artística que reflexiona sobre la vinculación Latinoamérica (ex colonias españolas) / España, indagando acerca de como ciertos elementos que han sido impuesto y apropiados durante el colonialismo, siguen operando en la cotidianeidad española, a partir de la colonialidad. Dicha investigación se centra por un lado en el pensamiento subalterno planteado por Silvia Rivera Cusicanqui, y por otro, en las teorías decoloniales desarrolladas desde una perspectiva latinoamericana por autores como Quijano, Mignolo, Grosfoguel, Castro-Gómez, entre otrxs. Dichos planteamientos, en este caso son reflexionadas desde España, y se desarrollan en la práctica artística, dando como resultado diferentes piezas que se vinculan entre sí. La obra artística se estructura sobre tres ejes, tres características fundamentales que construyen la identidad cultural y que están atravesadas por la imposición, dominación y apropiación de una cultura sobre otra. Dichos ejes son el lenguaje: idioma español, las comidas típicas españolas hechas sobre la base de alimentos traídos de América: y por último, la botánica: plantas y árboles traídos de América en vínculo a la figura del invernadero. La investigación, aún en desarrollo, pretende realizar un aporte a la consciencia crítica, repensando la articulación de la práctica artística como espacio pedagógico y de pensamiento, a partir del lugar que ocupa la imagen. La obra en su totalidad se plantea, contemplando todos sus ejes, como un archivo afectivo, experiencial, portátil y efímero; que principalmente se desarrolla a partir de la creación y la revisión de relatos hegemónicos que han sido reprimidos e ignorados históricamente. Poniendo en cuestión, a su vez, las formas contemporáneas de hacer y pensar desde lo artístico, donde se sigue respondiendo a un sistema de valores impuesto por la historia del arte europea. Respecto a esto, es importante el lugar que ocupa el cuerpo y la acción del espectador frente a las piezas desarrollas en "Poéticas del derrumbe", y la tensión respecto a formalizar piezas efímeras dentro del concepto histórico de archivo. Poetics of collapse corresponds to theoretical-artistic research that reflects on the Latin American (former Spanish colonies) / Spain link, inquiring about how certain elements that have been imposed and appropriated during colonialism, continue to operate in the Spanish everyday life, based on coloniality. This research focuses on the one hand on the subaltern thought proposed by Silvia Rivera Cusicanqui, and on the other hand, on the decolonial theories developed from a Latin American perspective by authors such as Quijano, Mignolo, Grosfoguel, Castro-Gómez, among others. These approaches, in this case are reflected from Spain, and are developed in the artistic practice, resulting in different pieces that are linked to each other. The artistic work is structured on three axes, three fundamental characteristics that build cultural identity and that are crossed by the imposition, domination and appropriation of one culture over another. These axes are language: Spanish language, typical Spanish foods made on the basis of food brought from America: and finally, botany: plants and trees brought from America in connection with the figure of the greenhouse. The research, still in development, aims to make a contribution to critical consciousness, rethinking the articulation of artistic practice as a pedagogical and thinking space, from the place occupied by the image. The work in its entirety is proposed, contemplating all its axes, as an affective, experiential, portable and ephemeral archive; which is mainly developed from the creation and revision of hegemonic stories that have been historically repressed and ignored. Questioning, in turn, the contemporary ways of doing and thinking from the artistic, where it continues to respond to a value system imposed by the history of European art. In this regard, it is important the place occupied by the body and the spectator's action in front of the pieces developed in "Poetics of collapse", and the tension regarding the formalization of ephemeral pieces within the historical concept of archive. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161997 Objeto de conferencia Weaving memory(s). The Audiovisual as (re) constructor of the collective memory of the invisible Colombia I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates Las sociedades contemporáneas se encuentran atravesadas por los lenguajes audiovisuales éstos se han configurado en el transcurrir del tiempo como herramientas dominantes para el conocimiento del pasado. Pero solo algunos sectores de la sociedad han tenido acceso a estos lenguajes la reescritura del pasado fue quedando, así, segmentada, dejando en la periferia a algunas comunidades, como los pueblos indígenas. Partiremos del documental Testigos de un etnocidio: Memorias de Resistencia (2007-2011) de la directora colombiana Marta Rodríguez, para indagar sobre las estrategias audiovisuales que utiliza la realizadora en pos de reconstruir la memoria colectiva de los pueblos indígenas de Colombia. A partir de diferentes modalidades de representación. Es así como el lenguaje audiovisual se puede resignificar, en tanto herramienta de resistencia y transformación social.; Contemporary societies are traversed by audiovisual languages, these have been configured over time as dominant tools for knowledge of the past. But only some sectors of society have had access to these languages, the rewriting of the past was thus becoming segmented, leaving some communities, such as indigenous peoples, on the periphery. We will start from the documentary Witnesses of an ethnocide: Memories of Resistance (2007-2011) by the Colombian director Marta Rodríguez, to inquire about the audiovisual strategies used by the filmmaker in order to reconstruct the collective memory of the indigenous peoples of Colombia. From different modalities of representation. This is how the audiovisual language can be resignified, as a tool of resistance and social transformation. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161997 2021-01-01T00:00:00Z Las sociedades contemporáneas se encuentran atravesadas por los lenguajes audiovisuales éstos se han configurado en el transcurrir del tiempo como herramientas dominantes para el conocimiento del pasado. Pero solo algunos sectores de la sociedad han tenido acceso a estos lenguajes la reescritura del pasado fue quedando, así, segmentada, dejando en la periferia a algunas comunidades, como los pueblos indígenas. Partiremos del documental Testigos de un etnocidio: Memorias de Resistencia (2007-2011) de la directora colombiana Marta Rodríguez, para indagar sobre las estrategias audiovisuales que utiliza la realizadora en pos de reconstruir la memoria colectiva de los pueblos indígenas de Colombia. A partir de diferentes modalidades de representación. Es así como el lenguaje audiovisual se puede resignificar, en tanto herramienta de resistencia y transformación social. Contemporary societies are traversed by audiovisual languages, these have been configured over time as dominant tools for knowledge of the past. But only some sectors of society have had access to these languages, the rewriting of the past was thus becoming segmented, leaving some communities, such as indigenous peoples, on the periphery. We will start from the documentary Witnesses of an ethnocide: Memories of Resistance (2007-2011) by the Colombian director Marta Rodríguez, to inquire about the audiovisual strategies used by the filmmaker in order to reconstruct the collective memory of the indigenous peoples of Colombia. From different modalities of representation. This is how the audiovisual language can be resignified, as a tool of resistance and social transformation. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161996 Objeto de conferencia Between the international and the local: Discourses and debates of a disputed space Visual Arts at the Summer School-1962 of the University of Concepción (Chile) I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates La presente ponencia tiene por objetivo exponer desde un análisis crítico el contexto en el cual se desarrolló Festival de Artes Plásticas en el marco de la Escuela de Verano de 1962 de la Universidad de Concepción (Chile), siendo la última versión dirigida por el poeta chileno Gonzalo Rojas. La versión de la escuela estival en cuestión tuvo un marco a través del título 'América en el Mundo', con dos momentos: 'Imagen de América Latina' e 'Imagen del Hombre Actual'. En el caso de las Artes Visuales, la exposición denominada 'Festival de Artes Plásticas' contó con obras de artistas latinoamericanos, tales como el brasileño Bruno Giorgi o los chilenos Roberto Matta y Nemesio Antúnez (quien fundará la Bienal Americana de Grabado, que en 1963 tuviera su primera versión). Por lo tanto, el 'Festival' formaría parte de un contexto donde la pregunta por una América en un momento en que Latinoamérica busca un rumbo propio en plena guerra fría. Buscando proponer un espacio distinto, tanto de la injerencia norteamericana (Fox, C. F., 2016); y del modelo de modernidad desde los postulados de la historiadora del arte argentina Marta Traba, a través de dos de sus trabajos críticos: Arte latinoamericano actual (1972) y Dos décadas vulnerables en las artes plásticas latinoamericanas, 1950- 1970 (2005). En un momento donde Latinoamérica atraviesa procesos de transformación en distintos campos, como son el político, social, económico y cultural, los postulados de Traba en torno a “colonia artística” (Traba, 1972) y área cerrada y abierta (Cfr. Traba, 2005), nos permitirá comprender el fenómeno acontecido en el mes de enero de 1962 al sur de Chile como un espacio en disputa de discursos en las artes visuales entre lo internacional y lo local.; The purpose of this paper is to present a critical analysis of the context in which the Plastic Arts Festival was developed within the framework of the 1962 Summer School of the University of Concepcion (Chile), the last version of which was directed by Chilean poet Gonzalo Rojas. The version of the summer school in question had a framework through the title 'America in the World', with two moments: 'Image of Latin America' and 'Image of the Present Man'. In the case of the Visual Arts, the exhibition called 'Festival of Plastic Arts' featured works by Latin American artists, such as Brazil's Bruno Giorgi or Chile's Roberto Matta and Nemesio Antúnez (who founded the American Biennial of Engraving, which had its first version in 1963). Therefore, the 'Festival' would be part of a context where the question for an America at a time when Latin America seeks its own course in the midst of the cold war. Seeking to propose a different space, both from the North American interference (Fox, C. F., 2016); and from the model of modernity from the postulates of the Argentine art historian Marta Traba, through two of her critical works: Arte latinoamericano actual (1972) and Dos décadas vulnerables en las artes plásticas latinoamericanas, 1950- 1970 (2005). At a time when Latin America is going through transformation processes in different fields, such as political, social, economic and cultural, Traba's postulates on "artistic colony" (Traba, 1972) and closed and open area (Cfr. Traba, 2005), will allow us to understand the phenomenon that took place in January 1962 in southern Chile as a space in dispute of discourses in the visual arts between the international and the local. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161996 2021-01-01T00:00:00Z La presente ponencia tiene por objetivo exponer desde un análisis crítico el contexto en el cual se desarrolló Festival de Artes Plásticas en el marco de la Escuela de Verano de 1962 de la Universidad de Concepción (Chile), siendo la última versión dirigida por el poeta chileno Gonzalo Rojas. La versión de la escuela estival en cuestión tuvo un marco a través del título 'América en el Mundo', con dos momentos: 'Imagen de América Latina' e 'Imagen del Hombre Actual'. En el caso de las Artes Visuales, la exposición denominada 'Festival de Artes Plásticas' contó con obras de artistas latinoamericanos, tales como el brasileño Bruno Giorgi o los chilenos Roberto Matta y Nemesio Antúnez (quien fundará la Bienal Americana de Grabado, que en 1963 tuviera su primera versión). Por lo tanto, el 'Festival' formaría parte de un contexto donde la pregunta por una América en un momento en que Latinoamérica busca un rumbo propio en plena guerra fría. Buscando proponer un espacio distinto, tanto de la injerencia norteamericana (Fox, C. F., 2016); y del modelo de modernidad desde los postulados de la historiadora del arte argentina Marta Traba, a través de dos de sus trabajos críticos: Arte latinoamericano actual (1972) y Dos décadas vulnerables en las artes plásticas latinoamericanas, 1950- 1970 (2005). En un momento donde Latinoamérica atraviesa procesos de transformación en distintos campos, como son el político, social, económico y cultural, los postulados de Traba en torno a “colonia artística” (Traba, 1972) y área cerrada y abierta (Cfr. Traba, 2005), nos permitirá comprender el fenómeno acontecido en el mes de enero de 1962 al sur de Chile como un espacio en disputa de discursos en las artes visuales entre lo internacional y lo local. The purpose of this paper is to present a critical analysis of the context in which the Plastic Arts Festival was developed within the framework of the 1962 Summer School of the University of Concepcion (Chile), the last version of which was directed by Chilean poet Gonzalo Rojas. The version of the summer school in question had a framework through the title 'America in the World', with two moments: 'Image of Latin America' and 'Image of the Present Man'. In the case of the Visual Arts, the exhibition called 'Festival of Plastic Arts' featured works by Latin American artists, such as Brazil's Bruno Giorgi or Chile's Roberto Matta and Nemesio Antúnez (who founded the American Biennial of Engraving, which had its first version in 1963). Therefore, the 'Festival' would be part of a context where the question for an America at a time when Latin America seeks its own course in the midst of the cold war. Seeking to propose a different space, both from the North American interference (Fox, C. F., 2016); and from the model of modernity from the postulates of the Argentine art historian Marta Traba, through two of her critical works: Arte latinoamericano actual (1972) and Dos décadas vulnerables en las artes plásticas latinoamericanas, 1950- 1970 (2005). At a time when Latin America is going through transformation processes in different fields, such as political, social, economic and cultural, Traba's postulates on "artistic colony" (Traba, 1972) and closed and open area (Cfr. Traba, 2005), will allow us to understand the phenomenon that took place in January 1962 in southern Chile as a space in dispute of discourses in the visual arts between the international and the local. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161994 Objeto de conferencia From here, bank I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates "De acá, banco". Se trata de una producción colaborativa realizada año a año desde 2014 con los estudiantes del Seminario de Comunicación Visual a partir de observar y poner en cuestión los bancos de fotografías digitales disponibles en el universo de internet. Dichos bancos de imágenes proporcionan a los diseñadores parte del insumo gráfico para la realización de sus piezas comunicacionales. Garantizando una gran calidad fotográfica desde un punto de vista técnico y agilizando el trabajo, ofrecen e instalan en realidad un catálogo de estereotipos de nuestra vida aceptados y legitimados socialmente. Así se inicia una etapa de reproducción visual y afianzamiento de una construcción de sentido hegemónico. ¿Por qué utilizar esas imágenes y no generar las propias? Esta producción de un nuevo banco, que toma las categorías de familia, belleza, entretenimiento, vacaciones y trabajo, es un proceso centrado en la desnaturalización de la mirada y la construcción de subjetividades. Lo importante no es solo develar el significado de las imágenes, sino develar las complicidades entre el poder y las imágenes al verlas como conformadoras de actitudes, creencias y valores. Apunta a descubrir aquellas representaciones con valor colonizante, desmantelar sus significaciones y ponerlas en relación a la creación de identidades representativas de nuestro carácter como sujetos de esta nación y de este tiempo, en el intento de construir lo que llamo soberanía visual.; "From here, bank". It is a collaborative production carried out year after year since 2014 with the students of the Visual Communication Seminar from observing and questioning the banks of digital photographs available in the internet universe. These image banks provide designers with part of the graphic input for the realization of their communication pieces. Guaranteeing great photographic quality from a technical point of view and speeding up the work, they actually offer and install a catalog of socially accepted and legitimized stereotypes of our lives. Thus begins a stage of visual reproduction and consolidation of a hegemonic construction of meaning. Why use those images and not generate your own? This production of a new bank, which takes the categories of family, beauty, entertainment, vacations and work, is a process focused on the denaturalization of the gaze and the construction of subjectivities. The important thing is not only to reveal the meaning of the images, but also to reveal the complicity between power and images by seeing them as shapers of attitudes, beliefs and values. It aims to discover those representations with colonizing value, dismantle their meanings and put them in relation to the creation of representative identities of our character as subjects of this nation and of this time, in the attempt to build what I call visual sovereignty. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161994 2021-01-01T00:00:00Z "De acá, banco". Se trata de una producción colaborativa realizada año a año desde 2014 con los estudiantes del Seminario de Comunicación Visual a partir de observar y poner en cuestión los bancos de fotografías digitales disponibles en el universo de internet. Dichos bancos de imágenes proporcionan a los diseñadores parte del insumo gráfico para la realización de sus piezas comunicacionales. Garantizando una gran calidad fotográfica desde un punto de vista técnico y agilizando el trabajo, ofrecen e instalan en realidad un catálogo de estereotipos de nuestra vida aceptados y legitimados socialmente. Así se inicia una etapa de reproducción visual y afianzamiento de una construcción de sentido hegemónico. ¿Por qué utilizar esas imágenes y no generar las propias? Esta producción de un nuevo banco, que toma las categorías de familia, belleza, entretenimiento, vacaciones y trabajo, es un proceso centrado en la desnaturalización de la mirada y la construcción de subjetividades. Lo importante no es solo develar el significado de las imágenes, sino develar las complicidades entre el poder y las imágenes al verlas como conformadoras de actitudes, creencias y valores. Apunta a descubrir aquellas representaciones con valor colonizante, desmantelar sus significaciones y ponerlas en relación a la creación de identidades representativas de nuestro carácter como sujetos de esta nación y de este tiempo, en el intento de construir lo que llamo soberanía visual. "From here, bank". It is a collaborative production carried out year after year since 2014 with the students of the Visual Communication Seminar from observing and questioning the banks of digital photographs available in the internet universe. These image banks provide designers with part of the graphic input for the realization of their communication pieces. Guaranteeing great photographic quality from a technical point of view and speeding up the work, they actually offer and install a catalog of socially accepted and legitimized stereotypes of our lives. Thus begins a stage of visual reproduction and consolidation of a hegemonic construction of meaning. Why use those images and not generate your own? This production of a new bank, which takes the categories of family, beauty, entertainment, vacations and work, is a process focused on the denaturalization of the gaze and the construction of subjectivities. The important thing is not only to reveal the meaning of the images, but also to reveal the complicity between power and images by seeing them as shapers of attitudes, beliefs and values. It aims to discover those representations with colonizing value, dismantle their meanings and put them in relation to the creation of representative identities of our character as subjects of this nation and of this time, in the attempt to build what I call visual sovereignty. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161992 Objeto de conferencia Analysis of the MAFIA photograph. A look within the framework of decoloniality I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates El presente trabajo busca analizar parte de la producción de MAFIA (Movimiento Argentino de Fotógrafos Autoconvocados) particularmente las piezas que componen los ensayos fotográficos “Bartolina XiXa” y “Arde” publicadas en el sitio oficial del grupo. La investigación pretende mostrar las tensiones entre los modos de visibilización de ciertas problemáticas y el recorte que hacen los artistas. La mirada está condicionada, está atravesada por un modo de ver, pero a su vez el trabajo del grupo da cuenta de la existencia de determinados sectores y situaciones que de otro modo permanecerían silenciados. Es decir, que el análisis propuesto indagará en las contradicciones en estos ensayos que buscan generar operaciones de denuncia, legitimación y visibilización de nuevas subjetividades y de la crisis medioambiental.; The present work seeks to analyze part of the production of MAFIA (Argentine Movement of Self-Convocated Photographers), particularly the pieces that make up the photographic essays "Bartolina XiXa" and "Arde" published on the group's official site. The research aims to show the tensions between the ways of making certain problems visible and the cuts made by artists. The look is conditioned, it is traversed by a way of seeing, but at the same time the group's work reveals the existence of certain sectors and situations that would otherwise remain silenced. In other words, the proposed analysis will investigate the contradictions in these essays that seek to generate operations to denounce, legitimize and make visible new subjectivities and the environmental crisis. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161992 2021-01-01T00:00:00Z El presente trabajo busca analizar parte de la producción de MAFIA (Movimiento Argentino de Fotógrafos Autoconvocados) particularmente las piezas que componen los ensayos fotográficos “Bartolina XiXa” y “Arde” publicadas en el sitio oficial del grupo. La investigación pretende mostrar las tensiones entre los modos de visibilización de ciertas problemáticas y el recorte que hacen los artistas. La mirada está condicionada, está atravesada por un modo de ver, pero a su vez el trabajo del grupo da cuenta de la existencia de determinados sectores y situaciones que de otro modo permanecerían silenciados. Es decir, que el análisis propuesto indagará en las contradicciones en estos ensayos que buscan generar operaciones de denuncia, legitimación y visibilización de nuevas subjetividades y de la crisis medioambiental. The present work seeks to analyze part of the production of MAFIA (Argentine Movement of Self-Convocated Photographers), particularly the pieces that make up the photographic essays "Bartolina XiXa" and "Arde" published on the group's official site. The research aims to show the tensions between the ways of making certain problems visible and the cuts made by artists. The look is conditioned, it is traversed by a way of seeing, but at the same time the group's work reveals the existence of certain sectors and situations that would otherwise remain silenced. In other words, the proposed analysis will investigate the contradictions in these essays that seek to generate operations to denounce, legitimize and make visible new subjectivities and the environmental crisis. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161912 Objeto de conferencia When “God and country demand it”: body, nation and performativity in the queer (im)possibility of Argentine “folklore” I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates En los últimos años, nuestras músicas y danzas populares se vieron interpeladas respecto de su prescripción a ciertos roles danzarios correspondientes con identidades de sexo y género, que comenzaron a resultar “estrechas” frente a las lógicas (queer) habilitadas por el feminismo contemporáneo y la decantación de los axiomas modernos. De manera particular, en este proceso, las músicas “folklóricas” que son producto de las modernidades latinoamericanas, y que por lo tanto arrastran con los valores que emanan de la heteronormatividad y la moralidad cristiana, parecieran mantenerse reticentes a estas “innovaciones”. En tanto pilares constitutivos de la imaginería gauchesca y criollista, estas formaciones nacionales encarnadas en el “folklore” argentino, auguran la (im)posibilidad queer de este complejo performático-genérico cuando dejan en los márgenes de la performance (o directamente excluidas de la misma) a las nuevas inscripciones sexo-genéricas y/o prácticas que apuntan a deshacer el género. (Re)inscriptas en la danza por medio de la subversión coreográfica, estas nuevas inscripciones queer parecieran atentar contra el núcleo duro de la música “nacional”, ya sea destituyendo modelos de femineidad y masculinidad socialmente aceptados (y otrora en correspondencia con “dios y la patria”), para acompañar nuevos procesos de subjetivación política y creación colectiva post-bicentenarios. Partiendo de observaciones participantes, entrevistas, y también del material mediático que es producido por mujeres músicas dedicadas al “folklore” y la participación radical como músico, es que en el presente trabajo me sirvo entonces del bagaje desarrollado por la antropología del cuerpo y la performance para analizar estos nuevos bordes del sexo y el género que en otros circuitos de la música se ven habilitados, y que para el circuito “tradicional” de festivales de “folklore argentino” resultan improbables en tanto éste se yergue en dichos espacios como emblema principal del mito fundacional “gauchesco” que ha sido propio de la nación moderna.; In recent years, our popular music and dances have been challenged with respect to their prescription of certain dance roles corresponding to sex and gender identities that began to become "narrow" in the face of the (queer) logics enabled by contemporary feminism and the decanting of modern axioms. Particularly, in this process, the "folk" musics that are the product of Latin American modernities, and therefore carry with them the values emanating from heteronormativity and Christian morality, seem to remain reticent to these "innovations". As constitutive pillars of gaucho and criollo imagery, these national formations embodied in Argentine "folklore", augur the queer (im)possibility of this performative-gender complex when they leave on the margins of performance (or directly excluded from it) the new sex-gender inscriptions and/or practices that aim at undoing gender. (Re)inscribed in dance through choreographic subversion, these new queer inscriptions seem to attack the hard core of "national" music, either by dismissing socially accepted models of femininity and masculinity (once in correspondence with "god and country"), or by accompanying new processes of political subjectivation and post-bicentennial collective creation. Based on participant observations, interviews, and also on media material produced by women musicians dedicated to "folklore" and radical participation as musicians, is that in the present work I make use of the baggage developed by the anthropology of the body and performance to analyze these new borders of sex and gender that in other circuits of music are enabled and that for the "traditional" circuit of festivals of "Argentine folklore" are improbable as it stands in these spaces as the main emblem of the "gaucho" foundational myth that has been typical of the modern nation. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161912 2021-01-01T00:00:00Z En los últimos años, nuestras músicas y danzas populares se vieron interpeladas respecto de su prescripción a ciertos roles danzarios correspondientes con identidades de sexo y género, que comenzaron a resultar “estrechas” frente a las lógicas (queer) habilitadas por el feminismo contemporáneo y la decantación de los axiomas modernos. De manera particular, en este proceso, las músicas “folklóricas” que son producto de las modernidades latinoamericanas, y que por lo tanto arrastran con los valores que emanan de la heteronormatividad y la moralidad cristiana, parecieran mantenerse reticentes a estas “innovaciones”. En tanto pilares constitutivos de la imaginería gauchesca y criollista, estas formaciones nacionales encarnadas en el “folklore” argentino, auguran la (im)posibilidad queer de este complejo performático-genérico cuando dejan en los márgenes de la performance (o directamente excluidas de la misma) a las nuevas inscripciones sexo-genéricas y/o prácticas que apuntan a deshacer el género. (Re)inscriptas en la danza por medio de la subversión coreográfica, estas nuevas inscripciones queer parecieran atentar contra el núcleo duro de la música “nacional”, ya sea destituyendo modelos de femineidad y masculinidad socialmente aceptados (y otrora en correspondencia con “dios y la patria”), para acompañar nuevos procesos de subjetivación política y creación colectiva post-bicentenarios. Partiendo de observaciones participantes, entrevistas, y también del material mediático que es producido por mujeres músicas dedicadas al “folklore” y la participación radical como músico, es que en el presente trabajo me sirvo entonces del bagaje desarrollado por la antropología del cuerpo y la performance para analizar estos nuevos bordes del sexo y el género que en otros circuitos de la música se ven habilitados, y que para el circuito “tradicional” de festivales de “folklore argentino” resultan improbables en tanto éste se yergue en dichos espacios como emblema principal del mito fundacional “gauchesco” que ha sido propio de la nación moderna. In recent years, our popular music and dances have been challenged with respect to their prescription of certain dance roles corresponding to sex and gender identities that began to become "narrow" in the face of the (queer) logics enabled by contemporary feminism and the decanting of modern axioms. Particularly, in this process, the "folk" musics that are the product of Latin American modernities, and therefore carry with them the values emanating from heteronormativity and Christian morality, seem to remain reticent to these "innovations". As constitutive pillars of gaucho and criollo imagery, these national formations embodied in Argentine "folklore", augur the queer (im)possibility of this performative-gender complex when they leave on the margins of performance (or directly excluded from it) the new sex-gender inscriptions and/or practices that aim at undoing gender. (Re)inscribed in dance through choreographic subversion, these new queer inscriptions seem to attack the hard core of "national" music, either by dismissing socially accepted models of femininity and masculinity (once in correspondence with "god and country"), or by accompanying new processes of political subjectivation and post-bicentennial collective creation. Based on participant observations, interviews, and also on media material produced by women musicians dedicated to "folklore" and radical participation as musicians, is that in the present work I make use of the baggage developed by the anthropology of the body and performance to analyze these new borders of sex and gender that in other circuits of music are enabled and that for the "traditional" circuit of festivals of "Argentine folklore" are improbable as it stands in these spaces as the main emblem of the "gaucho" foundational myth that has been typical of the modern nation. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161910 Objeto de conferencia Colonialism in instrumental training: modern, current methods and their pedagogical implications in the conservatory model I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates El presente trabajo indaga sobre la formación musical dada a partir de un instrumento como medio de producción, en el contexto de los conservatorios de la provincia de Buenos Aires. En este caso, elegimos la guitarra por dos cuestiones: su considerable impacto en la matrícula institucional, y que los tópicos aquí planteados podrían ser trasladados a los demás instrumentos tradicionales, dado que los posicionamientos pedagógicos provienen de formas de conocimiento equivalentes. En tal sentido, nuestra hipótesis es que la matriz de formación instrumental está sostenida por paradigmas anclados en una corriente educativa positivista, que mide al estudiante en términos pretendidamente objetivos a través de avances en el campo mecánico y técnico, que, además, se sostienen a través de una colonización cultural y epistémica que, invisibilizada en la tradición, se perpetúa. Para indagar las propuestas de formación, analizaremos dos tipos de insumos que consideramos sumamente relevantes, dado que ambos tienen impacto directo en las trayectorias de las y los estudiantes. En primer lugar, los programas oficiales de estudio, que conforman el diseño curricular institucional e incluyen los contenidos que el estudiante debe transitar e incorporar durante su trayecto de formación. Además, proponemos un análisis sobre las obras teóricas especificadas en los programas de estudio, que sostienen el sistema pedagógico instrumental que abordamos en este trabajo. Nuestro enfoque implica poner en tensión la actual pedagogía instrumental en estos contextos, que aborde las subjetividades –a nuestro criterio– reprimidas, que cuestione la axiología de la modernidad, la racionalidad y una apertura hacia un posible nuevo camino (neo-odós) hacia la decolonialidad del arte latinoamericano.; This paper investigates the musical training given from an instrument as a means of production, in the context of conservatories in the province of Buenos Aires. In this case, we chose the guitar for two reasons: its considerable impact on institutional enrollment, and that the topics raised here could be transferred to other traditional instruments, since the pedagogical positions come from equivalent forms of knowledge. In this sense, our hypothesis is that the instrumental training matrix is sustained by paradigms anchored in a positivist educational current, which measures the student in supposedly objective terms through advances in the mechanical and technical field, which, in addition, are sustained through a cultural and epistemic colonization that, invisibilized in tradition, is perpetuated. In order to investigate the training proposals, we will analyze two types of inputs that we consider extremely relevant, since both have a direct impact on the students' trajectories. In the first place, the official study programs, which make up the institutional curricular design and include the contents that the student must go through and incorporate during his or her educational path. In addition, we propose an analysis of the theoretical works specified in the study programs, which support the instrumental pedagogical system that we address in this paper. Our approach implies putting in tension the current instrumental pedagogy in these contexts, addressing the subjectivities -in our opinion- repressed, questioning the axiology of modernity, rationality and an opening towards a possible new path (neo-odos) towards the decoloniality of Latin American art. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161910 2021-01-01T00:00:00Z El presente trabajo indaga sobre la formación musical dada a partir de un instrumento como medio de producción, en el contexto de los conservatorios de la provincia de Buenos Aires. En este caso, elegimos la guitarra por dos cuestiones: su considerable impacto en la matrícula institucional, y que los tópicos aquí planteados podrían ser trasladados a los demás instrumentos tradicionales, dado que los posicionamientos pedagógicos provienen de formas de conocimiento equivalentes. En tal sentido, nuestra hipótesis es que la matriz de formación instrumental está sostenida por paradigmas anclados en una corriente educativa positivista, que mide al estudiante en términos pretendidamente objetivos a través de avances en el campo mecánico y técnico, que, además, se sostienen a través de una colonización cultural y epistémica que, invisibilizada en la tradición, se perpetúa. Para indagar las propuestas de formación, analizaremos dos tipos de insumos que consideramos sumamente relevantes, dado que ambos tienen impacto directo en las trayectorias de las y los estudiantes. En primer lugar, los programas oficiales de estudio, que conforman el diseño curricular institucional e incluyen los contenidos que el estudiante debe transitar e incorporar durante su trayecto de formación. Además, proponemos un análisis sobre las obras teóricas especificadas en los programas de estudio, que sostienen el sistema pedagógico instrumental que abordamos en este trabajo. Nuestro enfoque implica poner en tensión la actual pedagogía instrumental en estos contextos, que aborde las subjetividades –a nuestro criterio– reprimidas, que cuestione la axiología de la modernidad, la racionalidad y una apertura hacia un posible nuevo camino (neo-odós) hacia la decolonialidad del arte latinoamericano. This paper investigates the musical training given from an instrument as a means of production, in the context of conservatories in the province of Buenos Aires. In this case, we chose the guitar for two reasons: its considerable impact on institutional enrollment, and that the topics raised here could be transferred to other traditional instruments, since the pedagogical positions come from equivalent forms of knowledge. In this sense, our hypothesis is that the instrumental training matrix is sustained by paradigms anchored in a positivist educational current, which measures the student in supposedly objective terms through advances in the mechanical and technical field, which, in addition, are sustained through a cultural and epistemic colonization that, invisibilized in tradition, is perpetuated. In order to investigate the training proposals, we will analyze two types of inputs that we consider extremely relevant, since both have a direct impact on the students' trajectories. In the first place, the official study programs, which make up the institutional curricular design and include the contents that the student must go through and incorporate during his or her educational path. In addition, we propose an analysis of the theoretical works specified in the study programs, which support the instrumental pedagogical system that we address in this paper. Our approach implies putting in tension the current instrumental pedagogy in these contexts, addressing the subjectivities -in our opinion- repressed, questioning the axiology of modernity, rationality and an opening towards a possible new path (neo-odos) towards the decoloniality of Latin American art. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161907 Objeto de conferencia Critical decolonial analysis of "La Olla" by Guilberto Polo Pacheco: representations and behavior models that challenge hegemonic social communication I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates En este trabajo se aborda “La olla”, de Guilberto Polo Pacheco (Venezuela, 2019), con el objetivo de analizar críticamente cómo este corto audiovisual de ficción interpela las representaciones y los modelos de comportamiento humano propios de la comunicación social hegemónica. La propuesta es analizar con un enfoque descolonial una producción audiovisual para mostrar cómo el arte en general y la producción audiovisual de ficción en particular permiten revisar críticamente el discurso público hegemónico que promueve modelos de comunicación que naturalizan opiniones, creencias y prejuicios que perjudican a personas que no consiguen construir una discursividad que se contraponga a ese modelo en particular y reproducen el modelo que ese discurso difunde y defiende.; This paper deals with "La Olla", by Guilberto Polo Pacheco (Venezuela, 2019), with the aim of critically analyzing how this fictional audiovisual short challenges the representations and models of human behavior typical of hegemonic social communication. The proposal is to analyze an audiovisual production with a decolonial approach to show how art in general and fictional audiovisual production in particular allow a critical review of the hegemonic public discourse that promotes communication models that naturalize opinions, beliefs and prejudices that harm people who they fail to build a discursiveness that is opposed to that particular model and reproduce the model that this discourse spreads and defends. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161907 2021-01-01T00:00:00Z En este trabajo se aborda “La olla”, de Guilberto Polo Pacheco (Venezuela, 2019), con el objetivo de analizar críticamente cómo este corto audiovisual de ficción interpela las representaciones y los modelos de comportamiento humano propios de la comunicación social hegemónica. La propuesta es analizar con un enfoque descolonial una producción audiovisual para mostrar cómo el arte en general y la producción audiovisual de ficción en particular permiten revisar críticamente el discurso público hegemónico que promueve modelos de comunicación que naturalizan opiniones, creencias y prejuicios que perjudican a personas que no consiguen construir una discursividad que se contraponga a ese modelo en particular y reproducen el modelo que ese discurso difunde y defiende. This paper deals with "La Olla", by Guilberto Polo Pacheco (Venezuela, 2019), with the aim of critically analyzing how this fictional audiovisual short challenges the representations and models of human behavior typical of hegemonic social communication. The proposal is to analyze an audiovisual production with a decolonial approach to show how art in general and fictional audiovisual production in particular allow a critical review of the hegemonic public discourse that promotes communication models that naturalize opinions, beliefs and prejudices that harm people who they fail to build a discursiveness that is opposed to that particular model and reproduce the model that this discourse spreads and defends. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161904 Objeto de conferencia Clay as land and territory. Expanded Ceramics from a decolonial perspective I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates En el presente artículo se realiza una selección de diversas propuestas artísticas cerámicas contemporáneas que abordan problemáticas territoriales, específicamente de la zona del AMBA. Estas propuestas artísticas se pueden enmarcar como investigaciones en arte, ya que desde su práctica construyen un conocimiento válido acerca de las problemáticas, e investigan desde una perspectiva ampliada de la disciplina cerámica, es decir, son prácticas Cerámica Expandida. A partir de la selección de estas obras se realiza un análisis acerca de los aspectos materiales, técnicos, procesuales, relacionales y simbólicos, con el objetivo de revisar cómo estas producciones, desde una perspectiva decolonial, habilitan una revisión del oficio cerámico y redescubren así el potencial originario de la arcilla como tierra y territorio.; This article makes a selection of various contemporary ceramic artistic proposals that address territorial issues, specifically in the area of the AMBA. These artistic proposals can be framed as research in art, since from their practice they build a valid knowledge about the problems, and investigate from an expanded perspective of the ceramic discipline, that is, they are Expanded Ceramics practices. Based on the selection of these works, an analysis is made about the material, technical, processual, relational and symbolic aspects, with the aim of reviewing how these productions, from a decolonial perspective, enable a review of the ceramic craft and thus rediscover the original potential of clay as land and territory. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161904 2021-01-01T00:00:00Z En el presente artículo se realiza una selección de diversas propuestas artísticas cerámicas contemporáneas que abordan problemáticas territoriales, específicamente de la zona del AMBA. Estas propuestas artísticas se pueden enmarcar como investigaciones en arte, ya que desde su práctica construyen un conocimiento válido acerca de las problemáticas, e investigan desde una perspectiva ampliada de la disciplina cerámica, es decir, son prácticas Cerámica Expandida. A partir de la selección de estas obras se realiza un análisis acerca de los aspectos materiales, técnicos, procesuales, relacionales y simbólicos, con el objetivo de revisar cómo estas producciones, desde una perspectiva decolonial, habilitan una revisión del oficio cerámico y redescubren así el potencial originario de la arcilla como tierra y territorio. This article makes a selection of various contemporary ceramic artistic proposals that address territorial issues, specifically in the area of the AMBA. These artistic proposals can be framed as research in art, since from their practice they build a valid knowledge about the problems, and investigate from an expanded perspective of the ceramic discipline, that is, they are Expanded Ceramics practices. Based on the selection of these works, an analysis is made about the material, technical, processual, relational and symbolic aspects, with the aim of reviewing how these productions, from a decolonial perspective, enable a review of the ceramic craft and thus rediscover the original potential of clay as land and territory. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161883 Objeto de conferencia ESEA 1 Participation Project The teaching of visual arts between interdisciplinary exploration and critical reflection from a decolonial approach I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates Las producciones visuales tienen como una de sus características construir sentido a través de articulaciones compositivas formales y tonales, con materiales, soportes y herramientas determinadas. En tanto construcciones simbólicas, comprenden a las producciones con un fuerte anclaje en disciplinas tradicionales (escultura, pintura, dibujo, cerámica, grabado) pero también a las manifestaciones en las que se desdibujan los límites entre estas disciplinas o que favorecen el cruce de lenguajes, materializándose a través de recursos analógicos y digitales. Así mismo, las manifestaciones de los componentes metafóricos de la praxis dentro de la ESEA buscan poner en diálogo los procedimientos compositivos convencionales propios de las artes visuales con otros no convencionales, abordándolos ineludiblemente en relación con la producción de sentido, donde pudieran desdibujarse los límites entre las disciplinas, favoreciendo la experimentación con diversidad de materiales y soportes. Esto es, abordar las diversas posibilidades de producciones artísticas que ofrecen otros medios como son la instalación, la intervención espacial, así como la exploración interdisciplinario, en clave de disputa de sentido que interpele a la reflexión crítica sobre el arte, la de(s)colonialidad y sus producciones. Dentro de la práctica docente en la ESEA desarrollarán conocimientos vinculados con la producción en las disciplinas artísticas, transitando por la exploración y la experimentación para la concreción de objetos y/o eventos estéticos y comunicacionales, en estrecha vinculación con el desarrollo de conocimientos teóricos que le permitirán valorar y contextualizar su trabajo y el de los demás, vinculando la producción y el análisis colectivo de manifestaciones artísticas tradicionales y contemporáneas de la cultura local en gral y latinoamericana en particular. En consonancia con el párrafo anterior, la Escuela Secundaria ESEA 1 posee la decisión política en la difusión y propagación de los saberes como un rico camino de construcción colectiva. Desde la institución promovemos las tareas interdisciplinarias y se estimulan los saberes ligados a las raíces latinoamericanas, a los logros de las feministas y diversidad, los derechos humanos como crecimiento en sociedad y el arte como proceso, producción, expresión y creador de sentidos, promoviendo una práctica artística con referencias en las producciones de América del Sur y en las prácticas artísticas contemporáneas. El recorrido de este proceso se promueve en la mixtura entre tres materias de la escuela secundaria especializada de arte y su vínculo que permea en la tierra de Latinoamérica, el espacio de los cuerpos y la liberación de la metáfora como herramienta de transformación.; Visual productions have as one of their characteristics the construction of meaning through formal and tonal compositional articulations, with certain materials, supports and tools. As symbolic constructions, they include productions with a strong anchorage in traditional disciplines (sculpture, painting, drawing, ceramics, engraving) but also manifestations in which the limits between these disciplines are blurred or that favor the crossing of languages, materializing through analog and digital resources. Likewise, the manifestations of the metaphorical components of praxis within the ESEA seek to bring into dialogue the conventional compositional procedures of the visual arts with other non-conventional ones, inevitably addressing them in relation to the production of meaning, where the limits between them could be blurred. disciplines, favoring experimentation with a diversity of materials and supports. That is, addressing the various possibilities of artistic productions offered by other media such as installation, spatial intervention, as well as interdisciplinary exploration, in the key of a dispute of meaning that challenges critical reflection on art, the de(s) coloniality and its productions. Within the teaching practice at ESEA, they will develop knowledge related to production in artistic disciplines, moving through exploration and experimentation for the realization of objects and/or aesthetic and communicational events, closely linked to the development of theoretical knowledge that will They will allow their work and that of others to be valued and contextualized, linking the production and collective analysis of traditional and contemporary artistic manifestations of local culture in general and Latin America in particular. In line with the previous paragraph, the ESEA 1 Secondary School has the political decision in the diffusion and propagation of knowledge as a rich path of collective construction. From the institution we promote interdisciplinary tasks and knowledge linked to Latin American roots, the achievements of feminists and diversity, human rights as growth in society and art as a process, production, expression and creator of meanings are stimulated, promoting a artistic practice with references in South American productions and contemporary artistic practices. The course of this process is promoted in the mixture between three subjects of the specialized high school of art and its link that permeates the land of Latin America, the space of the bodies and the liberation of the metaphor as a tool for transformation. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161883 2021-01-01T00:00:00Z Las producciones visuales tienen como una de sus características construir sentido a través de articulaciones compositivas formales y tonales, con materiales, soportes y herramientas determinadas. En tanto construcciones simbólicas, comprenden a las producciones con un fuerte anclaje en disciplinas tradicionales (escultura, pintura, dibujo, cerámica, grabado) pero también a las manifestaciones en las que se desdibujan los límites entre estas disciplinas o que favorecen el cruce de lenguajes, materializándose a través de recursos analógicos y digitales. Así mismo, las manifestaciones de los componentes metafóricos de la praxis dentro de la ESEA buscan poner en diálogo los procedimientos compositivos convencionales propios de las artes visuales con otros no convencionales, abordándolos ineludiblemente en relación con la producción de sentido, donde pudieran desdibujarse los límites entre las disciplinas, favoreciendo la experimentación con diversidad de materiales y soportes. Esto es, abordar las diversas posibilidades de producciones artísticas que ofrecen otros medios como son la instalación, la intervención espacial, así como la exploración interdisciplinario, en clave de disputa de sentido que interpele a la reflexión crítica sobre el arte, la de(s)colonialidad y sus producciones. Dentro de la práctica docente en la ESEA desarrollarán conocimientos vinculados con la producción en las disciplinas artísticas, transitando por la exploración y la experimentación para la concreción de objetos y/o eventos estéticos y comunicacionales, en estrecha vinculación con el desarrollo de conocimientos teóricos que le permitirán valorar y contextualizar su trabajo y el de los demás, vinculando la producción y el análisis colectivo de manifestaciones artísticas tradicionales y contemporáneas de la cultura local en gral y latinoamericana en particular. En consonancia con el párrafo anterior, la Escuela Secundaria ESEA 1 posee la decisión política en la difusión y propagación de los saberes como un rico camino de construcción colectiva. Desde la institución promovemos las tareas interdisciplinarias y se estimulan los saberes ligados a las raíces latinoamericanas, a los logros de las feministas y diversidad, los derechos humanos como crecimiento en sociedad y el arte como proceso, producción, expresión y creador de sentidos, promoviendo una práctica artística con referencias en las producciones de América del Sur y en las prácticas artísticas contemporáneas. El recorrido de este proceso se promueve en la mixtura entre tres materias de la escuela secundaria especializada de arte y su vínculo que permea en la tierra de Latinoamérica, el espacio de los cuerpos y la liberación de la metáfora como herramienta de transformación. Visual productions have as one of their characteristics the construction of meaning through formal and tonal compositional articulations, with certain materials, supports and tools. As symbolic constructions, they include productions with a strong anchorage in traditional disciplines (sculpture, painting, drawing, ceramics, engraving) but also manifestations in which the limits between these disciplines are blurred or that favor the crossing of languages, materializing through analog and digital resources. Likewise, the manifestations of the metaphorical components of praxis within the ESEA seek to bring into dialogue the conventional compositional procedures of the visual arts with other non-conventional ones, inevitably addressing them in relation to the production of meaning, where the limits between them could be blurred. disciplines, favoring experimentation with a diversity of materials and supports. That is, addressing the various possibilities of artistic productions offered by other media such as installation, spatial intervention, as well as interdisciplinary exploration, in the key of a dispute of meaning that challenges critical reflection on art, the de(s) coloniality and its productions. Within the teaching practice at ESEA, they will develop knowledge related to production in artistic disciplines, moving through exploration and experimentation for the realization of objects and/or aesthetic and communicational events, closely linked to the development of theoretical knowledge that will They will allow their work and that of others to be valued and contextualized, linking the production and collective analysis of traditional and contemporary artistic manifestations of local culture in general and Latin America in particular. In line with the previous paragraph, the ESEA 1 Secondary School has the political decision in the diffusion and propagation of knowledge as a rich path of collective construction. From the institution we promote interdisciplinary tasks and knowledge linked to Latin American roots, the achievements of feminists and diversity, human rights as growth in society and art as a process, production, expression and creator of meanings are stimulated, promoting a artistic practice with references in South American productions and contemporary artistic practices. The course of this process is promoted in the mixture between three subjects of the specialized high school of art and its link that permeates the land of Latin America, the space of the bodies and the liberation of the metaphor as a tool for transformation. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161881 Objeto de conferencia Decolonial considerations in plastic language from the sculptural work of Crisanto Dominguez (1911-1969) I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates En este trabajo se analizan tres obras del artista chaqueño Crisanto Domínguez (1911-1969) como expresión de un lenguaje plástico propio, ajeno a las idealizaciones y estereotipos colonizados de la modernidad y dominantes en la época, especialmente entre los artistas de las vanguardias del Río de la Plata. Aunque Domínguez estudió en Buenos Aires y se relacionó con varios de los artistas destacados del momento, especialmente con Quinquela Martín, su estilo se articula a partir de un uso de las técnicas y de la construcción de la imagen y la composición que no responde a los cánones establecidos, y que expresa un verdadero compromiso con su contexto de origen en la ruralidad del Chaco. Entonces, este artículo propone analizar las obras a través de tres problemas: ● “La hija del cacique”, talla en mármol, donde se ve una figuración particular de lo americano; ● “Gran Cacique Garcete”, fundido en bronce, cuyo gesto y pose expresan un vínculo no estereotipado ni idealizado con la realidad que referencian; ● “Cabeza de cacique tehuelche”, talla con hacha en madera, en cuya técnica se ve el compromiso con lo local. De este modo, este texto ofrece una mirada decolonial que permite, por un lado, ampliar el alcance de la historia del arte argentino al incorporar una figura federal que la reterritorializa y, por otro, recuperar la obra de un artista cuyas esculturas se construyen con un lenguaje plástico no canónico que referencia, además, a sujetos sociales en general invisibilizados, a la vez que ofrece una mirada hacia lo local, sus tradiciones y costumbres.; This paper analyzes three works by the Chaco artist Crisanto Domínguez (1911-1969) as an expression of his own plastic language, alien to the idealizations and stereotypes colonized by modernity and dominant at the time, especially among the avant-garde artists of the Río de la Plata. Although Domínguez studied in Buenos Aires and was related to several of the leading artists of the time, especially Quinquela Martín, his style is articulated from a use of techniques and the construction of the image and composition that does not respond to the established canons, and that expresses a true commitment to his context of origin in the rural Chaco. So, this article proposes to analyze the works through three problems: ● "La hija del cacique", marble carving, where a particular figuration of the American is seen; ● "Great Cacique Garcete", cast in bronze, whose gesture and pose express a non-stereotyped and non-idealized link with the reality they refer to; ● "Head of a Tehuelche Cacique", carved with an axe in wood, whose technique shows a commitment to the local. In this way, this text offers a decolonial view that allows, on the one hand, to broaden the scope of the history of Argentine art by incorporating a federal figure that reterritorializes it and, on the other hand, to recover the work of an artist whose sculptures are built with a non-canonical plastic language that also refers to social subjects that are generally invisible, while offering a look at the local, its traditions and customs. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161881 2021-01-01T00:00:00Z En este trabajo se analizan tres obras del artista chaqueño Crisanto Domínguez (1911-1969) como expresión de un lenguaje plástico propio, ajeno a las idealizaciones y estereotipos colonizados de la modernidad y dominantes en la época, especialmente entre los artistas de las vanguardias del Río de la Plata. Aunque Domínguez estudió en Buenos Aires y se relacionó con varios de los artistas destacados del momento, especialmente con Quinquela Martín, su estilo se articula a partir de un uso de las técnicas y de la construcción de la imagen y la composición que no responde a los cánones establecidos, y que expresa un verdadero compromiso con su contexto de origen en la ruralidad del Chaco. Entonces, este artículo propone analizar las obras a través de tres problemas: ● “La hija del cacique”, talla en mármol, donde se ve una figuración particular de lo americano; ● “Gran Cacique Garcete”, fundido en bronce, cuyo gesto y pose expresan un vínculo no estereotipado ni idealizado con la realidad que referencian; ● “Cabeza de cacique tehuelche”, talla con hacha en madera, en cuya técnica se ve el compromiso con lo local. De este modo, este texto ofrece una mirada decolonial que permite, por un lado, ampliar el alcance de la historia del arte argentino al incorporar una figura federal que la reterritorializa y, por otro, recuperar la obra de un artista cuyas esculturas se construyen con un lenguaje plástico no canónico que referencia, además, a sujetos sociales en general invisibilizados, a la vez que ofrece una mirada hacia lo local, sus tradiciones y costumbres. This paper analyzes three works by the Chaco artist Crisanto Domínguez (1911-1969) as an expression of his own plastic language, alien to the idealizations and stereotypes colonized by modernity and dominant at the time, especially among the avant-garde artists of the Río de la Plata. Although Domínguez studied in Buenos Aires and was related to several of the leading artists of the time, especially Quinquela Martín, his style is articulated from a use of techniques and the construction of the image and composition that does not respond to the established canons, and that expresses a true commitment to his context of origin in the rural Chaco. So, this article proposes to analyze the works through three problems: ● "La hija del cacique", marble carving, where a particular figuration of the American is seen; ● "Great Cacique Garcete", cast in bronze, whose gesture and pose express a non-stereotyped and non-idealized link with the reality they refer to; ● "Head of a Tehuelche Cacique", carved with an axe in wood, whose technique shows a commitment to the local. In this way, this text offers a decolonial view that allows, on the one hand, to broaden the scope of the history of Argentine art by incorporating a federal figure that reterritorializes it and, on the other hand, to recover the work of an artist whose sculptures are built with a non-canonical plastic language that also refers to social subjects that are generally invisible, while offering a look at the local, its traditions and customs. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161880 Objeto de conferencia Crossovers with the cultural past. From the coloniality of seeing to the modernist rupture I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates Las primeras décadas del siglo XX en América Latina conforman una etapa decisiva en el plano cultural: por un lado, acontece una ruptura con el legado decimonónico, y por otro se produce el rescate de la herencia indígena anterior a la conquista. El modernismo brasileño recuperó zonas del pasado en pos de la renovación estética. Nos detendremos en las producciones culturales de Oswald de Andrade y Tarsila do Amaral, considerando las nociones teóricas de Aníbal Quijano, Walter Mignolo y Joaquín Barriendos dentro del pensamiento decolonial. Los vínculos entre la producción visual de Tarsila do Amaral y la escritura de Oswald de Andrade comportaron una faceta fundamental de la propuesta antropofágica que generó respuestas visuales y literarias a la colonialidad del saber y del ver.; The first decades of the twentieth century in Latin America were a key stage in the cultural sphere: on the one hand, a rupture with the nineteenth-century legacy took place, and on the other, the rescue of the indigenous heritage prior to the conquest occurred. Brazilian modernism brought back areas of the past in pursuit of aesthetic renewal. We will focus on the cultural productions of Oswald de Andrade and Tarsila do Amaral, considering the theoretical concepts put forward by Aníbal Quijano, Walter Mignolo and Joaquín Barriendos within decolonial thought. The links between Tarsila do Amaral’s visual production and Oswald de Andrade’s writing were a key aspect of the anthropophagic proposal that generated visual and literary responses to the coloniality of knowledge and seeing. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161880 2021-01-01T00:00:00Z Las primeras décadas del siglo XX en América Latina conforman una etapa decisiva en el plano cultural: por un lado, acontece una ruptura con el legado decimonónico, y por otro se produce el rescate de la herencia indígena anterior a la conquista. El modernismo brasileño recuperó zonas del pasado en pos de la renovación estética. Nos detendremos en las producciones culturales de Oswald de Andrade y Tarsila do Amaral, considerando las nociones teóricas de Aníbal Quijano, Walter Mignolo y Joaquín Barriendos dentro del pensamiento decolonial. Los vínculos entre la producción visual de Tarsila do Amaral y la escritura de Oswald de Andrade comportaron una faceta fundamental de la propuesta antropofágica que generó respuestas visuales y literarias a la colonialidad del saber y del ver. The first decades of the twentieth century in Latin America were a key stage in the cultural sphere: on the one hand, a rupture with the nineteenth-century legacy took place, and on the other, the rescue of the indigenous heritage prior to the conquest occurred. Brazilian modernism brought back areas of the past in pursuit of aesthetic renewal. We will focus on the cultural productions of Oswald de Andrade and Tarsila do Amaral, considering the theoretical concepts put forward by Aníbal Quijano, Walter Mignolo and Joaquín Barriendos within decolonial thought. The links between Tarsila do Amaral’s visual production and Oswald de Andrade’s writing were a key aspect of the anthropophagic proposal that generated visual and literary responses to the coloniality of knowledge and seeing. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161879 Objeto de conferencia Decolonial cracks in French class. Meeting artists from the First Nations of Quebec I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates Este artículo presenta algunos aspectos del proyecto “Mujeres que llevan la palabra: aprender francés desde literaturas de autoras de pueblos originarios” llevado a cabo en el Bachillerato de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Específicamente, el trabajo aborda las posibilidades de incorporar una experiencia de(s)colonial a la clase de francés del nivel secundario a partir del contacto con expresiones literarias de mujeres indígenas de Quebec. A través de un enfoque exploratorio e intuitivo, las ideas de las corrientes de(s)coloniales de América Latina se entretejen con la sabiduría ancestral de las autoras de las Primeras Naciones para encontrar una resurgencia del lenguaje y de la creación estética en francés.; This article presents some aspects of the project “Women that carry the word: learning French from literatures from First Nations authors”, carried out in Bachillerato de Bellas Artes of the National University of La Plata. The work explores the possibilities of bringing in a decolonial experience to the French class through literary expressions of indigenous women authors from Quebec. Using an exploratory and intuitive approach, the ideas of the decolonial perspectives from Latin America weave together with the ancestral knowledge of women authors from the First Nations in order to bring about a resurgence of language and aesthetic creation in French. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161879 2021-01-01T00:00:00Z Este artículo presenta algunos aspectos del proyecto “Mujeres que llevan la palabra: aprender francés desde literaturas de autoras de pueblos originarios” llevado a cabo en el Bachillerato de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Específicamente, el trabajo aborda las posibilidades de incorporar una experiencia de(s)colonial a la clase de francés del nivel secundario a partir del contacto con expresiones literarias de mujeres indígenas de Quebec. A través de un enfoque exploratorio e intuitivo, las ideas de las corrientes de(s)coloniales de América Latina se entretejen con la sabiduría ancestral de las autoras de las Primeras Naciones para encontrar una resurgencia del lenguaje y de la creación estética en francés. This article presents some aspects of the project “Women that carry the word: learning French from literatures from First Nations authors”, carried out in Bachillerato de Bellas Artes of the National University of La Plata. The work explores the possibilities of bringing in a decolonial experience to the French class through literary expressions of indigenous women authors from Quebec. Using an exploratory and intuitive approach, the ideas of the decolonial perspectives from Latin America weave together with the ancestral knowledge of women authors from the First Nations in order to bring about a resurgence of language and aesthetic creation in French. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161876 Objeto de conferencia Micromorada en Red: a project of decolonial reterritorialization. Red Native Territory Photography I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates Desde hace más de diez años estamos trabajando y produciendo el contenido de la Cátedra Fotografía e Imagen Digital, materia complementaria obligatoria de todas las orientaciones de las carreras de Artes Plásticas que se dictan en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Plantear un contenido para desarrollar en un cuatrimestre en una universidad pública latinoamericana es pensar el origen, el objetivo y, especialmente, una postura acerca del proceso de enseñanza aprendizaje. Un viaje que aspira ir al inicio de la historia de cada procedimiento, abarcando de modo sensible el arte actual. ¿Cuál es el inicio de esta ruta? ¿Dónde comienza este recorrido? Partir desde la acción de la luz, como energía que acciona el soporte para quemar y generar imagen. Fotosensible, sensible a la luz, pensar en todo material que en presencia de la luz modifique su condición y que, con la presencia de una intención, cree imagen y sentido. La luz también como dato electromagnético que posibilita armar la imagen de las pantallas en el universo digital. Cuando se pone el foco sobre los elementos que se modifican en contacto con la luz, empezamos a entender que casi todos los elementos que nos rodean son fotosensibles, la piel, la madera, el pasto, la pintura, el papel, etc. La vida es fotográfica, y los materiales revelan las imágenes que deja el tiempo. En este camino en 2019 se crea Micromorada, un proyecto de extensión, de investigación y de producción artística, que procura crear un vínculo entre el campo y la universidad a la vez que descolonializar la propuesta pedagógica y el lugar desde donde se construye el contenido devenido territorio, el cuerpo intervenido, la mirada revelada. Desde el primer recorrido por el campo en una tarde de diciembre y ya en el primer taller de revelado fotográfico con cúrcuma, desde esa primera visión de la vida revelada por una raíz, por un pigmento natural, empezamos a trazar una forma de descolonizar la fotografía. Por esto Micromorada propone descolonizar el espacio, ahora devenido cuerpo, obra y territorio, como eje de la enseñanza aprendizaje, de la investigación, de los vínculos, de la producción artística y también de la producción de sentido.; For more than ten years we have been working and producing the content of the Photography and Digital Image subject, a compulsory complementary subject for all the specializations of the Plastic Arts degree courses that are taught at the Faculty of Arts of the National University of La Plata. Proposing a content to develop in a semester in a Latin American public university is to think about the origin, the objective and, especially, a position on the teaching-learning process. A journey that aspires to go to the beginning of the history of each process, sensitively encompassing current art. What is the beginning of this route? Where does this tour start? Starting from the action of light, as energy that activates the support to burn and generate an image. Photosensitive, sensitive to light, think of any material that in the presence of light modifies its condition and that, with the presence of an intention, creates image and meaning. Light also as electromagnetic data that makes it possible to assemble the image of the screens in the digital universe. When the focus is put on the elements that are modified in contact with light, we begin to understand that almost all the elements that surround us are photosensitive, skin, wood, grass, paint, paper, etc. Life is photographic, and materials reveal the images left by time. Along this path, in 2019, Micromorada was created, an extension, research and artistic production project, which seeks to create a link between the field and the university while decolonizing the pedagogical proposal and the place from which the content that has become territory, the intervened body, the revealed gaze. From the first tour of the field on a December afternoon and already in the first photographic development workshop with turmeric, from that first vision of life revealed by a root, by a natural pigment, we began to trace a way to decolonize photography. For this reason, Micromorada proposes to decolonize space, now a body, work and territory, as the axis of teaching-learning, research, links, artistic production and also the production of meaning. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161876 2021-01-01T00:00:00Z Desde hace más de diez años estamos trabajando y produciendo el contenido de la Cátedra Fotografía e Imagen Digital, materia complementaria obligatoria de todas las orientaciones de las carreras de Artes Plásticas que se dictan en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Plantear un contenido para desarrollar en un cuatrimestre en una universidad pública latinoamericana es pensar el origen, el objetivo y, especialmente, una postura acerca del proceso de enseñanza aprendizaje. Un viaje que aspira ir al inicio de la historia de cada procedimiento, abarcando de modo sensible el arte actual. ¿Cuál es el inicio de esta ruta? ¿Dónde comienza este recorrido? Partir desde la acción de la luz, como energía que acciona el soporte para quemar y generar imagen. Fotosensible, sensible a la luz, pensar en todo material que en presencia de la luz modifique su condición y que, con la presencia de una intención, cree imagen y sentido. La luz también como dato electromagnético que posibilita armar la imagen de las pantallas en el universo digital. Cuando se pone el foco sobre los elementos que se modifican en contacto con la luz, empezamos a entender que casi todos los elementos que nos rodean son fotosensibles, la piel, la madera, el pasto, la pintura, el papel, etc. La vida es fotográfica, y los materiales revelan las imágenes que deja el tiempo. En este camino en 2019 se crea Micromorada, un proyecto de extensión, de investigación y de producción artística, que procura crear un vínculo entre el campo y la universidad a la vez que descolonializar la propuesta pedagógica y el lugar desde donde se construye el contenido devenido territorio, el cuerpo intervenido, la mirada revelada. Desde el primer recorrido por el campo en una tarde de diciembre y ya en el primer taller de revelado fotográfico con cúrcuma, desde esa primera visión de la vida revelada por una raíz, por un pigmento natural, empezamos a trazar una forma de descolonizar la fotografía. Por esto Micromorada propone descolonizar el espacio, ahora devenido cuerpo, obra y territorio, como eje de la enseñanza aprendizaje, de la investigación, de los vínculos, de la producción artística y también de la producción de sentido. For more than ten years we have been working and producing the content of the Photography and Digital Image subject, a compulsory complementary subject for all the specializations of the Plastic Arts degree courses that are taught at the Faculty of Arts of the National University of La Plata. Proposing a content to develop in a semester in a Latin American public university is to think about the origin, the objective and, especially, a position on the teaching-learning process. A journey that aspires to go to the beginning of the history of each process, sensitively encompassing current art. What is the beginning of this route? Where does this tour start? Starting from the action of light, as energy that activates the support to burn and generate an image. Photosensitive, sensitive to light, think of any material that in the presence of light modifies its condition and that, with the presence of an intention, creates image and meaning. Light also as electromagnetic data that makes it possible to assemble the image of the screens in the digital universe. When the focus is put on the elements that are modified in contact with light, we begin to understand that almost all the elements that surround us are photosensitive, skin, wood, grass, paint, paper, etc. Life is photographic, and materials reveal the images left by time. Along this path, in 2019, Micromorada was created, an extension, research and artistic production project, which seeks to create a link between the field and the university while decolonizing the pedagogical proposal and the place from which the content that has become territory, the intervened body, the revealed gaze. From the first tour of the field on a December afternoon and already in the first photographic development workshop with turmeric, from that first vision of life revealed by a root, by a natural pigment, we began to trace a way to decolonize photography. For this reason, Micromorada proposes to decolonize space, now a body, work and territory, as the axis of teaching-learning, research, links, artistic production and also the production of meaning. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161875 Objeto de conferencia Coloniality of musical listening I Simposio Internacional de Arte y De(s)colonialidad (La Plata, 15 al 18 de noviembre de 2021); Actas del Primer Simposio Internacional de Arte y De(s)Colonialidad: diálogos, producciones y debates Los procesos de audición musical se efectúan a partir de diversas interrelaciones entre la vida autónoma del sujeto con su entorno. Entre los primeros, se cuentan los aspectos provenientes de la propia genética y los caracteres intrínsecos del psiquismo. Entre los segundos, operan los devenidos del intercambio con otras situacionalidades: contextos sociales y culturales. Dentro de este devenir personal–social, la historicidad auditiva del sujeto resulta colonizada por acciones de orden tanto intencional como espontáneo, generando otorgamiento de sentidos y valoración de las prácticas auditivas y musicales volcadas en acercamientos, gustos, exclusiones y elecciones. La formación de los músicos profesionales suma a esta cuestión, la adquisición de experiencias y respuestas auditivas, que se orientan a una audición experta. La colonización de la audición en este caso se instituye por determinados modos de aprender a escuchar y por los repertorios representativos de este proceso. En este último, se verifican como base de la organización y selección los provenientes de la música de raíz occidental y europea. Los mismos condicionan y regulan los desempeños productivos y los inherentes a la recepción, comunicación y valoración de ciertas músicas por sobre otras. Estos procesos de colonización de la audición musical resultan al menos cuestionables en dos sentidos principales: en tanto falacias en el área de la discriminación y organización de los elementos técnico-musicales que constituyen un determinado corpus, y en la discrecionalidad verificada en la atribución de significación y valor. El propósito de este trabajo consiste en un análisis descriptivo y general de los procesos de colonialidad de la audición, verificables especialmente en ciertos paradigmas educativos que revelan diversas organizaciones de contenidos de audición, producción e interpretación musical. Los mismos promueven condiciones de invisibilidad, omisión y domesticación de la experiencia musical.; The processes of musical hearing are carried out on the basis of various interrelationships between the autonomous life of the subject and his environment. Among the first ones, there are the aspects coming from one's own genetics and the intrinsic characteristics of the psyche. Among the latter, there are those resulting from the exchange with other situations: social and cultural contexts. Within this personal-social becoming, the subject's auditory historicity is colonized by actions of both intentional and spontaneous order, generating the granting of meanings and the valuation of auditory and musical practices, which result in approaches, tastes, exclusions and choices. The training of professional musicians adds to this issue, the acquisition of experiences and auditory responses, which are oriented towards expert listening. The colonization of listening in this case is instituted by certain ways of learning to listen and by the representative repertoires of this process. In the latter, those coming from Western and European music are verified as the basis of the organization and selection. They condition and regulate the productive performances and those inherent to the reception, communication and valuation of certain types of music over others. These processes of colonization of musical audition are questionable in at least two main ways: as fallacies in the area of discrimination and organization of the technical musical elements that constitute a given corpus, and in the discretionality verified in the attribution of meaning and value. The purpose of this work consists of a descriptive and general analysis of the processes of coloniality of listening, especially verifiable in certain educational paradigms that reveal diverse organizations of listening, musical production and interpretation contents. They promote conditions of invisibility, omission and domestication of the musical experience. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/161875 2021-01-01T00:00:00Z Los procesos de audición musical se efectúan a partir de diversas interrelaciones entre la vida autónoma del sujeto con su entorno. Entre los primeros, se cuentan los aspectos provenientes de la propia genética y los caracteres intrínsecos del psiquismo. Entre los segundos, operan los devenidos del intercambio con otras situacionalidades: contextos sociales y culturales. Dentro de este devenir personal–social, la historicidad auditiva del sujeto resulta colonizada por acciones de orden tanto intencional como espontáneo, generando otorgamiento de sentidos y valoración de las prácticas auditivas y musicales volcadas en acercamientos, gustos, exclusiones y elecciones. La formación de los músicos profesionales suma a esta cuestión, la adquisición de experiencias y respuestas auditivas, que se orientan a una audición experta. La colonización de la audición en este caso se instituye por determinados modos de aprender a escuchar y por los repertorios representativos de este proceso. En este último, se verifican como base de la organización y selección los provenientes de la música de raíz occidental y europea. Los mismos condicionan y regulan los desempeños productivos y los inherentes a la recepción, comunicación y valoración de ciertas músicas por sobre otras. Estos procesos de colonización de la audición musical resultan al menos cuestionables en dos sentidos principales: en tanto falacias en el área de la discriminación y organización de los elementos técnico-musicales que constituyen un determinado corpus, y en la discrecionalidad verificada en la atribución de significación y valor. El propósito de este trabajo consiste en un análisis descriptivo y general de los procesos de colonialidad de la audición, verificables especialmente en ciertos paradigmas educativos que revelan diversas organizaciones de contenidos de audición, producción e interpretación musical. Los mismos promueven condiciones de invisibilidad, omisión y domesticación de la experiencia musical. The processes of musical hearing are carried out on the basis of various interrelationships between the autonomous life of the subject and his environment. Among the first ones, there are the aspects coming from one's own genetics and the intrinsic characteristics of the psyche. Among the latter, there are those resulting from the exchange with other situations: social and cultural contexts. Within this personal-social becoming, the subject's auditory historicity is colonized by actions of both intentional and spontaneous order, generating the granting of meanings and the valuation of auditory and musical practices, which result in approaches, tastes, exclusions and choices. The training of professional musicians adds to this issue, the acquisition of experiences and auditory responses, which are oriented towards expert listening. The colonization of listening in this case is instituted by certain ways of learning to listen and by the representative repertoires of this process. In the latter, those coming from Western and European music are verified as the basis of the organization and selection. They condition and regulate the productive performances and those inherent to the reception, communication and valuation of certain types of music over others. These processes of colonization of musical audition are questionable in at least two main ways: as fallacies in the area of discrimination and organization of the technical musical elements that constitute a given corpus, and in the discretionality verified in the attribution of meaning and value. The purpose of this work consists of a descriptive and general analysis of the processes of coloniality of listening, especially verifiable in certain educational paradigms that reveal diverse organizations of listening, musical production and interpretation contents. They promote conditions of invisibility, omission and domestication of the musical experience.