http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168531 Tue, 03 Nov 2026 19:26:05 GMT 2026-11-03T19:26:05Z http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168543 Articulo Epistemus; vol. 12, no. 1 El presente trabajo busca trazar paralelismos entre el cine y la música, desde una perspectiva fronteriza y decolonial. Para ello, se eligieron y analizaron algunas películas, con sus bandas sonoras, así como canciones que resuenan con los temas abordados. Construyendo una mirada transversal del cine a través de la música, se buscó cuestionar o desmantelar categorías cruciales para el cine occidente-centrado, que aún reflejan una nostalgia colonial y persisten en divisiones ideológicas, como entre el “cine-arte” o el cine “moderno” y el “resto”. Así, el texto se divide en tres secciones centrales y dos conclusivas: Cine visto por la música: verticalismos y horizontalismos en transversales inserta epistemológicamente el tema, analizando rizomáticamente las fuerzas horizontales y verticales del cine y de la música; Cine-música modal aborda algunas películas-músicas desde una perspectiva transcultural de la música modal, centrándose en sus ciclos de repetición, transformación, así como de muerte y renacimiento simbólicos; Modal, tonal, atonal: resonancias cinematográficas aborda los cambios que la música y el cine han enfrentado y engendrado, desde las transformaciones de la música modal en tonal y atonal; Pequeña coda resume brevemente el camino trazado a lo largo de la obra y Da capo al fine: por un pensamiento fronterizo decolonial lo concluye. Se espera que el artículo, de carácter ensayístico, pueda contribuir a enriquecer las reflexiones cinematográficas y de otras artes, sobre todo porque parte de una mirada-escucha no especializada, construida a partir de un arte distinto, la música, lo que considero una poderosa y fecunda forma de encuentro, precisamente porque permite el tránsito transcultural y rizomático entre diferentes artes y saberes.; The present work seeks to draw parallels between cinema and music, from a border and decolonial perspective. For this, some films were chosen and analyzed, with their soundtracks, as well as songs that resonate with the topics addressed. Constructing a transversal view of cinema through music, we sought to question or dismantle crucial categories for Western-centered cinema, which still reflect a colonial nostalgia and persist in ideological divisions, such as between “art-cinema” or “modern-cinema” and the “rest”. Thus, the text is divided into three central sections and two concluding ones: Cinema seen through music: verticalisms and horizontalisms in transversals epistemologically inserts the theme, rhizomatically analyzing the horizontal and vertical forces of cinema and music; Modal cine-music addresses some films/musics from a transcultural perspective of modal music, focusing on its cycles of repetition, transformation, as well as symbolic death and rebirth cycles; Modal, Tonal, Atonal: cinematographic resonances addresses the changes that music and film have faced and spawned, from the transformations of modal music into tonal and atonal; Small coda briefly summarizes the path traced throughout the work and Da capo al fine: for a frontier decolonial thought concludes it. It is hoped that the article, essayistic in nature, can contribute to enrich reflections on cinematography and other arts, especially since it starts from a non-specialized look-listening, built from a different art, music, which I consider a powerful and fruitful form of encounter, precisely because it allows transcultural and rhizomatic transit between different arts and knowledges. Thu, 01 Aug 2024 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168543 2024-08-01T00:00:00Z El presente trabajo busca trazar paralelismos entre el cine y la música, desde una perspectiva fronteriza y decolonial. Para ello, se eligieron y analizaron algunas películas, con sus bandas sonoras, así como canciones que resuenan con los temas abordados. Construyendo una mirada transversal del cine a través de la música, se buscó cuestionar o desmantelar categorías cruciales para el cine occidente-centrado, que aún reflejan una nostalgia colonial y persisten en divisiones ideológicas, como entre el “cine-arte” o el cine “moderno” y el “resto”. Así, el texto se divide en tres secciones centrales y dos conclusivas: Cine visto por la música: verticalismos y horizontalismos en transversales inserta epistemológicamente el tema, analizando rizomáticamente las fuerzas horizontales y verticales del cine y de la música; Cine-música modal aborda algunas películas-músicas desde una perspectiva transcultural de la música modal, centrándose en sus ciclos de repetición, transformación, así como de muerte y renacimiento simbólicos; Modal, tonal, atonal: resonancias cinematográficas aborda los cambios que la música y el cine han enfrentado y engendrado, desde las transformaciones de la música modal en tonal y atonal; Pequeña coda resume brevemente el camino trazado a lo largo de la obra y Da capo al fine: por un pensamiento fronterizo decolonial lo concluye. Se espera que el artículo, de carácter ensayístico, pueda contribuir a enriquecer las reflexiones cinematográficas y de otras artes, sobre todo porque parte de una mirada-escucha no especializada, construida a partir de un arte distinto, la música, lo que considero una poderosa y fecunda forma de encuentro, precisamente porque permite el tránsito transcultural y rizomático entre diferentes artes y saberes. The present work seeks to draw parallels between cinema and music, from a border and decolonial perspective. For this, some films were chosen and analyzed, with their soundtracks, as well as songs that resonate with the topics addressed. Constructing a transversal view of cinema through music, we sought to question or dismantle crucial categories for Western-centered cinema, which still reflect a colonial nostalgia and persist in ideological divisions, such as between “art-cinema” or “modern-cinema” and the “rest”. Thus, the text is divided into three central sections and two concluding ones: Cinema seen through music: verticalisms and horizontalisms in transversals epistemologically inserts the theme, rhizomatically analyzing the horizontal and vertical forces of cinema and music; Modal cine-music addresses some films/musics from a transcultural perspective of modal music, focusing on its cycles of repetition, transformation, as well as symbolic death and rebirth cycles; Modal, Tonal, Atonal: cinematographic resonances addresses the changes that music and film have faced and spawned, from the transformations of modal music into tonal and atonal; Small coda briefly summarizes the path traced throughout the work and Da capo al fine: for a frontier decolonial thought concludes it. It is hoped that the article, essayistic in nature, can contribute to enrich reflections on cinematography and other arts, especially since it starts from a non-specialized look-listening, built from a different art, music, which I consider a powerful and fruitful form of encounter, precisely because it allows transcultural and rhizomatic transit between different arts and knowledges. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168542 Articulo Musical experience in childhood through the body: embodied musical cognition and phenomenology of the social world Epistemus; vol. 12, no. 1 En este trabajo discuto algunos postulados de la cognición musical encarnada y de la fenomenología del mundo social, con el propósito de describir algunas potencialidades de estas perspectivas para el estudio de la experimentación musical en la infancia a partir del cuerpo. La tesis que sostengo es que ambas posiciones resultan ser enfoques complementarios para el estudio de la experiencia musical y pueden enriquecer sus respectivos campos de conocimiento. Presento los argumentos de la cognición musical encarnada y la fenomenología del mundo social, con el fin de mostrar algunas semejanzas y diferencias. Expongo de qué forma los límites explicativos de la cognición musical encarnada podrían ser solventados por la fenomenología del mundo social y, al mismo tiempo, cómo los aportes teóricos de la fenomenología pueden ser ampliados mediante las interpretaciones del enfoque cognitivo encarnado. Considero que la relevancia de estas reflexiones pueden ser un primer paso hacia la generación de fundamentos más sólidos para el estudio de la experiencia musical infantil en la educación musical, lo que se traduzca en una comprensión más profunda respecto al proceso de aprendizaje de la música en la infancia. Esto implica la necesidad de recurrir a la reflexión filosófica dentro de las contribuciones de la cognición encarnada, a fin de brindar una mayor claridad epistemológica tomando como base la fenomenología del mundo social.; In this paper I discuss some contributions of embodied musical cognition and the phenomenology of the social world to explore the potentialities of these perspectives for studying musical experience in childhood from the body. My thesis is that both positions can be complementary and enrich their respective fields of knowledge about the study of musical experience. To demonstrate similarities and differences, I present arguments of embodied musical cognition and the phenomenology of the social world. I explain how the phenomenology of the social world can solve the explanatory limitations of embodied musical cognition, while at the same time, how theoretical contributions of phenomenology can be increased by interpretations of the embodied cognitive approach. I think that these reflections can lead to stronger foundations for studying the musical experience of children in music education, which can also lead to a better understanding of the music learning process in childhood. Integrating philosophical reflection into the contributions of embodied cognition is what this involves, in order to provide greater epistemological clarity based on the phenomenology of the social world. Thu, 01 Aug 2024 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168542 2024-08-01T00:00:00Z En este trabajo discuto algunos postulados de la cognición musical encarnada y de la fenomenología del mundo social, con el propósito de describir algunas potencialidades de estas perspectivas para el estudio de la experimentación musical en la infancia a partir del cuerpo. La tesis que sostengo es que ambas posiciones resultan ser enfoques complementarios para el estudio de la experiencia musical y pueden enriquecer sus respectivos campos de conocimiento. Presento los argumentos de la cognición musical encarnada y la fenomenología del mundo social, con el fin de mostrar algunas semejanzas y diferencias. Expongo de qué forma los límites explicativos de la cognición musical encarnada podrían ser solventados por la fenomenología del mundo social y, al mismo tiempo, cómo los aportes teóricos de la fenomenología pueden ser ampliados mediante las interpretaciones del enfoque cognitivo encarnado. Considero que la relevancia de estas reflexiones pueden ser un primer paso hacia la generación de fundamentos más sólidos para el estudio de la experiencia musical infantil en la educación musical, lo que se traduzca en una comprensión más profunda respecto al proceso de aprendizaje de la música en la infancia. Esto implica la necesidad de recurrir a la reflexión filosófica dentro de las contribuciones de la cognición encarnada, a fin de brindar una mayor claridad epistemológica tomando como base la fenomenología del mundo social. In this paper I discuss some contributions of embodied musical cognition and the phenomenology of the social world to explore the potentialities of these perspectives for studying musical experience in childhood from the body. My thesis is that both positions can be complementary and enrich their respective fields of knowledge about the study of musical experience. To demonstrate similarities and differences, I present arguments of embodied musical cognition and the phenomenology of the social world. I explain how the phenomenology of the social world can solve the explanatory limitations of embodied musical cognition, while at the same time, how theoretical contributions of phenomenology can be increased by interpretations of the embodied cognitive approach. I think that these reflections can lead to stronger foundations for studying the musical experience of children in music education, which can also lead to a better understanding of the music learning process in childhood. Integrating philosophical reflection into the contributions of embodied cognition is what this involves, in order to provide greater epistemological clarity based on the phenomenology of the social world. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168541 Articulo Epistemus; vol. 12, no. 1 José Luis Perales (Castejón, Cuenca, España, 1945) se despidió de los escenarios en una extensa gira que tuvo lugar entre 2021 y 2022 tras superar el medio siglo de carrera musical y grabar veintisiete álbumes de estudio. Este artículo tiene como objetivo principal analizar las canciones que el cantante, compositor y productor interpretó en sus dos conciertos en Cuenca, la ciudad en la que vivió una parte importante de su trayectoria y la capital de la provincia en la que nació, que tuvieron lugar el 20 y 21 de agosto de 2021. En el listado, compuesto por veintitrés canciones, incluyó los temas Y cómo es él y Baladas para una despedida que aparecen en el título de esta propuesta, se comparará con el que defendió en otras ciudades dentro de la misma gira. Además, se atenderá a su disco de procedencia, estilo, producción, discográfica, sentido de masculinidad y a las referencias sobre el ámbito rural y las ciudades pequeñas que planteó e incluyó en las mismas. Para ello, se parte de un estudio de caso que se fundamenta en una investigación cualitativa, analítica, estilística y descriptiva de las canciones ofrecidas en estas citas, sus grabaciones de procedencia, discográfica, productores originales y una entrevista directa que su hijo, Pablo Perales, director artístico de esta gira y de estos conciertos, brindó al investigador. Por supuesto, también se tiene en cuenta la literatura existente en ámbitos académicos sobre el conquense.; José Luis Perales (Castejón, Cuenca, Spain, 1945) said goodbye to the stage in an extensive tour that took place between 2021 and 2022 after surpassing half a century of musical career and recording twenty-seven studio albums. The main purpose of this article is to analyze the songs that the singer, composer and producer performed in his two concerts in Cuenca, the city where he lived an important part of his career and the capital of the province where he was born, which took place on August 20 and 21, 2021. In the list, composed of twenty-three songs, included the themes Y cómo es él and Baladas para una despedida that appear in the title of this proposal, will be compared with the one he defended in other cities within the same tour. In addition, we will pay attention to his album of origin, style, production, record company, sense of masculinity and the references to the rural environment and small towns that he made and included in them. For this purpose, we start from a case study based on a qualitative, analytical, stylistic and descriptive research of the songs offered in these dates, their recordings of origin, record label, original producers and a direct interview that his son, Pablo Perales, artistic director of this tour and of these concerts, gave to the researcher. Of course, it also takes into account the existing literature in academic circles about the Cuenca-born musician. Thu, 01 Aug 2024 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168541 2024-08-01T00:00:00Z José Luis Perales (Castejón, Cuenca, España, 1945) se despidió de los escenarios en una extensa gira que tuvo lugar entre 2021 y 2022 tras superar el medio siglo de carrera musical y grabar veintisiete álbumes de estudio. Este artículo tiene como objetivo principal analizar las canciones que el cantante, compositor y productor interpretó en sus dos conciertos en Cuenca, la ciudad en la que vivió una parte importante de su trayectoria y la capital de la provincia en la que nació, que tuvieron lugar el 20 y 21 de agosto de 2021. En el listado, compuesto por veintitrés canciones, incluyó los temas Y cómo es él y Baladas para una despedida que aparecen en el título de esta propuesta, se comparará con el que defendió en otras ciudades dentro de la misma gira. Además, se atenderá a su disco de procedencia, estilo, producción, discográfica, sentido de masculinidad y a las referencias sobre el ámbito rural y las ciudades pequeñas que planteó e incluyó en las mismas. Para ello, se parte de un estudio de caso que se fundamenta en una investigación cualitativa, analítica, estilística y descriptiva de las canciones ofrecidas en estas citas, sus grabaciones de procedencia, discográfica, productores originales y una entrevista directa que su hijo, Pablo Perales, director artístico de esta gira y de estos conciertos, brindó al investigador. Por supuesto, también se tiene en cuenta la literatura existente en ámbitos académicos sobre el conquense. José Luis Perales (Castejón, Cuenca, Spain, 1945) said goodbye to the stage in an extensive tour that took place between 2021 and 2022 after surpassing half a century of musical career and recording twenty-seven studio albums. The main purpose of this article is to analyze the songs that the singer, composer and producer performed in his two concerts in Cuenca, the city where he lived an important part of his career and the capital of the province where he was born, which took place on August 20 and 21, 2021. In the list, composed of twenty-three songs, included the themes Y cómo es él and Baladas para una despedida that appear in the title of this proposal, will be compared with the one he defended in other cities within the same tour. In addition, we will pay attention to his album of origin, style, production, record company, sense of masculinity and the references to the rural environment and small towns that he made and included in them. For this purpose, we start from a case study based on a qualitative, analytical, stylistic and descriptive research of the songs offered in these dates, their recordings of origin, record label, original producers and a direct interview that his son, Pablo Perales, artistic director of this tour and of these concerts, gave to the researcher. Of course, it also takes into account the existing literature in academic circles about the Cuenca-born musician. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168539 Articulo Epistemus; vol. 12, no. 1 ¿Por qué nos emociona una música? ¿Qué recursos armónicos logran causar una mayor experiencia placentera en los oyentes? La esteticidad de la música subyace en la repetición de unas formas, en el reconocimiento de unos patrones. Los compositores aprovechan esa previsibilidad para jugar con las expectativas de los oyentes. Dominar la técnica para causar sudores y piloerección como respuesta a un estímulo musical resulta de sumo interés para los creativos. A partir de las publicaciones del teórico musical Frank Lehman, especializado en la armonía de las bandas sonoras del cine épico milenial, este artículo analiza algunas cadencias armónicas presentes en distintos formatos audiovisuales para convenir que es en la violación de las expectativas mediante cromatismos y tras su posterior realineación diatónica allí donde se produce el asombro de los espectadores. Esta vía de investigación que conecta la estética clásica con la psicología de la música.; Why does music move us? What harmonic resources manage to cause a greater pleasant experience in listeners? The aestheticity of music lies in the repetition of forms, in the recognition of patterns. Composers take advantage of that predictability to play with listeners' expectations. Mastering the technique to cause sweating and piloerection in response to a musical stimulus is of great interest to creatives. Based on the publications of the musical theorist Frank Lehman, specialized in the harmony of the soundtracks of epic millennial cinema, this article analyzes some harmonic cadences present in different audiovisual formats to agree that it is in the violation of expectations through chromatisms and after their subsequent diatonic realignment where the astonishment of the spectators occurs. This research connects classical aesthetics with the psychology of music. Thu, 01 Aug 2024 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168539 2024-08-01T00:00:00Z ¿Por qué nos emociona una música? ¿Qué recursos armónicos logran causar una mayor experiencia placentera en los oyentes? La esteticidad de la música subyace en la repetición de unas formas, en el reconocimiento de unos patrones. Los compositores aprovechan esa previsibilidad para jugar con las expectativas de los oyentes. Dominar la técnica para causar sudores y piloerección como respuesta a un estímulo musical resulta de sumo interés para los creativos. A partir de las publicaciones del teórico musical Frank Lehman, especializado en la armonía de las bandas sonoras del cine épico milenial, este artículo analiza algunas cadencias armónicas presentes en distintos formatos audiovisuales para convenir que es en la violación de las expectativas mediante cromatismos y tras su posterior realineación diatónica allí donde se produce el asombro de los espectadores. Esta vía de investigación que conecta la estética clásica con la psicología de la música. Why does music move us? What harmonic resources manage to cause a greater pleasant experience in listeners? The aestheticity of music lies in the repetition of forms, in the recognition of patterns. Composers take advantage of that predictability to play with listeners' expectations. Mastering the technique to cause sweating and piloerection in response to a musical stimulus is of great interest to creatives. Based on the publications of the musical theorist Frank Lehman, specialized in the harmony of the soundtracks of epic millennial cinema, this article analyzes some harmonic cadences present in different audiovisual formats to agree that it is in the violation of expectations through chromatisms and after their subsequent diatonic realignment where the astonishment of the spectators occurs. This research connects classical aesthetics with the psychology of music. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168538 Articulo Non-conventional rooms and musical representation Epistemus; vol. 12, no. 1 En la actualidad existe una gran cantidad de espacios donde se interpreta música. Estos lugares podrían dividirse en dos grandes grupos: las construcciones proyectadas específicamente para hacer música -los auditorios, los teatros de ópera, las salas para música de cámara- y los sitios que son utilizados por los músicos o propuestos por los compositores pero que fueron concebidos inicialmente para otro uso, los que podríamos llamar ambientes acústicos -un espacio público abierto o cerrado, una iglesia, un galpón, un estadio, un bar-. Los espacios que conforman estos dos grupos se comportan de manera diferente; sin embargo, en la práctica musical actual se usan casi de manera indistinta. En este trabajo detallaremos el comportamiento acústico de espacios no estándar que se utilizan en la Argentina para representar espectáculos musicales y multimedia o para sitiar instalaciones sonoras.; Nowadays there are a large number of spaces where music is performed. These places could be divided into two large groups: constructions designed specifically for making music -auditoriums, opera houses, chamber music halls- and sites that are used by musicians or proposed by composers but that were conceived initially for another use, what we could call acoustic environments -an open or closed public space, a church, a warehouse, a stadium, a bar-. The spaces that make up these two groups behave differently; however, in current musical practice they are used almost interchangeably. In this work we will detail the acoustic behavior of non-standard spaces that are used in Argentina to represent musical and multimedia shows or to place sound installations. Thu, 01 Aug 2024 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168538 2024-08-01T00:00:00Z En la actualidad existe una gran cantidad de espacios donde se interpreta música. Estos lugares podrían dividirse en dos grandes grupos: las construcciones proyectadas específicamente para hacer música -los auditorios, los teatros de ópera, las salas para música de cámara- y los sitios que son utilizados por los músicos o propuestos por los compositores pero que fueron concebidos inicialmente para otro uso, los que podríamos llamar ambientes acústicos -un espacio público abierto o cerrado, una iglesia, un galpón, un estadio, un bar-. Los espacios que conforman estos dos grupos se comportan de manera diferente; sin embargo, en la práctica musical actual se usan casi de manera indistinta. En este trabajo detallaremos el comportamiento acústico de espacios no estándar que se utilizan en la Argentina para representar espectáculos musicales y multimedia o para sitiar instalaciones sonoras. Nowadays there are a large number of spaces where music is performed. These places could be divided into two large groups: constructions designed specifically for making music -auditoriums, opera houses, chamber music halls- and sites that are used by musicians or proposed by composers but that were conceived initially for another use, what we could call acoustic environments -an open or closed public space, a church, a warehouse, a stadium, a bar-. The spaces that make up these two groups behave differently; however, in current musical practice they are used almost interchangeably. In this work we will detail the acoustic behavior of non-standard spaces that are used in Argentina to represent musical and multimedia shows or to place sound installations. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168537 Revision Creative processes in the arts: undisciplined perspectives Epistemus; vol. 12, no. 1 Uno de los mitos más comunes, entender a la creatividad como un proceso solitario, se refuta con contundencia al ver, escuchar y sentir las producciones colectivas narradas en la mesa de discusión “Los procesos creativos en las artes desde una perspectiva multidisciplinar”, en el marco de las primeras Jornadas para Artistas, Investigadores y Docentes (JAID) organizadas por la Sociedad Argentina para las Ciencias Cognitivas de la Música (SACCoM) . Estas jornadas se organizaron como contraturno de GAPS2 Seminario Global de Artes y Psicología “Creatividad en la música y las artes” realizado en York, Graz, La Plata y Melbourne en septiembre de 2023. El grupo y las experiencias compartidas configuran un contexto donde la creatividad surge de lo colaborativo, lo producido solo puede comprenderse en este marco de acciones, lenguajes y búsquedas conjuntas. Thu, 01 Aug 2024 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168537 2024-08-01T00:00:00Z Uno de los mitos más comunes, entender a la creatividad como un proceso solitario, se refuta con contundencia al ver, escuchar y sentir las producciones colectivas narradas en la mesa de discusión “Los procesos creativos en las artes desde una perspectiva multidisciplinar”, en el marco de las primeras Jornadas para Artistas, Investigadores y Docentes (JAID) organizadas por la Sociedad Argentina para las Ciencias Cognitivas de la Música (SACCoM) . Estas jornadas se organizaron como contraturno de GAPS2 Seminario Global de Artes y Psicología “Creatividad en la música y las artes” realizado en York, Graz, La Plata y Melbourne en septiembre de 2023. El grupo y las experiencias compartidas configuran un contexto donde la creatividad surge de lo colaborativo, lo producido solo puede comprenderse en este marco de acciones, lenguajes y búsquedas conjuntas. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168535 Articulo Experiencia sonora en la narrativa serial "the midnight gospel": alcance cognitivo, pedagógico y psicológico de la serie Epistemus; vol. 12, no. 1 O objetivo deste artigo é identificar, com base numa teoria psicoacústica, o tipo de experiência sonora da narrativa The Midnight gospel (2020), abordando-a enquanto elemento que confere profundidade e multidimensionalidade à narrativa. Recorre-se à noção de níveis de realidade e à ideia de sonosfera para analisar o universo sonoro da série, de modo a elucidar o jogo de imersão musical, vocal e eletrônica que põe à prova a atenção da audiência. As conclusões levam a três aspectos importantes do alcance cognitivo, pedagógico e psicológico da série em análise cujo título já prediz que seus autores querem dar uma “boa notícia à meia-noite”. 1) Percebe-se que, se por um lado, a complexidade sonora mergulha o espectador no ambiente narrativo, ela também o convida a um esforço cognitivo de atenção e compreensão que o retira da condição imersiva. 2) Pedagogicamente, medita-se ouvindo música ou pronunciando sons, amplia-se a percepção fruindo variados repertórios musicais; abre-se o corpo à ampliação da consciência e à escuta do daimon. 3) a imersão musical, o retorno à protomúsica e o “efeito sereia” aparecem como estimulantes psíquicos capazes de devolver ânimo e entusiasmo para a própria existência do personagem, mas também, por um processo de identificação, da audiência.; El objetivo de este artículo es identificar, a partir de una teoría psicoacústica, el tipo de experiencia sonora en la narrativa The Midnight gospel (2020), abordándola como un elemento que le da profundidad y multidimensionalidad a la narrativa. La noción de niveles de realidad y la idea de sonosfera se utilizan para analizar el universo sonoro de la serie, con el fin de dilucidar el juego de inmersión musical, vocal y electrónica que pone a prueba la atención del público. Las conclusiones conducen a tres aspectos importantes del alcance cognitivo, pedagógico y psicológico de la serie analizada, cuyo título ya vaticina que sus autores quieren dar “buenas noticias a medianoche”. 1) Es claro que, si por un lado la complejidad sonora sumerge al espectador en el entorno narrativo, también lo invita a un esfuerzo cognitivo de atención y comprensión que lo aleja de la condición inmersiva. 2) Pedagógicamente se medita escuchando música o pronunciando sonidos, ampliando la percepción disfrutando de variados repertorios musicales; el cuerpo se abre a la expansión de la conciencia y a la escucha del daimon. 3) la inmersión musical, el retorno a la protomúsica y el “efecto sirena” aparecen como estimulantes psíquicos capaces de devolver espíritu y entusiasmo a la propia existencia del personaje, pero también, a través de un proceso de identificación, al público. Thu, 01 Aug 2024 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168535 2024-08-01T00:00:00Z O objetivo deste artigo é identificar, com base numa teoria psicoacústica, o tipo de experiência sonora da narrativa The Midnight gospel (2020), abordando-a enquanto elemento que confere profundidade e multidimensionalidade à narrativa. Recorre-se à noção de níveis de realidade e à ideia de sonosfera para analisar o universo sonoro da série, de modo a elucidar o jogo de imersão musical, vocal e eletrônica que põe à prova a atenção da audiência. As conclusões levam a três aspectos importantes do alcance cognitivo, pedagógico e psicológico da série em análise cujo título já prediz que seus autores querem dar uma “boa notícia à meia-noite”. 1) Percebe-se que, se por um lado, a complexidade sonora mergulha o espectador no ambiente narrativo, ela também o convida a um esforço cognitivo de atenção e compreensão que o retira da condição imersiva. 2) Pedagogicamente, medita-se ouvindo música ou pronunciando sons, amplia-se a percepção fruindo variados repertórios musicais; abre-se o corpo à ampliação da consciência e à escuta do daimon. 3) a imersão musical, o retorno à protomúsica e o “efeito sereia” aparecem como estimulantes psíquicos capazes de devolver ânimo e entusiasmo para a própria existência do personagem, mas também, por um processo de identificação, da audiência. El objetivo de este artículo es identificar, a partir de una teoría psicoacústica, el tipo de experiencia sonora en la narrativa The Midnight gospel (2020), abordándola como un elemento que le da profundidad y multidimensionalidad a la narrativa. La noción de niveles de realidad y la idea de sonosfera se utilizan para analizar el universo sonoro de la serie, con el fin de dilucidar el juego de inmersión musical, vocal y electrónica que pone a prueba la atención del público. Las conclusiones conducen a tres aspectos importantes del alcance cognitivo, pedagógico y psicológico de la serie analizada, cuyo título ya vaticina que sus autores quieren dar “buenas noticias a medianoche”. 1) Es claro que, si por un lado la complejidad sonora sumerge al espectador en el entorno narrativo, también lo invita a un esfuerzo cognitivo de atención y comprensión que lo aleja de la condición inmersiva. 2) Pedagógicamente se medita escuchando música o pronunciando sonidos, ampliando la percepción disfrutando de variados repertorios musicales; el cuerpo se abre a la expansión de la conciencia y a la escucha del daimon. 3) la inmersión musical, el retorno a la protomúsica y el “efecto sirena” aparecen como estimulantes psíquicos capaces de devolver espíritu y entusiasmo a la propia existencia del personaje, pero también, a través de un proceso de identificación, al público. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168534 Articulo Epistemus; vol. 12, no. 1 Entre 2018 y 2021 se realizó una macroencuesta en la que participaron cuatro mil sujetos, todos ellos músicos profesionales y en activo, de la tradición llamada clásica y de formación académica, de noventa y seis países diferentes. Se considera que los participantes han de poseer amplios conocimientos y dominio del repertorio musical de los estilos musicales de diferentes épocas históricas, y con ello se pretende conocer la preferencia musical y dilucidar hasta qué punto ésta puede estar condicionada por el repertorio predominante a lo largo de su formación. La pregunta nuclear de esta investigación solicitaba el nombre de cinco compositores y el resultado obtenido mostró una clara tendencia hacia el barroco y el clasicismo, pues el 51,1% de la muestra coincidió citando a tres compositores: Bach, Mozart y Beethoven, reuniendo el 48,9% restante a más de novecientos compositores. La presencia de compositoras es mínima, pues solo un 3,2% del total de las respuestas se decanta por el repertorio compuesto por mujeres. Predomina el repertorio histórico frente al contemporáneo en la formación profesional, algo que puede verse reflejado tanto en la preferencia musical como en la escucha o la interpretación, ocupando en este estudio lugares poco relevantes.; Between 2018 and 2021, a macro-survey was carried out in which four thousand subjects participated, all of them professional musicians, from ninety-six different countries. It is considered that the participants must have extensive knowledge and mastery of the musical repertoire of the musical styles of different historical eras, this aims to know the musical preference and elucidate to what extent it may be conditioned by the predominant repertoire throughout their training. The core question of this research requested the name of five composers and the result obtained showed a clear tendency with predominance towards Baroque and classicism, since 51.1% of the sample coincided citing three composers: Bach, Mozart and Beethoven, bringing together the remaining 48.9% to more than nine hundred composers. The presence of female composers is minimal, since only 3.2% of the total responses opt for the repertoire composed of women. The historical repertoire predominates over the contemporary repertoire in professional training, something that can be reflected both in musical preference and in listening or interpretation, occupying less relevant places in this study. Thu, 01 Aug 2024 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168534 2024-08-01T00:00:00Z Entre 2018 y 2021 se realizó una macroencuesta en la que participaron cuatro mil sujetos, todos ellos músicos profesionales y en activo, de la tradición llamada clásica y de formación académica, de noventa y seis países diferentes. Se considera que los participantes han de poseer amplios conocimientos y dominio del repertorio musical de los estilos musicales de diferentes épocas históricas, y con ello se pretende conocer la preferencia musical y dilucidar hasta qué punto ésta puede estar condicionada por el repertorio predominante a lo largo de su formación. La pregunta nuclear de esta investigación solicitaba el nombre de cinco compositores y el resultado obtenido mostró una clara tendencia hacia el barroco y el clasicismo, pues el 51,1% de la muestra coincidió citando a tres compositores: Bach, Mozart y Beethoven, reuniendo el 48,9% restante a más de novecientos compositores. La presencia de compositoras es mínima, pues solo un 3,2% del total de las respuestas se decanta por el repertorio compuesto por mujeres. Predomina el repertorio histórico frente al contemporáneo en la formación profesional, algo que puede verse reflejado tanto en la preferencia musical como en la escucha o la interpretación, ocupando en este estudio lugares poco relevantes. Between 2018 and 2021, a macro-survey was carried out in which four thousand subjects participated, all of them professional musicians, from ninety-six different countries. It is considered that the participants must have extensive knowledge and mastery of the musical repertoire of the musical styles of different historical eras, this aims to know the musical preference and elucidate to what extent it may be conditioned by the predominant repertoire throughout their training. The core question of this research requested the name of five composers and the result obtained showed a clear tendency with predominance towards Baroque and classicism, since 51.1% of the sample coincided citing three composers: Bach, Mozart and Beethoven, bringing together the remaining 48.9% to more than nine hundred composers. The presence of female composers is minimal, since only 3.2% of the total responses opt for the repertoire composed of women. The historical repertoire predominates over the contemporary repertoire in professional training, something that can be reflected both in musical preference and in listening or interpretation, occupying less relevant places in this study. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168533 Articulo “Hadī Māši Nāyḍa, Hadī Nahḍa: music, identity and heterodoxy on the threshold of a paradigm. the case of moroccan countercultural music Epistemus; vol. 12, no. 1 El trabajo pretende determinar el papel que puede desempeñar la música juvenil marroquí en la construcción de un ideal identitario disidente. Partiendo del análisis del discurso musical de varios grupos contraculturales buscamos caracterizar el papel de sus formulaciones subversivas de nociones como la pertenencia y la identidad para crear fisuras en la construcción canónica de todo el paradigma cultural. Pretendemos llegar a la conclusión de que tal labor marginal y erosiva abre expectativas de cambio a todo el modelo cultural marroquí marcado por patologías y desajustes crónicos que impiden su regeneración y su metamorfosis.; The work aims to determine the role that Moroccan youth music can play in the construction of a dissident identity ideal. Based on the analysis of the musical discourse of various countercultural groups, we seek to characterize the role of their subversive formulations of notions such as belonging and identity to create fissures in the canonical construction of the entire cultural paradigm. We intend to reach the conclusion that such marginal and erosive work opens expectations of change to the entire Moroccan cultural model marked by pathologies and chronic maladjustments that prevent its regeneration and metamorphosis. Thu, 01 Aug 2024 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/168533 2024-08-01T00:00:00Z El trabajo pretende determinar el papel que puede desempeñar la música juvenil marroquí en la construcción de un ideal identitario disidente. Partiendo del análisis del discurso musical de varios grupos contraculturales buscamos caracterizar el papel de sus formulaciones subversivas de nociones como la pertenencia y la identidad para crear fisuras en la construcción canónica de todo el paradigma cultural. Pretendemos llegar a la conclusión de que tal labor marginal y erosiva abre expectativas de cambio a todo el modelo cultural marroquí marcado por patologías y desajustes crónicos que impiden su regeneración y su metamorfosis. The work aims to determine the role that Moroccan youth music can play in the construction of a dissident identity ideal. Based on the analysis of the musical discourse of various countercultural groups, we seek to characterize the role of their subversive formulations of notions such as belonging and identity to create fissures in the canonical construction of the entire cultural paradigm. We intend to reach the conclusion that such marginal and erosive work opens expectations of change to the entire Moroccan cultural model marked by pathologies and chronic maladjustments that prevent its regeneration and metamorphosis.