http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/196881 Sat, 14 Nov 2026 19:19:47 GMT 2026-11-14T19:19:47Z http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/196888 Articulo Structural aspects in Otros tiempos (1981) and Aquello (1982) by Mariano Etkin; Aspectos estruturais de Otros Tiempos (1981) e Aquello (1982) de Mariano Etkin Ayana; vol. 14, no. 1 El trabajo analiza dos composiciones de M. Etkin, Otros tiempos (1981) y Aquello (1982), que presentan propiedades no habituales en la producción de esos años, caracterizada por un posicionamiento latinoamericanista en términos estéticos y técnicos. Por un lado, las obras se constituyen de acuerdo con supuestos de la tradición organicista europea, por el otro, entre ellas establecen vínculos nunca antes encontrados en la producción del compositor: comparten un mismo material que estructura sendas secciones muy salientes perceptivamente.; The paper analyzes two compositions by M., Otros tiempos (1981) and Aquello (1982), which display properties that are unusual within the output of those years, a period characterized by a Latin Americanist stance in both aesthetic and technical terms. On the one hand, the works are constructed according to assumptions drawn from the European organicist tradition; on the other, they establish links between themselves that are unprecedented in the composer’s production: they share a single material that structures correspondingly highly salient perceptual sections.; Este trabalho analisa duas composições de M. Etkin, Otros tiempos (1981) e Aquello (1982), que exibem características incomuns para sua produção naqueles anos, período marcado por uma postura latino-americanista tanto em termos estéticos quanto técnicos. Por um lado, as obras são construídas segundo os princípios da tradição organicista europeia; por outro, estabelecem conexões inéditas na obra do compositor: compartilham o mesmo material, que estrutura duas seções perceptualmente marcantes. Wed, 01 Jul 2026 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/196888 2026-07-01T00:00:00Z El trabajo analiza dos composiciones de M. Etkin, Otros tiempos (1981) y Aquello (1982), que presentan propiedades no habituales en la producción de esos años, caracterizada por un posicionamiento latinoamericanista en términos estéticos y técnicos. Por un lado, las obras se constituyen de acuerdo con supuestos de la tradición organicista europea, por el otro, entre ellas establecen vínculos nunca antes encontrados en la producción del compositor: comparten un mismo material que estructura sendas secciones muy salientes perceptivamente. The paper analyzes two compositions by M., Otros tiempos (1981) and Aquello (1982), which display properties that are unusual within the output of those years, a period characterized by a Latin Americanist stance in both aesthetic and technical terms. On the one hand, the works are constructed according to assumptions drawn from the European organicist tradition; on the other, they establish links between themselves that are unprecedented in the composer’s production: they share a single material that structures correspondingly highly salient perceptual sections. Este trabalho analisa duas composições de M. Etkin, Otros tiempos (1981) e Aquello (1982), que exibem características incomuns para sua produção naqueles anos, período marcado por uma postura latino-americanista tanto em termos estéticos quanto técnicos. Por um lado, as obras são construídas segundo os princípios da tradição organicista europeia; por outro, estabelecem conexões inéditas na obra do compositor: compartilham o mesmo material, que estrutura duas seções perceptualmente marcantes. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/196887 Articulo El retablo de Maese Pedro (1923) as an epistemological device. Mediation, simulation and cognitive disturbance in the sound-based scenic poetics of Manuel de Falla; El retablo de Pedro (1923) como Dispositivo Epistemológico. Mediação, simulação e perturbação cognitiva na poética cênica-sonora de Manuel de Falla Epistemus; vol. 14, no.1 El presente artículo propone una relectura radicalmente teórica de El retablo de Maese Pedro (1923) de Manuel de Falla, concebida no como una obra escénico-musical en sentido tradicional, sino como un dispositivo epistemológico complejo que articula mediación, simulación y violencia cognitiva. Desde esta perspectiva, el Retablo se analiza como una máquina de conocimiento pre-digital que problematiza los estatutos de representación, escucha y agencia, anticipando modelos contemporáneos de mediación técnica y fragmentación ontológica. Lejos de una aproximación historicista o estilística, el trabajo desplaza el eje interpretativo hacia una ontología escénica estratificada, donde la interacción entre narrador, títeres, intérpretes y oyentes configura un sistema de niveles cognitivos en permanente colisión. En este marco, la destrucción final del retablo por parte de Don Quijote se interpreta no como un gesto anecdótico o narrativo, sino como el colapso interno del dispositivo, revelando la violencia inherente a toda mediación representacional. El artículo dialoga críticamente con la musicología falliana canónica, la teoría de dispositivos, la filosofía de la técnica y la semiótica de la escucha, proponiendo una lectura inédita que sitúa la obra en el centro de una reflexión epistemológica sobre la modernidad musical. Con ello, se plantea que El retablo de Maese Pedro no solo representa una síntesis estética singular, sino una contribución decisiva a la historia del pensamiento musical como forma de conocimiento.; This article proposes a radically theoretical re-reading of El retablo de Maese Pedro (1923) by Manuel de Falla, understood not as a conventional stage-musical work but as a complex epistemological device articulating mediation, simulation, and cognitive violence. From this perspective, the Retablo is analysed as a pre-digital knowledge machine that problematises the statuses of representation, listening, and agency, anticipating contemporary models of technical mediation and ontological fragmentation. Rather than adopting a historicist or stylistic approach, the study shifts the interpretative focus towards a stratified scenic ontology, in which the interaction between narrator, puppets, performers, and listeners generates a system of cognitive levels in constant collision. Within this framework, Don Quixote’s final destruction of the puppet theatre is interpreted not as a narrative anecdote but as the internal collapse of the device itself, revealing the violence inherent in all representational mediation. The article engages critically with canonical Falla scholarship, device theory, philosophy of technology, and the semiotics of listening, offering an unprecedented interpretation that situates the work at the core of an epistemological reflection on musical modernity. In doing so, it argues that El retablo de Maese Pedro constitutes not merely an aesthetic synthesis, but a decisive contribution to the history of musical thought as a form of knowledge.; Este artigo propõe uma releitura radicalmente teórica de O Teatro de Marionetes do Mestre Pedro (1923), de Manuel de Falla, concebido não como uma obra cênica-musical no sentido tradicional, mas como um dispositivo epistemológico complexo que articula mediação, simulação e violência cognitiva. Nessa perspectiva, o Teatro de Marionetes é analisado como uma máquina de conhecimento pré-digital que problematiza os estatutos da representação, da escuta e da agência, antecipando modelos contemporâneos de mediação técnica e fragmentação ontológica. Longe de uma abordagem historicista ou estilística, esta obra desloca o eixo interpretativo para uma ontologia cênica estratificada, onde a interação entre narrador, marionetes, intérpretes e ouvintes configura um sistema de níveis cognitivos em constante colisão. Neste contexto, a destruição final do teatro de marionetes por Dom Quixote é interpretada não como um gesto anedótico ou narrativo, mas como o colapso interno do dispositivo, revelando a violência inerente a toda mediação representacional. O artigo dialoga criticamente com a musicologia canônica de Falla, a teoria do aparato, a filosofia da tecnologia e a semiótica da escuta, propondo uma nova leitura que coloca a obra no centro de uma reflexão epistemológica sobre a modernidade musical. Argumenta-se que O Teatro de Marionetes do Mestre Pedro não apenas representa uma síntese estética singular, mas também uma contribuição decisiva para a história do pensamento musical como forma de conhecimento. Wed, 01 Jul 2026 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/196887 2026-07-01T00:00:00Z El presente artículo propone una relectura radicalmente teórica de El retablo de Maese Pedro (1923) de Manuel de Falla, concebida no como una obra escénico-musical en sentido tradicional, sino como un dispositivo epistemológico complejo que articula mediación, simulación y violencia cognitiva. Desde esta perspectiva, el Retablo se analiza como una máquina de conocimiento pre-digital que problematiza los estatutos de representación, escucha y agencia, anticipando modelos contemporáneos de mediación técnica y fragmentación ontológica. Lejos de una aproximación historicista o estilística, el trabajo desplaza el eje interpretativo hacia una ontología escénica estratificada, donde la interacción entre narrador, títeres, intérpretes y oyentes configura un sistema de niveles cognitivos en permanente colisión. En este marco, la destrucción final del retablo por parte de Don Quijote se interpreta no como un gesto anecdótico o narrativo, sino como el colapso interno del dispositivo, revelando la violencia inherente a toda mediación representacional. El artículo dialoga críticamente con la musicología falliana canónica, la teoría de dispositivos, la filosofía de la técnica y la semiótica de la escucha, proponiendo una lectura inédita que sitúa la obra en el centro de una reflexión epistemológica sobre la modernidad musical. Con ello, se plantea que El retablo de Maese Pedro no solo representa una síntesis estética singular, sino una contribución decisiva a la historia del pensamiento musical como forma de conocimiento. This article proposes a radically theoretical re-reading of El retablo de Maese Pedro (1923) by Manuel de Falla, understood not as a conventional stage-musical work but as a complex epistemological device articulating mediation, simulation, and cognitive violence. From this perspective, the Retablo is analysed as a pre-digital knowledge machine that problematises the statuses of representation, listening, and agency, anticipating contemporary models of technical mediation and ontological fragmentation. Rather than adopting a historicist or stylistic approach, the study shifts the interpretative focus towards a stratified scenic ontology, in which the interaction between narrator, puppets, performers, and listeners generates a system of cognitive levels in constant collision. Within this framework, Don Quixote’s final destruction of the puppet theatre is interpreted not as a narrative anecdote but as the internal collapse of the device itself, revealing the violence inherent in all representational mediation. The article engages critically with canonical Falla scholarship, device theory, philosophy of technology, and the semiotics of listening, offering an unprecedented interpretation that situates the work at the core of an epistemological reflection on musical modernity. In doing so, it argues that El retablo de Maese Pedro constitutes not merely an aesthetic synthesis, but a decisive contribution to the history of musical thought as a form of knowledge. Este artigo propõe uma releitura radicalmente teórica de O Teatro de Marionetes do Mestre Pedro (1923), de Manuel de Falla, concebido não como uma obra cênica-musical no sentido tradicional, mas como um dispositivo epistemológico complexo que articula mediação, simulação e violência cognitiva. Nessa perspectiva, o Teatro de Marionetes é analisado como uma máquina de conhecimento pré-digital que problematiza os estatutos da representação, da escuta e da agência, antecipando modelos contemporâneos de mediação técnica e fragmentação ontológica. Longe de uma abordagem historicista ou estilística, esta obra desloca o eixo interpretativo para uma ontologia cênica estratificada, onde a interação entre narrador, marionetes, intérpretes e ouvintes configura um sistema de níveis cognitivos em constante colisão. Neste contexto, a destruição final do teatro de marionetes por Dom Quixote é interpretada não como um gesto anedótico ou narrativo, mas como o colapso interno do dispositivo, revelando a violência inerente a toda mediação representacional. O artigo dialoga criticamente com a musicologia canônica de Falla, a teoria do aparato, a filosofia da tecnologia e a semiótica da escuta, propondo uma nova leitura que coloca a obra no centro de uma reflexão epistemológica sobre a modernidade musical. Argumenta-se que O Teatro de Marionetes do Mestre Pedro não apenas representa uma síntese estética singular, mas também uma contribuição decisiva para a história do pensamento musical como forma de conhecimento. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/196886 Articulo Artificial intelligence in higher music education from the perspective of teachers and students: Threat or opportunity?; Inteligência artificial no ensino superior de música: a perspectiva de professores e alunos – ameaça ou oportunidade? Epistemus; vol. 14, no. 1 El creciente desarrollo de la inteligencia artificial (IA) plantea desafíos significativos para la educación superior artística y, en particular, para los Conservatorios y Escuelas Superiores de Música (CyESM). El presente estudio tiene como objetivo analizar comparativamente las percepciones del profesorado y del estudiantado respecto a la integración de la IA en la formación musical superior en España. A partir del contraste entre dos investigaciones consecutivas desarrolladas en el marco de la Sociedad para la Educación Musical del Estado Español (2023–2025), se realiza un análisis comparativo estructurado en cinco dimensiones: conocimiento y uso de la IA, valoración pedagógica, competencia digital, tensiones axiológicas y expectativas de integración futura. Los resultados evidencian una brecha entre el reconocimiento del potencial de la IA y su aplicación efectiva en prácticas musicales específicas. Tanto docentes como discentes manifiestan cautela ante su incorporación, especialmente en relación con la creatividad, la autenticidad y la dimensión humana del aprendizaje artístico. No obstante, ambos colectivos coinciden en concebir la IA como herramienta complementaria y no sustitutiva de la enseñanza musical. El estudio aporta una lectura comparativa original que permite comprender el estado actual de la transición digital en los CyESM, subrayando la necesidad de una integración deliberada basada en criterios pedagógicos, institucionales y éticos explícitos.; The rapid development of artificial intelligence (AI) poses significant challenges for higher arts education and, in particular, for Conservatories and Higher Schools of Music (CyESM) in Spain. This study aims to comparatively analyze teachers’ and students’ perceptions regarding the integration of AI into higher music education. Drawing on the contrast between two consecutive research projects conducted within the framework of the Spanish Society for Music Education (2023–2025), a comparative analysis was carried out based on five analytical dimensions: knowledge and use of AI, pedagogical evaluation, digital competence, axiological tensions, and expectations regarding future integration. The results reveal a gap between the acknowledged potential of AI and its effective application in specific musical practices. Both teachers and students express caution regarding its incorporation, particularly in relation to creativity, authenticity, and the human dimension of artistic learning. However, both groups agree in viewing AI as a complementary rather than substitutive tool in music education. This study provides an original comparative perspective that sheds light on the current state of digital transition in Spanish Conservatories and Higher Schools of Music, highlighting the need for a deliberate integration of AI grounded in explicit pedagogical, institutional, and ethical criteria.; O rápido desenvolvimento da inteligência artificial (IA) apresenta desafios significativos para o ensino superior de artes e, em particular, para os Conservatórios e Escolas Superiores de Música (CyESM) na Espanha. Este estudo visa analisar comparativamente as percepções de professores e alunos sobre a integração da IA no ensino superior de música. Com base no contraste entre dois projetos de pesquisa consecutivos realizados no âmbito da Sociedade Espanhola de Educação Musical (2023–2025), foi realizada uma análise comparativa fundamentada em cinco dimensões analíticas: conhecimento e uso da IA, avaliação pedagógica, competência digital, tensões axiológicas e expectativas quanto à futura integração. Os resultados revelam uma lacuna entre o potencial reconhecido da IA e sua aplicação efetiva em práticas musicais específicas. Tanto professores quanto alunos expressam cautela quanto à sua incorporação, particularmente em relação à criatividade, autenticidade e à dimensão humana da aprendizagem artística. No entanto, ambos os grupos concordam em considerar a IA como uma ferramenta complementar, e não substitutiva, na educação musical. Este estudo oferece uma perspectiva comparativa original que lança luz sobre o estado atual da transição digital nos Conservatórios e Escolas Superiores de Música espanhóis, destacando a necessidade de uma integração deliberada da IA, fundamentada em critérios pedagógicos, institucionais e éticos explícitos. Wed, 01 Jul 2026 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/196886 2026-07-01T00:00:00Z El creciente desarrollo de la inteligencia artificial (IA) plantea desafíos significativos para la educación superior artística y, en particular, para los Conservatorios y Escuelas Superiores de Música (CyESM). El presente estudio tiene como objetivo analizar comparativamente las percepciones del profesorado y del estudiantado respecto a la integración de la IA en la formación musical superior en España. A partir del contraste entre dos investigaciones consecutivas desarrolladas en el marco de la Sociedad para la Educación Musical del Estado Español (2023–2025), se realiza un análisis comparativo estructurado en cinco dimensiones: conocimiento y uso de la IA, valoración pedagógica, competencia digital, tensiones axiológicas y expectativas de integración futura. Los resultados evidencian una brecha entre el reconocimiento del potencial de la IA y su aplicación efectiva en prácticas musicales específicas. Tanto docentes como discentes manifiestan cautela ante su incorporación, especialmente en relación con la creatividad, la autenticidad y la dimensión humana del aprendizaje artístico. No obstante, ambos colectivos coinciden en concebir la IA como herramienta complementaria y no sustitutiva de la enseñanza musical. El estudio aporta una lectura comparativa original que permite comprender el estado actual de la transición digital en los CyESM, subrayando la necesidad de una integración deliberada basada en criterios pedagógicos, institucionales y éticos explícitos. The rapid development of artificial intelligence (AI) poses significant challenges for higher arts education and, in particular, for Conservatories and Higher Schools of Music (CyESM) in Spain. This study aims to comparatively analyze teachers’ and students’ perceptions regarding the integration of AI into higher music education. Drawing on the contrast between two consecutive research projects conducted within the framework of the Spanish Society for Music Education (2023–2025), a comparative analysis was carried out based on five analytical dimensions: knowledge and use of AI, pedagogical evaluation, digital competence, axiological tensions, and expectations regarding future integration. The results reveal a gap between the acknowledged potential of AI and its effective application in specific musical practices. Both teachers and students express caution regarding its incorporation, particularly in relation to creativity, authenticity, and the human dimension of artistic learning. However, both groups agree in viewing AI as a complementary rather than substitutive tool in music education. This study provides an original comparative perspective that sheds light on the current state of digital transition in Spanish Conservatories and Higher Schools of Music, highlighting the need for a deliberate integration of AI grounded in explicit pedagogical, institutional, and ethical criteria. O rápido desenvolvimento da inteligência artificial (IA) apresenta desafios significativos para o ensino superior de artes e, em particular, para os Conservatórios e Escolas Superiores de Música (CyESM) na Espanha. Este estudo visa analisar comparativamente as percepções de professores e alunos sobre a integração da IA no ensino superior de música. Com base no contraste entre dois projetos de pesquisa consecutivos realizados no âmbito da Sociedade Espanhola de Educação Musical (2023–2025), foi realizada uma análise comparativa fundamentada em cinco dimensões analíticas: conhecimento e uso da IA, avaliação pedagógica, competência digital, tensões axiológicas e expectativas quanto à futura integração. Os resultados revelam uma lacuna entre o potencial reconhecido da IA e sua aplicação efetiva em práticas musicais específicas. Tanto professores quanto alunos expressam cautela quanto à sua incorporação, particularmente em relação à criatividade, autenticidade e à dimensão humana da aprendizagem artística. No entanto, ambos os grupos concordam em considerar a IA como uma ferramenta complementar, e não substitutiva, na educação musical. Este estudo oferece uma perspectiva comparativa original que lança luz sobre o estado atual da transição digital nos Conservatórios e Escolas Superiores de Música espanhóis, destacando a necessidade de uma integração deliberada da IA, fundamentada em critérios pedagógicos, institucionais e éticos explícitos. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/196884 Articulo Supremacist musical discourses in Melbourne. An analysis of Fortress (1992-1999); Acordes do Poder Branco em Melbourne. Uma Análise Discursiva do Fortress (1992-1999) Epistemus; vol. 14, no. 1 Este estudio examina la escena musical White Power en Melbourne tomando a la banda musical Fortress como un caso paradigmático para comprender los procesos de radicalización ideológica en contextos culturales juveniles. El eje central del análisis se sitúa en la manera en que la agrupación instrumentalizó la música como vehículo de difusión del discurso supremacista, así como en la construcción de una identidad colectiva reactiva frente a los cambios sociales, el avance del multiculturalismo y la reconfiguración demográfica en Australia. La investigación se inscribe en el marco de los estudios culturales y adopta una metodología mixta, que combina el análisis cuantitativo y el análisis discursivo de veintinueve canciones producidas entre 1992 y 1999. A partir de este corpus, se identifican las temáticas predominantes y los mecanismos simbólicos de adoctrinamiento que permitieron a Fortress evolucionar desde una retórica de confrontación callejera hacia una narrativa más elaborada, de carácter místico y con proyección transnacional. Los resultados evidencian una jerarquía temática claramente dominada por la supremacía racial y el orgullo étnico, presentes en quince composiciones, acompañadas por la exaltación de la guerra, la violencia y diversas teorías conspirativas. El análisis permite aislar cuatro mecanismos centrales: la generación de cohesión grupal a través del discurso del orgullo blanco, la legitimación de la violencia mediante recursos musicales y líricos, la construcción de un relato de victimización frente a un enemigo difuso y la sacralización de la lucha política mediante referencias a la mitología nórdica.; This article analyzes the White Power music scene in Melbourne, taking the band Fortress as a paradigmatic case through which to examine processes of ideological radicalization within youth cultural milieus. The analysis focuses on the ways in which the group instrumentalized music as a medium for the dissemination of supremacist ideology, as well as on the construction of a reactive collective identity in response to social transformation, the expansion of multiculturalism, and demographic reconfiguration in Australia. Situated within the field of cultural studies, the research adopts a mixed-methods approach that combines quantitative analysis with critical discourse analysis of twenty-nine songs released between 1992 and 1999. Drawing on this corpus, the study identifies the dominant thematic axes and symbolic mechanisms of indoctrination that facilitated Fortress’s evolution from a discourse of street-level confrontation to a more sophisticated, mythologically inflected narrative with transnational resonance. The findings indicate a thematic hierarchy overwhelmingly dominated by racial supremacy and ethnic pride—present in fifteen compositions—alongside recurrent motifs of war, violence, and conspiracy thinking. The analysis isolates four principal mechanisms: the production of group cohesion through White Pride discourse; the legitimation of violence via musical and lyrical strategies; the articulation of a victimization narrative in opposition to a vaguely defined enemy; and the sacralization of political struggle through references to Norse mythology.; Este estudo examina a cena musical do Poder Branco em Melbourne, utilizando a banda Fortress como um estudo de caso paradigmático para compreender os processos de radicalização ideológica em contextos culturais juvenis. A análise concentra-se em como o grupo instrumentalizou a música como um veículo para disseminar o discurso supremacista branco, bem como na construção de uma identidade coletiva que reagiu às mudanças sociais, à ascensão do multiculturalismo e às mudanças demográficas na Austrália. Esta pesquisa se enquadra no âmbito dos estudos culturais e emprega uma metodologia mista, combinando análise quantitativa e discursiva de vinte e nove canções produzidas entre 1992 e 1999. A partir desse corpus, os temas predominantes e os mecanismos simbólicos de doutrinação são identificados, revelando como o Fortress evoluiu de uma retórica de confronto de rua para uma narrativa mística mais elaborada com alcance transnacional. Os resultados demonstram uma hierarquia temática claramente dominada pela supremacia racial e pelo orgulho étnico, presente em quinze composições, acompanhada pela glorificação da guerra, da violência e de várias teorias da conspiração. A análise isola quatro mecanismos centrais: a geração de coesão grupal por meio do discurso do orgulho branco, a legitimação da violência através de recursos musicais e líricos, a construção de uma narrativa de vitimização contra um inimigo difuso e a sacralização da luta política por meio de referências à mitologia nórdica. Wed, 01 Jul 2026 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/196884 2026-07-01T00:00:00Z Este estudio examina la escena musical White Power en Melbourne tomando a la banda musical Fortress como un caso paradigmático para comprender los procesos de radicalización ideológica en contextos culturales juveniles. El eje central del análisis se sitúa en la manera en que la agrupación instrumentalizó la música como vehículo de difusión del discurso supremacista, así como en la construcción de una identidad colectiva reactiva frente a los cambios sociales, el avance del multiculturalismo y la reconfiguración demográfica en Australia. La investigación se inscribe en el marco de los estudios culturales y adopta una metodología mixta, que combina el análisis cuantitativo y el análisis discursivo de veintinueve canciones producidas entre 1992 y 1999. A partir de este corpus, se identifican las temáticas predominantes y los mecanismos simbólicos de adoctrinamiento que permitieron a Fortress evolucionar desde una retórica de confrontación callejera hacia una narrativa más elaborada, de carácter místico y con proyección transnacional. Los resultados evidencian una jerarquía temática claramente dominada por la supremacía racial y el orgullo étnico, presentes en quince composiciones, acompañadas por la exaltación de la guerra, la violencia y diversas teorías conspirativas. El análisis permite aislar cuatro mecanismos centrales: la generación de cohesión grupal a través del discurso del orgullo blanco, la legitimación de la violencia mediante recursos musicales y líricos, la construcción de un relato de victimización frente a un enemigo difuso y la sacralización de la lucha política mediante referencias a la mitología nórdica. This article analyzes the White Power music scene in Melbourne, taking the band Fortress as a paradigmatic case through which to examine processes of ideological radicalization within youth cultural milieus. The analysis focuses on the ways in which the group instrumentalized music as a medium for the dissemination of supremacist ideology, as well as on the construction of a reactive collective identity in response to social transformation, the expansion of multiculturalism, and demographic reconfiguration in Australia. Situated within the field of cultural studies, the research adopts a mixed-methods approach that combines quantitative analysis with critical discourse analysis of twenty-nine songs released between 1992 and 1999. Drawing on this corpus, the study identifies the dominant thematic axes and symbolic mechanisms of indoctrination that facilitated Fortress’s evolution from a discourse of street-level confrontation to a more sophisticated, mythologically inflected narrative with transnational resonance. The findings indicate a thematic hierarchy overwhelmingly dominated by racial supremacy and ethnic pride—present in fifteen compositions—alongside recurrent motifs of war, violence, and conspiracy thinking. The analysis isolates four principal mechanisms: the production of group cohesion through White Pride discourse; the legitimation of violence via musical and lyrical strategies; the articulation of a victimization narrative in opposition to a vaguely defined enemy; and the sacralization of political struggle through references to Norse mythology. Este estudo examina a cena musical do Poder Branco em Melbourne, utilizando a banda Fortress como um estudo de caso paradigmático para compreender os processos de radicalização ideológica em contextos culturais juvenis. A análise concentra-se em como o grupo instrumentalizou a música como um veículo para disseminar o discurso supremacista branco, bem como na construção de uma identidade coletiva que reagiu às mudanças sociais, à ascensão do multiculturalismo e às mudanças demográficas na Austrália. Esta pesquisa se enquadra no âmbito dos estudos culturais e emprega uma metodologia mista, combinando análise quantitativa e discursiva de vinte e nove canções produzidas entre 1992 e 1999. A partir desse corpus, os temas predominantes e os mecanismos simbólicos de doutrinação são identificados, revelando como o Fortress evoluiu de uma retórica de confronto de rua para uma narrativa mística mais elaborada com alcance transnacional. Os resultados demonstram uma hierarquia temática claramente dominada pela supremacia racial e pelo orgulho étnico, presente em quinze composições, acompanhada pela glorificação da guerra, da violência e de várias teorias da conspiração. A análise isola quatro mecanismos centrais: a geração de coesão grupal por meio do discurso do orgulho branco, a legitimação da violência através de recursos musicais e líricos, a construção de uma narrativa de vitimização contra um inimigo difuso e a sacralização da luta política por meio de referências à mitologia nórdica. http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/196883 Articulo Self-perceptual correction asymmetry in musicians. A theoretical model from pedagogy of evaluation; Assimetria na autopercepção da correção em músicos. Um modelo teórico da pedagogia da avaliação Epistemus; vol. 14, no. 1 La formación de músicos performers produce frecuentemente un fenómeno paradójico: estudiantes objetivamente competentes que persisten en una autopercepción severa de incompetencia, resistente a la evidencia y refractaria a los intentos de corrección. Este trabajo propone un modelo integrado para explicar ese fenómeno, articulado en torno al concepto de asimetría de corrección autoperceptiva: la desproporción estructural entre el bajo costo cognitivo que involucra la instalación de una falsa autoconcepción negativa y el alto costo que requiere su corrección sostenida. Partiendo de la intuición heurística de la ley de Brandolini —originalmente formulada para el dominio intersubjetivo de la desinformación— y de la evidencia empírica, se propone un modelo de proceso con tres fases: el anclaje autocrítico (instalación eficiente de la autoconcepción negativa a través del negativity bias, la consolidación de memoria emocional y la atribución disposicional del error), la inercia de la autoconcepción negativa (mantenimiento pasivo mediante cuatro mecanismos cognitivos: verificación del self, escepticismo motivado, punto ciego del sesgo y self-handicapping anticipatorio) y la resistencia estructural a la corrección. La Ansiedad por Performance Musical es analizada como amplificador sistémico de la asimetría en el contexto de la formación artística. El modelo examina el Algoritmo Evaluativo como intervención que opera upstream o corriente arriba en el ciclo, antes de que los mecanismos de resistencia puedan activarse, y sus limitaciones son reformuladas como predicciones teóricas que abren preguntas de investigación empírica. Se derivan implicaciones para la pedagogía de la evaluación en artes y se proponen líneas de investigación para la verificación del modelo.; Music performance training frequently produces a paradoxical phenomenon: students with objectively evaluable competence who persist in a severe self-perception of incompetence, resistant to evidence and refractory to corrective attempts. This paper proposes an integrated theoretical framework to explain this phenomenon, organized around the concept of self-perceptual correction asymmetry: the structural disproportion between the low cognitive cost involved in installing a false negative selfconception and the high cost required for its sustained correction. Drawing on the heuristic intuition of Brandolini's law —originally formulated for the intersubjective domain of misinformation— and on empirical evidence with Argentine musicians, we propose a three-phase process model: self-critical anchoring (efficient installation of the negative self-conception through the negativity bias, emotional memory consolidation, and dispositional attribution of error); negative self-conception inertia (passive maintenance through four cognitive mechanisms: self-verification, motivated skepticism, bias blind spot, and anticipatory self-handicapping anticipatorio); and structural resistance to correction. Music Performance Anxiety is analyzed as a systemic amplifier of the asymmetry within the specific context of artistic training. In light of the model, the Evaluative Algorithm is examined as an intervention that operates upstream of the cycle, before resistance mechanisms can activate, and its limitations are reformulated as theoretical predictions that open empirical research questions. Implications for arts assessment pedagogy are derived, and research lines for model verification are proposed.; O treinamento de músicos performáticos frequentemente produz um fenômeno paradoxal: alunos objetivamente competentes que persistem em uma severa autopercepção de incompetência, resistente a evidências e impermeável a tentativas de correção. Este trabalho propõe um modelo integrado para explicar esse fenômeno, articulado em torno do conceito de assimetria de correção autoperceptiva: a desproporção estrutural entre o baixo custo cognitivo envolvido no estabelecimento de uma autopercepção falsa negativa e o alto custo necessário para sua correção sustentada. Com base na intuição heurística da lei de Brandolini — originalmente formulada para o domínio intersubjetivo da desinformação — e em evidências empíricas, propõe-se um modelo de processo em três fases: ancoragem autocrítica (instalação eficiente de um autoconceito negativo por meio de viés de negatividade, consolidação da memória emocional e atribuição disposicional de erro), a inércia do autoconceito negativo (manutenção passiva por meio de quatro mecanismos cognitivos: autoverificação, ceticismo motivado, ponto cego de viés e autosabotagem antecipatória) e resistência estrutural à correção. A ansiedade de desempenho é analisada como um amplificador sistêmico da assimetria no contexto da formação artística. O modelo examina o algoritmo avaliativo como uma intervenção a montante no ciclo, antes que os mecanismos de resistência possam ser ativados, e suas limitações são reformuladas como previsões teóricas que abrem questões para pesquisa empírica. Implicações para a pedagogia da avaliação nas artes são derivadas, e linhas de pesquisa são propostas para a verificação do modelo. Wed, 01 Jul 2026 00:00:00 GMT http://sedici.unlp.edu.ar:80/handle/10915/196883 2026-07-01T00:00:00Z La formación de músicos performers produce frecuentemente un fenómeno paradójico: estudiantes objetivamente competentes que persisten en una autopercepción severa de incompetencia, resistente a la evidencia y refractaria a los intentos de corrección. Este trabajo propone un modelo integrado para explicar ese fenómeno, articulado en torno al concepto de asimetría de corrección autoperceptiva: la desproporción estructural entre el bajo costo cognitivo que involucra la instalación de una falsa autoconcepción negativa y el alto costo que requiere su corrección sostenida. Partiendo de la intuición heurística de la ley de Brandolini —originalmente formulada para el dominio intersubjetivo de la desinformación— y de la evidencia empírica, se propone un modelo de proceso con tres fases: el anclaje autocrítico (instalación eficiente de la autoconcepción negativa a través del negativity bias, la consolidación de memoria emocional y la atribución disposicional del error), la inercia de la autoconcepción negativa (mantenimiento pasivo mediante cuatro mecanismos cognitivos: verificación del self, escepticismo motivado, punto ciego del sesgo y self-handicapping anticipatorio) y la resistencia estructural a la corrección. La Ansiedad por Performance Musical es analizada como amplificador sistémico de la asimetría en el contexto de la formación artística. El modelo examina el Algoritmo Evaluativo como intervención que opera upstream o corriente arriba en el ciclo, antes de que los mecanismos de resistencia puedan activarse, y sus limitaciones son reformuladas como predicciones teóricas que abren preguntas de investigación empírica. Se derivan implicaciones para la pedagogía de la evaluación en artes y se proponen líneas de investigación para la verificación del modelo. Music performance training frequently produces a paradoxical phenomenon: students with objectively evaluable competence who persist in a severe self-perception of incompetence, resistant to evidence and refractory to corrective attempts. This paper proposes an integrated theoretical framework to explain this phenomenon, organized around the concept of self-perceptual correction asymmetry: the structural disproportion between the low cognitive cost involved in installing a false negative selfconception and the high cost required for its sustained correction. Drawing on the heuristic intuition of Brandolini's law —originally formulated for the intersubjective domain of misinformation— and on empirical evidence with Argentine musicians, we propose a three-phase process model: self-critical anchoring (efficient installation of the negative self-conception through the negativity bias, emotional memory consolidation, and dispositional attribution of error); negative self-conception inertia (passive maintenance through four cognitive mechanisms: self-verification, motivated skepticism, bias blind spot, and anticipatory self-handicapping anticipatorio); and structural resistance to correction. Music Performance Anxiety is analyzed as a systemic amplifier of the asymmetry within the specific context of artistic training. In light of the model, the Evaluative Algorithm is examined as an intervention that operates upstream of the cycle, before resistance mechanisms can activate, and its limitations are reformulated as theoretical predictions that open empirical research questions. Implications for arts assessment pedagogy are derived, and research lines for model verification are proposed. O treinamento de músicos performáticos frequentemente produz um fenômeno paradoxal: alunos objetivamente competentes que persistem em uma severa autopercepção de incompetência, resistente a evidências e impermeável a tentativas de correção. Este trabalho propõe um modelo integrado para explicar esse fenômeno, articulado em torno do conceito de assimetria de correção autoperceptiva: a desproporção estrutural entre o baixo custo cognitivo envolvido no estabelecimento de uma autopercepção falsa negativa e o alto custo necessário para sua correção sustentada. Com base na intuição heurística da lei de Brandolini — originalmente formulada para o domínio intersubjetivo da desinformação — e em evidências empíricas, propõe-se um modelo de processo em três fases: ancoragem autocrítica (instalação eficiente de um autoconceito negativo por meio de viés de negatividade, consolidação da memória emocional e atribuição disposicional de erro), a inércia do autoconceito negativo (manutenção passiva por meio de quatro mecanismos cognitivos: autoverificação, ceticismo motivado, ponto cego de viés e autosabotagem antecipatória) e resistência estrutural à correção. A ansiedade de desempenho é analisada como um amplificador sistêmico da assimetria no contexto da formação artística. O modelo examina o algoritmo avaliativo como uma intervenção a montante no ciclo, antes que os mecanismos de resistência possam ser ativados, e suas limitações são reformuladas como previsões teóricas que abrem questões para pesquisa empírica. Implicações para a pedagogia da avaliação nas artes são derivadas, e linhas de pesquisa são propostas para a verificação do modelo.